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December 18 – 21, 2024, HAU Hebbel am Ufer, HAU 3, Germany (PREMIERE)

SILVER BUTCH AND BABY BUTCH
Antonia Baehr & Bettina Blanc Penther
in a visual installation by Nadia Lauro

engl.
„Silver Butch and Baby Butch“ is a duet by Antonia Baehr and Bettina Blanc Penther, in which two generations meet around the figure of the butch dyke.
“It used to be the end, and now it is the beginning,” says Silver Butch to Baby Butch.
The two of them are knitting time: inside, underneath, around, the gestures they’ve learned from the past become a pattern with holes. On stage, the lines of history bend, they make knots and pat each other on the back. 
The plaid flannel motif, emblematic of the butch lesbian, is transformed into a choreographic and musical score.
Is the butch an anachronistic figure, is she of all time, or does she belong to the future? In other words, how can this figure bring about a reflection on time? How does it allow us to twist time, to open up its entrails in order to understand the forms of domination at work in our personal, social and cultural histories?
In the midst of a visual installation by Nadia Lauro, a sound creation by Diane Blondeau and a lighting design by Eduardo Abdala, the audience is invited into the atmosphere of the myth of the „last lesbian bar“. Here, the two characters are safe for a while, but they remember that the devil never dies.

fr.
« Silver Butch et Baby Butch » est un duo d’Antonia Baehr et Bettina Blanc Penther, dans lequel deux générations se rencontrent autour de la figure de la gouine butch. 
« C’était la fin, mais maintenant, tout commence » dit Silver Butch à Baby Butch. 
Les deux personnages tricotent le temps: à l’intérieur, en dessous, autour, les gestes, qu’iels ont appris du passé deviennent un motif troué. 
Au plateau, les lignes de l’Histoire se courbent, on noue des ficelles, et on se donne des tapes dans le dos. Le motif du tartan, emblématique de la lesbienne butch, est transformé en une partition chorégraphique et musicale.
De par son lien à une chronicité, la figure de la butch est-elle finalement de tout temps, ou bien du futur? En d’autres termes, quelle reflexion nous emmène cette figure sur le temps? Comment nous permet-elle de le tordre, d’ouvrir ses entrailles pour comprendre les formes de dominations qui sont à l’œuvre dans nos histoires personnelles, sociales ou culturelles?
Au milieu d’une installation visuelle de Nadia Lauro, d’une création sonore de Diane Blondeau et d’une création lumière d’Eduardo Abdala, le public est invité dans l’atmosphère du mythe du « dernier bar lesbien ». Là, les deux personnages y sont à l’abris pour un petit moment, mais iels se/nous rappellent que le Diable ne meurt jamais.

de.
„Silver Butch und Baby Butch“ ist ein Duett von Antonia Baehr und Bettina Blanc Penther, in dem sich zwei Generationen um die Figur der Butch-Lesbe begegnen.
„Früher war das das Ende, und jetzt ist es der Anfang“, sagt Silver Butch zu Baby Butch.
Die beiden stricken die Zeit: innen, unten, rundherum werden die Gesten, die sie aus der Vergangenheit gelernt haben, zu einem durchlöcherten Muster. Auf der Bühne krümmen sich die Linien der Geschichte, es werden Fäden geknüpft und man klopft sich gegenseitig auf die Schulter.
Das karierte Flanellhemd, Klassiker der Butch-Lesbe, wird in eine choreografische und musikalische Partitur verwandelt.
Ist die Butch eine anachronistische Figur, ist sie aus der Zeit gefallen, oder gehört sie der Zukunft an? Mit anderen Worten: Wie kann diese Figur eine Reflexion über Zeit anregen? Wie ermöglicht sie es uns, die Zeit zu verdrehen, ihre Eingeweide zu öffnen, um die Machtstrukturen zu verstehen, die in unserer persönlichen, sozialen und kulturellen Geschichte wirken?
In einer visuellen Installation von Nadia Lauro, einer Klangkreation von Diane Blondeau und einem Lichtdesign von Eduardo Abdala wird das Publikum in die Atmosphäre des Mythos der „letzten Lesbenbar“ eingeladen. Hier sind die beiden Figuren für eine Weile in Sicherheit, aber sie erinnern sich und uns daran, dass der Teufel niemals stirbt.

photo: Angela Ottobah

November 30 – December 1, 2024, Kaaitheater, Belgium

CAVALIERS IMPURS (TROUBLED RIDERS)

engl.
The duo „Cavaliers impurs“ (Troubled Riders) is a cabaret, a collage of genre-bending acts that takes
place in a giant opened-out cardboard box. The piece celebrates the art of dance, the cover version,
the drag show and features the menopausal dance, and performance art gone adrift. From number to
number, the two performers channel a multitude of venerable personalities who come to populate the
stage.

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Photo: Nadia Lauro

November 14 – 16, 2024, Festival d’Automne à Paris, France

CAVALIERS IMPURS (TROUBLED RIDERS)

engl.
The duo „Cavaliers impurs“ (Troubled Riders) is a cabaret, a collage of genre-bending acts that takes
place in a giant opened-out cardboard box. The piece celebrates the art of dance, the cover version,
the drag show and features the menopausal dance, and performance art gone adrift. From number to
number, the two performers channel a multitude of venerable personalities who come to populate the
stage.

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Photo: Nadia Lauro

September 4 – 5, 2024, Short Festival, La Pelanda –  Mattatoio di Roma, Italy

CAVALIERS IMPURS (TROUBLED RIDERS)

engl.
The duo „Cavaliers impurs“ (Troubled Riders) is a cabaret, a collage of genre-bending acts that takes
place in a giant opened-out cardboard box. The piece celebrates the art of dance, the cover version,
the drag show and features the menopausal dance, and performance art gone adrift. From number to
number, the two performers channel a multitude of venerable personalities who come to populate the
stage.

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Photo: Nadia Lauro

August 5 – 9, 2024, ImpulsTanz, Austria

THE AMBITION OF FAILING

engl.
The Field Project by Antonia Baehr and Jule Flierl is centred on questions of ‘ingenious dilettantism’: on ability, inability, on trial and error. Which working methods result from the ambition of failure, which norms are thus cancelled out and how can this be a pleasurable, comical celebration? Idiocy. Punk. Reverence.

Using art historical examples, the group explores and responds to examples by Robert Filliou, Gabriele Stötzer, Die Tödliche Doris and Florence Foster Jenkins, among others.

de.
Das Field Project von Antonia Baehr und Jule Flierl orientiert sich an Fragestellungen des „genialen Dilettantismus“: zu Können, Nicht-Können und dem Versuchen. Welche Arbeitsweisen ergeben sich aus der Ambition des Scheiterns, welche Normen werden damit ausgehebelt und wie kann das ein lustvolles, komisches Fest sein? Idiotie. Punk. Ehrfurchtslosigkeit.

Mit kunsthistorischen Beispielen erforscht und antwortet die Gruppe auf Beispiele u. a. von Robert Filliou, Gabriele Stötzer, Die Tödliche Doris und Florence Foster Jenkins.

Es geht um eine Selbstermächtigung gegenüber erlernten Professionalitätsstandards in Bezug auf Performance, Bewegung, Gesicht und Stimme.

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Photo: Karolina Sobel

June 11, 2024, Festival Latitude Contemporaine, France

CAVALIERS IMPURS (TROUBLED RIDERS)

engl.
The duo „Cavaliers impurs“ (Troubled Riders) is a cabaret, a collage of genre-bending acts that takes
place in a giant opened-out cardboard box. The piece celebrates the art of dance, the cover version,
the drag show and features the menopausal dance, and performance art gone adrift. From number to
number, the two performers channel a multitude of venerable personalities who come to populate the
stage.

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Photo: Nadia Lauro

June 8 – September 22, Exhibition in the framework of The lives of Animals – Museum of Contemporary Art Antwerp (M HKA), Belgium

ABECEDARIUM BESTIARIUM – Exhibition

engl.

The Lives of Animals

We all know many stories about animals; they are part of our collective imagi­nation. Since our childhood, we have spent time observing animals in various situations. Many of us have also formed personal opinions about them. Animals are probably among the most popular and, at the same time, the most complex subjects to have accompanied us since our species emerged. Humans are evolv­ing along with animals, which is why our attitude towards them has changed over the course of history.

The exhibition The Lives of Animals looks at the subject of animals from the perspective of the visual arts, asking the fundamental question about what an animal is and whether humans can be friends with animals. Participating artists critically examine the attitudes of ‘human exceptionalism’, stemming from the belief that animals do not un­derstand the concept of death or have a sense of future.

Can we, and under what circumstances, adopt an animal perspective?

Artists

Noor Abuarafeh, Antonia Baehr (together with Dodo Heidenreich, Nanna Heidenreich, Mirjam Junker, Itamar Lerner, Catriona Shaw, Ida Wilde, Steffi Weismann), Yevgenia Belorusets, Pierre Bismuth, melanie bonajo, Elen Braga, Sue Coe, Simone Forti, Nicolás García Uriburu, Piero Gilardi, Golden Snail Opera Collective (Isabelle Carbonell, Joelle Chevrier, Yen-Ling Tsai, Anna Tsing), Rebecca Horn, Katarzyna Krakowiak, K.P. Krishnakumar, Luís Lázaro Matos, Laura Lima, Anne Marie Maes, Dafna Maimon, Britta Marakatt-Labba, Ad Minoliti, Jean Painlevé, Charlemagne Palestine, Panamarenko, Rosana Paulino, Janis Rafa, Lin May Saeed, Tomás Saraceno, Carolee Schneemann, Filip Van Dingenen, Aleksandra Waliszewska.

Contextualisation

In the last two decades, animal studies has emerged worldwide as a new aca­demic discipline. Scientists engage in questions regarding concepts of ‘ani­mality’, ‘animalisation’, or ‘becoming animal’, to investigate human-created representations and cultural imaginings on the subject. Animal studies strives to understand human-animal relationships from a historical perspective, paying attention to the complexity of the issue, in connection with animal rights move­ments, ethics of care, ecology, feminism, human rights, postcolonial studies, and other disciplines.

It is important to mention that the ori­gins of the animal rights movement can be found in nineteenth-century Europe. The increasingly widespread ideals of liberty associated with the suffragettes’ fight for women’s rights, as well as the abolitionists’ struggle for the freedom of Black slaves, created fertile ground for the nascent animals liberation move­ments. Since then, various activists and researchers have been examining the state of animal objectification in the context of the food industry, clothing industry and entertainment industries, to name just a few areas where animals are exploited.

More info about Abecedarium Bestiarium here

Photo: Anja Weber

April 11, 2024, Screening in the framework of Rencontres Internationales Paris/Berlin, Haus der Kultur der Welt (HKW), Germany

DIE HÖRPOSAUNE screening on Thursday, April 11 at 4 p.m.

engl.

a film installation by Antonia Baehr & Jule Flierl & Isabell Spengler,with Werner Hirsch and Jule Flierl, in a visual installation by Nadia Lauro.

„DIE HÖRPOSAUNE is a metabolizing landscape. It is impossible to say where it begins or ends. It is a sequence of openings that can absorb and expel. The eye, the ear, the body, the watching and the listening—they all are breathed in with that first inhalation, despite the distance from and mediation through the camera.”  – Luise Meier

DIE HÖRPOSAUNE (The Hearing Trombone) is a film installation that stages a concert in an intimate immersive space. Hearing and breathing don’t happen naturally here, but are instead organized through spherical head-shields and earphone connections. Two performers vocally interpret the three-dimensional content of pop-up books that show the insides of a humans’ body and opulent flower bouquets, by emitting subtle, insalivated and pre-verbal sound. They play to a small audience seated around them in unusual postures of attentive listening. At the end the two performers move in a spaceless room and sing a baroque song in an invented language.

A reappearing musical motif of DIE HÖRPOSAUNE is the baroque “Song of the Cold Genius” by Henry Purcell. This song has been famously performed by the counter tenor and queer icon Klaus Nomi in New York of the 1980’s, while he was already suffering from the effects of HIV. He was one of the first public figures to die within the AIDS pandemic and his interpretation of the song directly anticipated his untimely death. 

The rehearsals to DIE HÖRPOSAUNE by Antonia Baehr and Jule Flierl, accompanied by scenographer Nadia Lauro, started at the beginning of the COVID-pandemic. New questions around the intimacy of being together in shared spaces and of the intrusiveness of sharing breath emerged and fed the imaginary world of the dream-like film installation, realized in collaboration with filmmaker Isabell Spengler. In a surround-sound environment, the film installation offers an experience of remote closeness mediated through exuberant images and tactile vocal sounds. 

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photo: Anja Weber

February, 2024, Videorama, Werkleitz, Germany

Projection DIE HÖRPOSAUNE every evening (in loop) from dusk (currently approx. 17:00) at our Videorama shop window

engl.

a film installation by Antonia Baehr & Jule Flierl & Isabell Spengler,with Werner Hirsch and Jule Flierl, in a visual installation by Nadia Lauro.

„DIE HÖRPOSAUNE is a metabolizing landscape. It is impossible to say where it begins or ends. It is a sequence of openings that can absorb and expel. The eye, the ear, the body, the watching and the listening—they all are breathed in with that first inhalation, despite the distance from and mediation through the camera.”  – Luise Meier

DIE HÖRPOSAUNE (The Hearing Trombone) is a film installation that stages a concert in an intimate immersive space. Hearing and breathing don’t happen naturally here, but are instead organized through spherical head-shields and earphone connections. Two performers vocally interpret the three-dimensional content of pop-up books that show the insides of a humans’ body and opulent flower bouquets, by emitting subtle, insalivated and pre-verbal sound. They play to a small audience seated around them in unusual postures of attentive listening. At the end the two performers move in a spaceless room and sing a baroque song in an invented language.

A reappearing musical motif of DIE HÖRPOSAUNE is the baroque “Song of the Cold Genius” by Henry Purcell. This song has been famously performed by the counter tenor and queer icon Klaus Nomi in New York of the 1980’s, while he was already suffering from the effects of HIV. He was one of the first public figures to die within the AIDS pandemic and his interpretation of the song directly anticipated his untimely death. 

The rehearsals to DIE HÖRPOSAUNE by Antonia Baehr and Jule Flierl, accompanied by scenographer Nadia Lauro, started at the beginning of the COVID-pandemic. New questions around the intimacy of being together in shared spaces and of the intrusiveness of sharing breath emerged and fed the imaginary world of the dream-like film installation, realized in collaboration with filmmaker Isabell Spengler. In a surround-sound environment, the film installation offers an experience of remote closeness mediated through exuberant images and tactile vocal sounds. 

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photo: Anja Weber

February 24, 2024, Festival Salmon, Mercat de les Flors, Spain

CAVALIERS IMPURS (TROUBLED RIDERS)

engl.
The duo „Cavaliers impurs“ (Troubled Riders) is a cabaret, a collage of genre-bending acts that takes
place in a giant opened-out cardboard box. The piece celebrates the art of dance, the cover version,
the drag show and features the menopausal dance, and performance art gone adrift. From number to
number, the two performers channel a multitude of venerable personalities who come to populate the
stage.

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Photo: Nadia Lauro

January 12, 2024, Epistemopolgies in crisis – Activations of the Extended Library of Hamburg´s Art School HfBK, The Extended Library: Performance Studio der HFBK Hamburg, Germany

TONTÄNZE performances by Antonia Baehr & Jule Flierl and discussion with Isabell Spengler, Antonia Baehr, Jule Flierl, Margarita Tsoumou.

engl.
The term „Tontänze“ comes from Valeska Gert. “Tontanz“ describes the movement of voice in the body and thus departs from the cliché of the silent dancer. Jule Flierl and Antonia Baehr take up this conceptual term, which opens up new forms of relationship between body, dance and voice in this selection.
Jule Flierl and Antonia Baehr got to know each other through the transmission of a score. When Antonia Baehr sent Jule Flierl the score to Antonia Baehr’s piece MY DOG IS MY PIANO, the two began a reflection and practice in the interstice between written instructions and artistic processes.

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January 12, 2024, Epistemopolgies in crisis – Activations of the Extended Library of Hamburg´s Art School HfBK, The Extended Library: Performance Studio der HFBK Hamburg, Germany

Projection DIE HÖRPOSAUNE presented with an impulse response lecture by Margarita Tsoumou.

engl.

a film installation by Antonia Baehr & Jule Flierl & Isabell Spengler,with Werner Hirsch and Jule Flierl, in a visual installation by Nadia Lauro.

„DIE HÖRPOSAUNE is a metabolizing landscape. It is impossible to say where it begins or ends. It is a sequence of openings that can absorb and expel. The eye, the ear, the body, the watching and the listening—they all are breathed in with that first inhalation, despite the distance from and mediation through the camera.”  – Luise Meier

DIE HÖRPOSAUNE (The Hearing Trombone) is a film installation that stages a concert in an intimate immersive space. Hearing and breathing don’t happen naturally here, but are instead organized through spherical head-shields and earphone connections. Two performers vocally interpret the three-dimensional content of pop-up books that show the insides of a humans’ body and opulent flower bouquets, by emitting subtle, insalivated and pre-verbal sound. They play to a small audience seated around them in unusual postures of attentive listening. At the end the two performers move in a spaceless room and sing a baroque song in an invented language.

A reappearing musical motif of DIE HÖRPOSAUNE is the baroque “Song of the Cold Genius” by Henry Purcell. This song has been famously performed by the counter tenor and queer icon Klaus Nomi in New York of the 1980’s, while he was already suffering from the effects of HIV. He was one of the first public figures to die within the AIDS pandemic and his interpretation of the song directly anticipated his untimely death. 

The rehearsals to DIE HÖRPOSAUNE by Antonia Baehr and Jule Flierl, accompanied by scenographer Nadia Lauro, started at the beginning of the COVID-pandemic. New questions around the intimacy of being together in shared spaces and of the intrusiveness of sharing breath emerged and fed the imaginary world of the dream-like film installation, realized in collaboration with filmmaker Isabell Spengler. In a surround-sound environment, the film installation offers an experience of remote closeness mediated through exuberant images and tactile vocal sounds. 

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photo: Anja Weber

November 24, 2023, attaque(e)r le visible, at ngbk-berlin, Germany

engl.

projection DIE HÖRPOSAUNE, followed by a discussion about feminist video collectives with Jule Flierl and Isabell Spengler.

Antonia Baehr, Isabell Spengler and Jule Flierl do not form a fixed collective. Some of them have known each other for a long time and have worked together in various constellations. DIE HÖRPOSAUNE was created in a temporary structure in which Isabell, Antonia and Jule met for the first time as a trio of co-authors and drew from each other. They describe their work as a transdisciplinary collaboration.

DIE HÖRPOSAUNE is a film installation by Antonia Baehr & Jule Flierl & Isabell Spengler, with Werner Hirsch and Jule Flierl, in a visual installation by Nadia Lauro.

„DIE HÖRPOSAUNE is a metabolizing landscape. It is impossible to say where it begins or ends. It is a sequence of openings that can absorb and expel. The eye, the ear, the body, the watching and the listening—they all are breathed in with that first inhalation, despite the distance from and mediation through the camera.”  – Luise Meier

DIE HÖRPOSAUNE (The Hearing Trombone) is a film installation that stages a concert in an intimate immersive space. Hearing and breathing don’t happen naturally here, but are instead organized through spherical head-shields and earphone connections. Two performers vocally interpret the three-dimensional content of pop-up books that show the insides of a humans’ body and opulent flower bouquets, by emitting subtle, insalivated and pre-verbal sound. They play to a small audience seated around them in unusual postures of attentive listening. At the end the two performers move in a spaceless room and sing a baroque song in an invented language.

A reappearing musical motif of DIE HÖRPOSAUNE is the baroque “Song of the Cold Genius” by Henry Purcell. This song has been famously performed by the counter tenor and queer icon Klaus Nomi in New York of the 1980’s, while he was already suffering from the effects of HIV. He was one of the first public figures to die within the AIDS pandemic and his interpretation of the song directly anticipated his untimely death. 

The rehearsals to DIE HÖRPOSAUNE by Antonia Baehr and Jule Flierl, accompanied by scenographer Nadia Lauro, started at the beginning of the COVID-pandemic. New questions around the intimacy of being together in shared spaces and of the intrusiveness of sharing breath emerged and fed the imaginary world of the dream-like film installation, realized in collaboration with filmmaker Isabell Spengler. In a surround-sound environment, the film installation offers an experience of remote closeness mediated through exuberant images and tactile vocal sounds. 

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photo: Anja Weber

November 17 – 19, 2023, FRAC Bretagne en collaboration avec le Festival du TNB Théâtre national de Bretagne, France

engl.

a film installation by Antonia Baehr & Jule Flierl & Isabell Spengler,with Werner Hirsch and Jule Flierl, in a visual installation by Nadia Lauro.

„DIE HÖRPOSAUNE is a metabolizing landscape. It is impossible to say where it begins or ends. It is a sequence of openings that can absorb and expel. The eye, the ear, the body, the watching and the listening—they all are breathed in with that first inhalation, despite the distance from and mediation through the camera.”  – Luise Meier

DIE HÖRPOSAUNE (The Hearing Trombone) is a film installation that stages a concert in an intimate immersive space. Hearing and breathing don’t happen naturally here, but are instead organized through spherical head-shields and earphone connections. Two performers vocally interpret the three-dimensional content of pop-up books that show the insides of a humans’ body and opulent flower bouquets, by emitting subtle, insalivated and pre-verbal sound. They play to a small audience seated around them in unusual postures of attentive listening. At the end the two performers move in a spaceless room and sing a baroque song in an invented language.

A reappearing musical motif of DIE HÖRPOSAUNE is the baroque “Song of the Cold Genius” by Henry Purcell. This song has been famously performed by the counter tenor and queer icon Klaus Nomi in New York of the 1980’s, while he was already suffering from the effects of HIV. He was one of the first public figures to die within the AIDS pandemic and his interpretation of the song directly anticipated his untimely death. 

The rehearsals to DIE HÖRPOSAUNE by Antonia Baehr and Jule Flierl, accompanied by scenographer Nadia Lauro, started at the beginning of the COVID-pandemic. New questions around the intimacy of being together in shared spaces and of the intrusiveness of sharing breath emerged and fed the imaginary world of the dream-like film installation, realized in collaboration with filmmaker Isabell Spengler. In a surround-sound environment, the film installation offers an experience of remote closeness mediated through exuberant images and tactile vocal sounds. 

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photo: Anja Weber

November 19, 2023, FRAC Bretagne en collaboration avec le Festival du TNB Théâtre national de Bretagne, France

ENCOUNTER WITH ANTONIA BAEHR

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November 15 – 18, 2023, Festival du TNB Théâtre national de Bretagne, France

CAVALIERS IMPURS (Troubled Riders)

engl.
The duo „Cavaliers impurs“ (Troubled Riders) is a cabaret, a collage of genre-bending acts that takes
place in a giant opened-out cardboard box. The piece celebrates the art of dance, the cover version,
the drag show and features the menopausal dance, and performance art gone adrift. From number to
number, the two performers channel a multitude of venerable personalities who come to populate the
stage.

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Photo: Nadia Lauro

November 1, 2023, Festival Rencontres Internationales, projection at cinema: Luminor Hôtel de Ville, program: Queer sismic, France

engl.

a film installation by Antonia Baehr & Jule Flierl & Isabell Spengler,with Werner Hirsch and Jule Flierl, in a visual installation by Nadia Lauro.

„DIE HÖRPOSAUNE is a metabolizing landscape. It is impossible to say where it begins or ends. It is a sequence of openings that can absorb and expel. The eye, the ear, the body, the watching and the listening—they all are breathed in with that first inhalation, despite the distance from and mediation through the camera.”  – Luise Meier

DIE HÖRPOSAUNE (The Hearing Trombone) is a film installation that stages a concert in an intimate immersive space. Hearing and breathing don’t happen naturally here, but are instead organized through spherical head-shields and earphone connections. Two performers vocally interpret the three-dimensional content of pop-up books that show the insides of a humans’ body and opulent flower bouquets, by emitting subtle, insalivated and pre-verbal sound. They play to a small audience seated around them in unusual postures of attentive listening. At the end the two performers move in a spaceless room and sing a baroque song in an invented language.

A reappearing musical motif of DIE HÖRPOSAUNE is the baroque “Song of the Cold Genius” by Henry Purcell. This song has been famously performed by the counter tenor and queer icon Klaus Nomi in New York of the 1980’s, while he was already suffering from the effects of HIV. He was one of the first public figures to die within the AIDS pandemic and his interpretation of the song directly anticipated his untimely death. 

The rehearsals to DIE HÖRPOSAUNE by Antonia Baehr and Jule Flierl, accompanied by scenographer Nadia Lauro, started at the beginning of the COVID-pandemic. New questions around the intimacy of being together in shared spaces and of the intrusiveness of sharing breath emerged and fed the imaginary world of the dream-like film installation, realized in collaboration with filmmaker Isabell Spengler. In a surround-sound environment, the film installation offers an experience of remote closeness mediated through exuberant images and tactile vocal sounds. 

photo: Anja Weber

October 25 – 28, 2023, HAU Hebbel am Ufer, HAU 3, Germany (PREMIERE)

CAVALIERS IMPURS

engl.
The duo „Cavaliers impurs“ (Troubled Riders) is a cabaret, a collage of genre-bending acts that takes
place in a giant opened-out cardboard box. The piece celebrates the art of dance, the cover version,
the drag show and features the menopausal dance, and performance art gone adrift. From number to
number, the two performers channel a multitude of venerable personalities who come to populate the
stage.

de.
Das Duett „Cavalier impurs“ (Verstörte Reiter) ist ein Cabaret in einer riesigen, aufgeklappten Pappschachtel. Eine Collage, die fröhlich und ungeniert eine Vielzahl von Genres überschreitet. Das Stück feiert Tanzkunst, Coverversion und Dragshow, es zeigt den Tanz der Menopause und auf die schiefe Bahn geratene Performance Kunst. Von Nummer zu Nummer beschwört das Zweigespann eine Schar ehrwürdiger Persönlichkeiten herauf, die nach und nach die Bühne bevölkern.

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Photo: Nadia Lauro

November 11, 2023 – February 02, 2024, Musée d’art et d’histoire, Switzerland

RIRE / LAUGH / LACHEN
with a video work by Antonia Baehr and Olivier Bertrand (2008)

fr.
Sauter en l’air, trembler de tout son corps ou se prosterner, faire une grimace, tirer la langue ou rouler les yeux, joindre les mains, croiser les bras ou lever les jambes : les êtres humains n’échangent pas seulement par la parole, ils interagissent aussi souvent sans mots. La troisième exposition de la série Corpus est consacrée au corps comme moyen de communication et d’expression.

de.
Luftsprünge vollführen, am ganzen Körper erzittern oder sich niederwerfen, eine Grimasse schneiden, die Zunge herausstrecken oder die Augen verdrehen, die Hände falten, die Arme verschränken oder die Beine hochlegen: Menschen verständigen sich nicht nur mit ihrer Sprache, sie teilen sich oft auch ohne Worte mit. Dem Körper als Kommunikations- und Ausdrucksmittel ist die dritte Ausstellung der Corpus-Reihe gewidmet.

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September 10, 2023, Schloss Charlottenburg in the frame of the Performance in der Kleinen Orangerie, Germany

PARTS FROM MY DOG IS MY PIANO, a sonic lecture-performance

engl.

One of them is quick, the other slow, one gulps down his food, the other one savours it, one of them is at the beginning of his life, the other one started her last quarter, one knows her ancestors of at least six generations, the other one is unaware until his grandparents, and both have metal ends in their bodies.
Tocki von Arnim and Bettina von Arnim live together in the same house. They do not speak the same language, they are hardly alike and yet, they have assembled.
In My Dog is My Piano, Antonia Baehr sketches a subjective acoustic portrait of the affinity between her mother and her dog: can the house they share be read as the music score of the stories of canine-human living together? What kind of language emerges from this long duet of everyday comings and goings, of these choreographies of affinities?

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Photo: A.Baehr – make up productions

photo: Oliver Möst

July 15, 2023, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden in the frame of the opening of the exhibition AUDITIONS FOR AN UNWRITTEN OPERA, Germany

TONTÄNZE (A SELECTION)
with Antonia Baehr and Jule Flierl

engl.
The term „Tontänze“ comes from Valeska Gert. “Tontanz“ describes the movement of voice in the body and thus departs from the cliché of the silent dancer. Jule Flierl and Antonia Baehr take up this conceptual term, which opens up new forms of relationship between body, dance and voice in this selection.
Jule Flierl and Antonia Baehr got to know each other through the transmission of a score. When Antonia Baehr sent Jule Flierl the score to Antonia Baehr’s piece MY DOG IS MY PIANO, the two began a reflection and practice in the interstice between written instructions and artistic processes.

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July 14 – October 8, 2023, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Germany

RIRE /LAUGH /LACHEN
In this exhibition there is a video-work created by Antonia Baehr & Olivier Bertrand

engl.

The direct action of laughter on the body is the subject of numerous contemporary works in which artists emphasize the liminal character of laughter. To integrate it into a performance, a sculpture or a painting is to introduce a caesura. Where there are no words, no explanations, there is laughter. This is the case in the performative actions of artist Antonia Baehr, who is interested in the materiality, quality and variability of laughter. Baehr’s laughter is liberating but also disquieting, communicative but also exclusionary, pleasurable and aggressive, and above all paradoxical and ambiguous. The performer stages the acoustic and physical phenomenon of laughter in direct relation to the body. She confronts us with her various laughs without contextualizing them, thereby underlining the disturbing nature they can take on. When we don’t understand what generates it, laughter is confusing and symbolizes the absurdity of our lives. In her 2008 book Rire Laugh Lachen, Antonia Baehr writes in her preface: „I was interested not only in the mechanics of laughter and its physiological components, but also in its quality as a gesture, an expression devoid of cause and effect, a manifestation of body and sound. In this way, laughter enables us to experience the loss of control over our bodies and, metaphorically, over our lives. It embodies the possibility of an interruption that encourages reflection and perhaps greater freedom. By tipping us into another reality, laughter provokes our doubts and instabilities, but also nourishes our courage and risk-taking.
– Caroline Schuster Cordone

fr.

L’action directe du rire sur le corps fait l’objet de nombreux travaux contemporains dans lesquels les artistes soulignent le caractère liminal du rire. L’intégrer dans une performance, une sculpture, une peinture, c’est introduire une césure. Là où il n’y a pas de paroles, pas d’explications, s’installe le rire. Il en va ainsi dans les actions performatives de l’artiste Antonia Baehr qui s’intéresse au rire dans sa matérialité, sa qualité et sa variabilité. Les rires de Baehr sont libérateurs mais aussi inquiétants, communicatifs mais aussi excluants, jouissifs et agressifs, et surtout paradoxaux et ambigus. La performeuse met en scène le phénomène acoustique et physique du rire en lien direct avec le corps. Elle nous confronte à ses différents rires sans les contextualiser et souligne par là le caractère perturbant qu’ils peuvent revêtir. Lorsqu’on ne comprend pas ce qui le génère, le rire est déroutant et symbolise l’absurde de nos vies. En 2008, dans son livre Rire Laugh Lachen, Antonia Baehr écrit dans sa préface : « Je ne me suis pas seulement intéressée à la mécanique du rire, à ses composantes physiologiques, mais aussi à sa qualité en tant que geste, expression dépourvue de ses causes et de ses effets, manifestation corporelle et sonore». Ainsi le rire permet d’expérimenter la perte de contrôle sur le corps mais aussi, métaphoriquement, sur nos vies. Il incarne la possibilité d’une interruption incitant à la réflexion et peut-être à davantage de liberté. En nous faisant basculer dans une autre réalité, le rire provoque nos doutes et nos instabilités mais nourrit aussi nos courages et nos prises de risque.
–  Caroline Schuster Cordone

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July 1-2, 2023, Budakunstencentrum, in the frame of FEMINIST FUTURES FESTIVAL, Kortrijk, Belgium

engl.

Le chant du psychophone is a one-on-one encounter between visitor and performer, spatially separated and intimate at the same time. It is an invitation to make contact acoustically, sensorially, and visually with the infinitely near and the infinitely distant. With this work, Antonia Baehr continues her choreographic and performative research into face and faciality.

de.

Le chant du psychophone ist eine Begegnung zwischen Besucherin und Performerin, Eins-zu-Eins, Tête-à-Tête, räumlich getrennt und intim, humorvoll und überraschend. Die Performance lädt akustisch, haptisch und visuell dazu ein, den Kontakt mit dem unendlich Nahen und Fernen aufzunehmen. Mit dieser Arbeit setzt Antonia Baehr ihre choreografischen und performativen Forschungen zu Gesicht und Gesichtshaftigkeit fort.

fr.

Le chant du psychophone est une rencontre individuelle entre le visiteur/euse et performeur/euse, un tête-à-tête de sept minutes, à la fois séparé/e/s dans l’espace et dans une grande proximité. Travail sur la perception, c’est une invitation à prendre contact acoustiquement, sensoriellement et visuellement avec l’infiniment proche et l’infiniment lointain. Avec cette oeuvre, Antonia Baehr poursuit sa recherche chorégraphique et performative sur le visage et la facialité, entre apparences et profondeurs de nos états d’âme.

May 14, 2023, Fête de la Danse, Théâtre Vidy, Lausanne, Switzerland

engl.

A project by Antonia Baehr and Latifa Laâbissi
in a visual installation by Nadia Lauro.

Monkeys, and in particular apes, are considered “almost human” animals. This “almost” has made them a surface for projecting that which is considered human by other humans.
At the beginning of the 20th century, two chimpanzees named Consul and Meshie lived like humans, with humans, and seemed to think of themselves as human. Antonia Baehr and Latifa Laâbissi have assumed their simian identities, but they are not seeking historical correctness. Furry, promiscuous, impertinent, quite shameless, these two human mon-keys occupy Nadia Lauro’s installation which is set in quiet areas of museums and theatres, not on a stage. With “Consul Baehr” and “Meshie Laâbissi” on their two leather car seats whose furry insides are spilled and spread out around the space, the audience is invited to take part in an adventure, in which time stretches out during 3h30.

A human is a monkey for human beings. Or: two human figures play at being monkeys who are playing at being human for the humans. They lose and regain control, mutually taming one another. They enthusiastically discover skills and things not to do. They sleep and fall into abject apathy, they explode into cascading watchwords declaimed in populist speeches. They cannibalize certain poses, iconic dances, embroider slogans. Consul and Meshie represent hybrid figures examining the violence of assignations and stirring up chaos in the categories of nature vs. culture, man vs. woman, and the self vs. others.

Visual Installation

This installation created by Nadia Lauro is in fact anautonomous work inside of which Consul and Meshie will stay for the duration of their performance, taking it over, even perhaps destroying it. It can be placed in the changing institutional spaces of certain theatres and museums.

“We will occupy the space between the works being exhibited, or neglected corners, or somewhere slightly off the beaten path. It’s important for us that the area not be one where people are constantly moving from one place to another. Staying with us, spending time with us, must be a decision. However, audiences arrive when they like and leave when they feel like it.”

The installation and its two residents transplant themselves into the existing environment with a gesture which indicates occupation, generating a somewhat intimate situation for 30 to 50 spectators.

“We imagine that the installation will not fill up the entire performance space, but will fill a ‘corner’ of it, and from it, as Nadia Lauro said in our discussions—it will tear a hole in the space.”

Base camp for Consul and Meshie looks a bit like the inside of a limousine, with quilted walls, a bronze color which fills, like a marginal zone in the space, a corner. The cushioned parts have oversized zippers, which, when opened, let bits of fur come floating out, expanding little by little the surface of the playing field. The scene has something in common with the situation / picnic blanket of Edouard Manet’s painting Déjeuner sur l’herbe, but without the grass. What would it look like with large apes as protagonists? The spectators are part of the landscape, sitting or lying down the floor, close to the vehicule.

“I am working with ‘my’ gibbon from Zötl’s painting and I will bewearing an extra-long beard which will frame my entire face. The costume (like Latifa’s) will reveal our butts and breasts -such that the beard can be used to create ‘masculine dressing up’ if the humanoid ape, embodied by a human being, performs a male human role.”


fr.

Un projet d’Antonia Baehr et Latifa Laâbissi
dans une installation visuelle de Nadia Lauro

Les singes, et en particulier les grands singes, sont considérés comme des animaux „presque humains“. Ce „presque“ en a fait une surface de projection de ce qui est considéré comme humain par les autres humains.
Au début du 20e siècle, deux chimpanzés nommés Consul et Meshie vivaient comme des humains, avec des humains, et semblaient se considérer comme des humains. Antonia Baehr et Latifa Laâbissi ont assumé leurs identités simiesques, mais elles ne recherchent pas l’exactitude historique. Poilues, prometteuses, impertinentes, assez impudiques, ces deux singes humains occupent l’installation de Nadia Lauro qui se déroule dans des espaces calmes de musées et de théâtres, et non pas dans des lieux où l’on s’amuse. dans les espaces calmes des musées et des théâtres, et non sur une scène. Avec „Consul Baehr“ et „Meshie Laâbissi“ sur leurs deux sièges de voiture en cuir dont l’intérieur poilu est déversé et répandu dans l’espace, le public est invité à prendre part à une aventure, où le temps s’étire pendant 3h30.

Un humain est un singe pour les humains. Ou : deux figures humaines jouent à être des singes qui jouent à être humains pour les humains. Ils perdent et reprennent le contrôle, s’apprivoisent mutuellement. Ils découvrent avec enthousiasme des compétences et les choses à ne pas faire. Ils dorment et tombent dans une apathie abjecte, ils explosent dans des mots d’ordre en cascade déclamés dans des discours populistes. Ils cannibalisent certaines poses, des danses iconiques, brodent des slogans. Consul et Meshie représentent des figures hybrides qui examinent la violence des assignations et attisent le chaos dans les catégories de la nature contre la culture, de l’homme contre la femme, du soi contre l’autre.

Installation visuelle

Cette installation créée par Nadia Lauro est en fait une œuvre autonome à l’intérieur de laquelle Consul et Meshie resteront pendant la durée de leur performance, se l’appropriant, voire la détruisant. Elle peut être placée dans les espaces institutionnels changeants de certains théâtres et musées.

„Nous occuperons l’espace entre les œuvres exposées, ou des coins négligés, ou des endroits un peu hors des sentiers battus. Il est important pour nous que ce ne soit pas un espace où les gens se déplacent constamment d’un endroit à l’autre. Rester avec nous, passer du temps avec nous, doit être une décision. Cependant, le public arrive quand il le souhaite et repart quand il en a envie“.

L’installation et ses deux résidents se transplantent dans l’environnement existant avec un geste qui indique l’occupation, générant une situation quelque peu intime pour 30 à 50 spectateurs.

Nous imaginons que l’installation ne remplira pas tout l’espace de représentation, mais qu’elle en occupera un „coin“ et que, de là, comme l’a dit Nadia Lauro lors de nos discussions, elle fera un trou dans l’espace.

Le camp de base de Consul et Meshie ressemble un peu à l’intérieur d’une limousine, avec des murs matelassés, une couleur bronze qui remplit, comme une zone marginale dans l’espace, un coin. Les parties matelassées ont des fermetures éclair surdimensionnées qui, lorsqu’elles sont ouvertes, laissent flotter des bouts de fourrure, agrandissant peu à peu la surface du terrain de jeu. La scène a quelque chose en commun avec la situation / couverture de pique-nique du tableau d’Edouard Manet Déjeuner sur l’herbe, mais sans l’herbe. À quoi cela ressemblerait-il avec les grands singes comme protagonistes ? Les spectateurs font partie du paysage, assis ou allongés sur le sol, près du véhicule.

Je travaille avec „mon“ gibbon de la peinture de Zötl et je porterai une barbe extra-longue qui encadrera tout mon visage. Le costume (comme celui de Latifa) révélera nos fesses et nos seins – de sorte que la barbe peut être utilisée pour créer un „déguisement masculin“ si le singe humanoïde, incarné par un être humain, joue un rôle d’homme masculin.

de.

Ein Projekt von Antonia Baehr und Latifa Laâbissi
mit einer Performance in einer visuellen Installation von Nadia Lauro

Affen, und insbesondere Affen, gelten als „fast menschliche“ Tiere. Dieses „fast“ hat sie zu einer Projektionsfläche für das gemacht, was von anderen Menschen als menschlich angesehen wird.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts lebten zwei Schimpansen namens Consul und Meshie wie Menschen, mit Menschen, und schienen sich selbst als Menschen zu betrachten. Antonia Baehr und Latifa Laâbissi haben ihre Affenidentität angenommen, aber sie sind nicht auf historische Korrektheit aus. Pelzig, verheißungsvoll, frech und schamlos besetzen diese beiden menschlichen Affen die Installation von Nadia Lauro, die sich in ruhigen Räumen von Museen und Theatern, nicht auf einer Bühne. Mit „Consul Baehr“ und „Meshie Laâbissi“ auf ihren beiden ledernen Autositzen, deren pelzige Innereien im Raum verteilt sind, ist das Publikum eingeladen, an einem Abenteuer teilzunehmen, bei dem sich die Zeit während 3h30 ausdehnt.

Ein Mensch ist ein Affe für Menschen. Oder: Zwei menschliche Figuren spielen, Affen zu sein, die für die Menschen Mensch zu sein versuchen. Sie verlieren und gewinnen die Kontrolle und zähmen sich gegenseitig. Mit Begeisterung entdecken sie Fähigkeiten
und Dinge, die man nicht tun sollte. Sie schlafen und verfallen in elende Apathie, sie explodieren in kaskadenartigen Parolen, die in populistischen Reden deklamiert werden. Sie kannibalisieren bestimmte Posen, ikonische Tänze, sticken Slogans. Consul und Meshie sind hybride Figuren, die die Gewalt der Zuweisungen untersuchen und das Chaos in den Kategorien Natur vs. Kultur, Mann vs. Frau und das Selbst vs. den Anderen anheizen.

Visuelle Installation

Bei dieser von Nadia Lauro geschaffenen Installation handelt es sich um ein autonomes Werk, in dem sich Consul und Meshie für die Dauer ihrer Aufführung aufhalten, es übernehmen und vielleicht sogar zerstören. Es kann in den wechselnden institutionellen Räumen bestimmter Theater und Museen platziert werden.

„Wir werden den Raum zwischen den ausgestellten Werken besetzen, oder vernachlässigte Ecken, oder etwas abseits der üblichen Wege. Für uns ist es wichtig, dass es sich nicht um einen Raum handelt, in dem die Menschen ständig von einem Ort zum anderen gehen. Bei uns zu bleiben, Zeit mit uns zu verbringen, muss eine Entscheidung sein. Aber das Publikum kommt, wann es will, und geht, wenn es Lust dazu hat.

Die Installation und ihre beiden Bewohner pflanzen sich mit einer Geste, die auf eine Besetzung hindeutet, in die bestehende Umgebung ein und schaffen so eine etwas intime Situation für 30 bis 50 Zuschauer.

„Wir stellen uns vor, dass die Installation nicht den gesamten Aufführungsraum ausfüllt, sondern eine ‚Ecke‘ davon, und dadurch – wie Nadia Lauro in unseren Gesprächen sagte – ein Loch in den Raum reißt.“

Das Basislager für Consul und Meshie sieht ein bisschen aus wie das Innere einer Limousine, mit gesteppten Wänden, einer Bronzefarbe, die wie eine Randzone im Raum eine Ecke ausfüllt. Die gepolsterten Teile sind mit überdimensionalen Reißverschlüssen versehen, die, wenn sie geöffnet werden, Pelzstücke zum Vorschein kommen lassen, die nach und nach die Oberfläche des Spielfelds erweitern. Die Szene hat etwas mit der Situation / Picknickdecke von Edouard Manets Gemälde Déjeuner sur l’herbe gemein, allerdings ohne das Gras. Wie würde es wohl mit großen Affen als Protagonisten aussehen? Die Zuschauer sind Teil der Landschaft, sie sitzen oder liegen auf dem Boden, in der Nähe des Fahrzeugs.

„Ich arbeite mit ‚meinem‘ Gibbon aus dem Gemälde von Zötl und werde einen extralangen Bart tragen, der mein ganzes Gesicht umrahmt. Das Kostüm (wie das von Latifa) wird unsere Hintern und Brüste zeigen – so dass der Bart als ‚männliche Verkleidung‘ verwendet werden kann, wenn der humanoide Affe, der von einem Menschen verkörpert wird, eine männliche menschliche Rolle spielt.“

April 19, 2023, Fortuna, Berlin, Germany

by and with Antonia Baehr and Neo Hülcker

engl.
„Music for Dead Animals“ consists of a series of films documenting how Neo Hülcker and Henry Wilde play concerts for dead animals. Only they and the animal are present. The focus is on the way the respective animal heard and the sounds it perceived in its life.
The project began in 2017 with the mummified owl Pierre, which Neo Hülcker and Henry Wilde discovered during a summer vacation in southern France. Further concerts for the beetle Ambrosia, the dog Archi and the vixen Freya followed.
The films are now being shown together in public for the first time. To celebrate this special occasion, Henry Wilde and Neo Hülcker have each composed a piece for the other, focusing on their relationship with a particular animal. Henry Wilde will have Neo Hülcker perform a memorial piece for his cat Schnucko (died 2009) and Neo Hülcker’s composition will feature Henry Wilde as a virtuoso turkey impersonator.

de.
„Musik für tote Tiere“ besteht aus einer Reihe von Filmen, die dokumentieren, wie Neo Hülcker und Henry Wilde Konzerte für verstorbene Tiere spielen. Nur sie und das Tier sind dabei anwesend. Im Vordergrund steht dabei auf welche Weise das jeweilige Tier gehört hat und welche Klänge es in seinem Leben wahrgenommen hat.
Das Projekt begann 2017 mit der mumifizierten Eule Pierre, die Neo Hülcker und Henry Wilde bei einem Sommerurlaub in Südfrankreich entdeckten. Weitere Konzerte für den Käfer Ambrosia, den Hund Archi und die Füchsin Freya folgten.
Die Filme werden nun zum ersten mal gemeinsam öffentlich gezeigt. Zur Feier dieses besonderen Anlasses haben sich Henry Wilde und Neo Hülcker  gegenseitig ein Stück komponiert, in dem das Verhältnis zu einem bestimmten Tier thematisiert wird. Henry Wilde lässt Neo Hülcker ein Gedenkstück für seinen Kater Schnucko (gestorben 2009) performen und in Neo Hülckers Komposition wird Henry Wilde als virtuoser Truthahn-Imitator brillieren.

Photo : Pierre, by Henry Wilde & Neo Hülcker

Films: directed and performed by / Regie und Performance Neo Hülcker & Henry Wilde
thank you to / Danke an Ulrich Baehr, Dr Martin Baehr, Wiebke Heiber
editing / Schnitt Filmfetch
sound mix / Tonmischung Jochen Jezussek, Claudia Mattai del Moro
production / Administration Alexandra Wellensiek
dedicated to Pierre, Ambrosia, Archi and Freya

Performances: composition and performance / Komposition und Performance Neo Hülcker & Henry Wilde
sound Bryan Eubanks

Instrumental imitations for Meleagris Henricus Wildus Florian Bergmann, Alba Gentili-Tedeschi, Stella Adriana Bergmann, Carola Schaal, Astrid Schmeling, Vera Schmidt, Paul Hübner
dedicated to Schnucko and Meleagris Henricus Wildus

Hosted by Social Pleasure Center@Fortuna
Eine Produktion von / A production by make up productions
Gefördert durch / Funded by: Senatsverwaltung für Kultur und Europa / Senate Department for Culture and Europe, Berlin
Unterstützt durch / Supported by das NATIONALE PERFORMANCE NETZ – STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz. / The NATIONAL PERFORMANCE NETWORK – STEPPING OUT, funded by the Minister of State for Culture and Media within the framework of the initiative NEUSTART KULTUR. Assistance Program for Dance

April 1, 2023, VIDEONALE.19, Kunstmuseum Bonn, Germany

TONTÄNZE (A SELECTION)
by and with Antonia Baehr and Jule Flierl

engl.
The term „Tontänze“ comes from Valeska Gert. “Tontanz“ describes the movement of voice in the body and thus departs from the cliché of the silent dancer. V.19 artists Jule Flierl and Antonia Baehr take up this conceptual term, which opens up new forms of relationship between body, dance and voice in this selection.
Jule Flierl and Antonia Baehr got to know each other through the transmission of a score. When Antonia Baehr sent Jule Flierl the score to Antonia Baehr’s piece ‚MY DOG IS MY PIANO‘, the two began a reflection and practice in the interstice between written instructions and artistic processes.

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March 31 – May 14, 2023, VIDEONALE.19, Kunstmuseum Bonn, Germany

engl.

a film installation by Antonia Baehr & Jule Flierl & Isabell Spengler,with Werner Hirsch and Jule Flierl, in a visual installation by Nadia Lauro.

„DIE HÖRPOSAUNE is a metabolizing landscape. It is impossible to say where it begins or ends. It is a sequence of openings that can absorb and expel. The eye, the ear, the body, the watching and the listening—they all are breathed in with that first inhalation, despite the distance from and mediation through the camera.”  – Luise Meier

DIE HÖRPOSAUNE (The Hearing Trombone) is a film installation that stages a concert in an intimate immersive space. Hearing and breathing don’t happen naturally here, but are instead organized through spherical head-shields and earphone connections. Two performers vocally interpret the three-dimensional content of pop-up books that show the insides of a humans’ body and opulent flower bouquets, by emitting subtle, insalivated and pre-verbal sound. They play to a small audience seated around them in unusual postures of attentive listening. At the end the two performers move in a spaceless room and sing a baroque song in an invented language.

A reappearing musical motif of DIE HÖRPOSAUNE is the baroque “Song of the Cold Genius” by Henry Purcell. This song has been famously performed by the counter tenor and queer icon Klaus Nomi in New York of the 1980’s, while he was already suffering from the effects of HIV. He was one of the first public figures to die within the AIDS pandemic and his interpretation of the song directly anticipated his untimely death. 

The rehearsals to DIE HÖRPOSAUNE by Antonia Baehr and Jule Flierl, accompanied by scenographer Nadia Lauro, started at the beginning of the COVID-pandemic. New questions around the intimacy of being together in shared spaces and of the intrusiveness of sharing breath emerged and fed the imaginary world of the dream-like film installation, realized in collaboration with filmmaker Isabell Spengler. In a surround-sound environment, the film installation offers an experience of remote closeness mediated through exuberant images and tactile vocal sounds. 

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photo: Anja Weber

January 13-15, 2023, Uferstudios, Berlin, Germany

engl.

Henry Wilde (aka Antonia Baehr) performs a side role in this music theatre project by Neo Hülcker and Bastian Zimmermann.

Description:
A sociotope of current music production, a place full of nostalgia and memories of megalomaniac youthful dreams, a playground for shy late beginners and nerdy professional musicians: Waiting shop assistants, customers looking around, trying out instruments, passing the time. Melodies of well-known songs, original compositions, individual fragments combine or just exist side by side… Images from the everyday life of a music shop, yesterday as well as today.

In the installative music theatre „Das Musikgeschäft“, composer* Neo Hülcker and dramaturge Bastian Zimmermann bring such a shop with all its instruments, rooms, counters and repair corners onto the stage and perform this place in its socio-musical ordinariness – with 13 very different musicians and performers, including the Berlin choreographer, the choreographer and the musician. The Berlin choreographer and performer Henry Wilde aka Antonia Baehr, the actors Heinrich Horwitz and Armin Wieser, the clarinettist Carola Schaal and a musical child prodigy. The audience is invited to observe, witness and perhaps even enter the hustle and bustle of the „music business“ throughout the evening.

The idea for this musical performance is based on the concept of the same name by the drummer and composer Sven-Åke Johansson, which he developed in the 1980s but never realised and left to the production as a source of ideas and inspiration.

Composer* and performer* Neo Hülcker works with a focus on the anthropological investigation of music in everyday living environments. Hülcker realises his* compositions in the form of situations, performance installations, videos, actions and interventions. In collaboration with numerous artists* these works have been shown at festivals such as the Wittener Tage für neue Kammermusik and Wien Modern. His* works include „Music for Dead Animals“ (2017), „tentaculus ohri“ (2018) and „Ear Action“ (2017) with Stellan Veloce.

Performers: Henry Wilde aka Antonia Baehr, Sabrina Ma, David Nemtsov, Armin Wieser, Carola Schaal, Florian Bergmann, Heinrich Horwitz, Valerie Renay und Christian Dieterle | Composition and direction: Neo Hülcker | Dramaturgy and direction: Bastian Zimmermann | Production management: Katja Kettner | Sound direction: Janine Eisenächer | Stage: Michael Kleine

de.

Henry Wilde (aka Antonia Baehr) spielt eine Nebenrolle in diesem Musiktheaterprojekt von Neo Hülcker und Bastian Zimmermann.

Beschreibung: 
Ein Soziotop aktueller Musikproduktion, ein Ort voller Nostalgie und Erinnerungen an größenwahnsinnige Jugendträume, Tummelplatz schüchterner Spät-Anfänger*innen und nerdiger Profimusiker*innen: Wartende Ladenverkäufer*innen, Kund*innen, die sich umschauen, Instrumente ausprobieren, ihre Zeit vertreiben. Melodien bekannter Songs, Eigenkompositionen, einzelne Fragmente verbinden sich oder existieren doch nur nebeneinander… Bilder aus dem Alltag eines Musikgeschäfts, gestern wie heute.

Der Komponist* Neo Hülcker und Dramaturg Bastian Zimmermann bringen in dem installativen Musiktheater Das Musikgeschäft ein solches Geschäft mit all seinen Instrumenten, Räumen, der Ladentheke und Reparaturecke auf die Bühne und bespielen diesen Ort in seiner sozialmusikalischen Alltäglichkeit – mit 13 sehr unterschiedlichen Musiker- und Performer*innen wie u.a. der Berliner Choreografin und Performerin Henry Wilde aka Antonia Baehr, den Schauspieler*innen Heinrich Horwitz und Armin Wieser, der Klarinettistin Carola Schaal und einem musikalischen Wunderkind. Das Publikum ist eingeladen, über den Abend hinweg das Treiben im „Musikgeschäft“ zu beobachten, ihm beizuwohnen und vielleicht sogar einzutreten.

Die Idee zu dieser Musikperformance knüpft an das gleichnamige Konzept des Schlagzeugers und Komponisten Sven-Åke Johansson an, das dieser in den 80er Jahren entwickelte, jedoch nie realisierte und der Produktion als Ideengeber und Inspiration überlassen hat.

Performer*innen: Henry Wilde aka Antonia Baehr, Sabrina Ma, David Nemtsov, Armin Wieser, Carola Schaal, Florian Bergmann, Heinrich Horwitz, Valerie Renay und Christian Dieterle | Komposition und Regie: Neo Hülcker | Dramaturgie und Regie: Bastian Zimmermann | Produktionsleitung: Katja Kettner | Klangregie: Janine Eisenächer | Bühne: Michael Kleine

December 13, 2022, Theirland, Silent Green, Berlin, Germany

engl.

In their new production THEIRLAND, developed for two different venues, FrauVonDa//storytelling in music focus on human behavior in situations of crisis and danger. During the collective research, development and rehearsal process, they unfold a cartography of defense and survival strategies together with the guest perfomers* – vocally performative, musically, intermedially. THEIRLAND plays on familiar and unfamiliar terrain at the same time: a vegetation of the drama and tragicomedy of primordial human behavior.

de.

In ihrer neuen, für zwei unterschiedliche Spielorte entwickelten Produktion THEIRLAND konzentrieren sich FrauVonDa//storytelling in music auf das menschliche Verhalten in Krisen- und Gefahrensituationen. Während des kollektiven Recherche-, Entwicklungs- und Probenprozesses entfalten sie gemeinsam mit den Gastperfomer:innen und Perfomern* eine Kartografie der Abwehr- und Überlebensstrategien – stimmperformativ, musikalisch, intermedial. THEIRLAND bespielt vertrautes und unbekanntes Terrain zugleich: eine Vegetation der Dramatik und Tragikomik menschlichen Urverhaltens.

Von und mit:
FrauVonDa // storytelling in music: Künstlerische Leitung/Konzeption
Neo Hülcker & Henry Wilde: Komposition
Julia Mihály, Anna Clementi, Claudia van Hasselt, Nicolas Wiese: Performance & Stimme
Nicolas Wiese: Visual Art
Lotte Greschik: Regie
Katharina Faltner & FrauVonDa: Szenographie
Ferdinand Breil: Live-Elektronik

Dauer ca 90´

December 1 – 2, 2022, NEXT festival, Espace Pasolini, Valenciennes, France

engl.

Le chant du psychophone is a one-on-one encounter between visitor and performer, spatially separated and intimate at the same time. It is an invitation to make contact acoustically, sensorially, and visually with the infinitely near and the infinitely distant. With this work, Antonia Baehr continues her choreographic and performative research into face and faciality.

de.

Le chant du psychophone ist eine Begegnung zwischen Besucherin und Performerin, Eins-zu-Eins, Tête-à-Tête, räumlich getrennt und intim, humorvoll und überraschend. Die Performance lädt akustisch, haptisch und visuell dazu ein, den Kontakt mit dem unendlich Nahen und Fernen aufzunehmen. Mit dieser Arbeit setzt Antonia Baehr ihre choreografischen und performativen Forschungen zu Gesicht und Gesichtshaftigkeit fort.

fr.

Le chant du psychophone est une rencontre individuelle entre le visiteur/euse et performeur/euse, un tête-à-tête de sept minutes, à la fois séparé/e/s dans l’espace et dans une grande proximité. Travail sur la perception, c’est une invitation à prendre contact acoustiquement, sensoriellement et visuellement avec l’infiniment proche et l’infiniment lointain. Avec cette oeuvre, Antonia Baehr poursuit sa recherche chorégraphique et performative sur le visage et la facialité, entre apparences et profondeurs de nos états d’âme.

November 11 – 12, 2022, Ballhaus Ost , Berlin, Germany (PREMIERE)

engl.

Composer and musician Andrea Neumann has been playing the same instrument for 20 years: a self-made piano frame without a keyboard. The instrument with its weight, materials, preparations and its sounds shape her life: the tempo when traveling, the posture when making music, the way of listening. Instrument and human influence each other, they have intermingled in the past decades. For „Tossed Sounds“ three pieces were written for Andrea Neumann – under one condition: The instrument is absent on stage. What remains of a musician without her instrument? What traces does it leave behind? What can be heard? Can one see the imprints that have passed into the body? Does the absent instrument choreograph the musician’s performance? Is it The Master of Ceremony – more present than if it were present?

The three pieces are informed by the respective practices of the three artists: Baehr – performance, Farah – acting/dance, Neumann – music. Each fills the void of the absent instrument with her individual skills. In the process, a meta-instrument emerges in each of the three works that, in reference to the absent instrument, expands into the concrete space, into new aesthetic spaces and other disciplines. Although absent, the instrument is present in all three portraits: as trace, foil, score, sound, impulse generator, and in the performer’s body archive.

Antonia Baehr composes for Andrea Neumann and her absent instrument.
TOSSED SOUNDS, 3 pieces for absent inside-piano performed by Andrea Neumann
TOSSED SOUNDS are 3 portraits of a musician’s relationship to her instrument – under one condition: The instrument itself is absent on stage.
Antonia Baehr – Inside the Piano, guest performer: Bryan Eubanks
Fernanda Farah – what draws are the eyes
Andrea Neumann – ip6

de.

Die Komponistin und Musikerin Andrea Neumann spielt seit 20 Jahren dasselbe Instrument: einen selbstgebauten Klavierrahmen ohne Tastatur.  Das Instrument mit seinem Gewicht, den Materialien, Präparationen und seinen Klängen prägen ihr Leben: das Tempo beim Reisen, die Körperhaltung beim Musizieren, die Art zu hören. Instrument und Mensch beeinflussen sich gegenseitig, sie haben sich in den vergangenen Jahrzehnten vermischt. Für »Tossed Sounds« wurden drei Stücke für Andrea Neumann geschrieben – unter einer Bedingung: Das Instrument ist auf der Bühne abwesend. Was bleibt von einer Musikerin ohne ihr Instrument?  Welche Spuren hinterlässt es? Was hört man?  Kann man die in den Körper übergegangen Prägungen sehen? Choreographiert das abwesende Instrument die Performance der Musikerin? Ist es The Master of Ceremony – präsenter als wäre es anwesend? 

Die drei Stücke sind durch die jeweilige Praxis der drei Künstlerinnen geprägt: Baehr – Performance, Farah – Schauspiel/Tanz, Neumann – Musik. Jede füllt die Leerstelle des abwesenden Instruments mit ihren individuellen Kompetenzen. Dabei entsteht in jeder der drei Arbeiten ein Meta-Instrument, das sich in Bezugnahme auf das abwesende Instrument in den konkreten Raum hinein, in neue ästhetische Räume und andere Disziplinen ausdehnt. Obwohl abwesend, ist das Instrument in allen drei Portraits präsent: Als Spur, Folie, Partitur, Klang, Impulsgeber und im Körperarchiv der Performerin. 

Antonia Baehr komponiert für Andrea Neumann und ihr abwesendes Instrument.
TOSSED SOUNDS, 3 Stücke für abwesendes Innenklavier gespielt von Andrea Neumann
TOSSED SOUNDS sind 3 Porträts über die Beziehung einer Musikerin zu ihrem Instrument – unter einer Bedingung: Das Instrument selbst ist auf der Bühne abwesend.
Antonia Baehr – Inside the Piano, Gastinterpretin: Bryan Eubanks
Fernanda Farah – Was zieht, sind die Augen
Andrea Neumann – ip6

November 4, 2022,  Kino Arsenal, Berlin, in the frame of FEMINIST FUTURES FESTIVAL by Tanzfabrik, Berlin, Germany ( FILM PREMIERE)

engl. short

The music performance ‚Die Hörposaune‘ unfolds another dimension of the material-sensual modes of encounter and relationship. Drag King Werner Hirsch (aka Antonia Baehr) and Jule Flierl enter into interaction and resonance with each other and with the objects – until the boundary between the body’s interior and exterior, between the living and the inanimate, begins to flicker and blur. – Luise Meier

engl. long

Another dimension of material-sensual modes of encounter and relationship: Drag King Werner Hirsch (aka Antonia Baehr) and Jule Flierl engage in interaction and resonance with each other and with objects – until the boundary between the body’s interior and exterior, the living and the inanimate, begins to flicker and blur.

Limbs submerge into sprawling book pages. From inorganic and organic elements, sounds and movements, new beings assemble, form chains of interaction, and disperse again into the next composition. The materials, bodies, sounds and objects make each other pulsate until object and subject, touching and being touched, speaking and being talked about, grasping and being grasped, singing and being sung become indistinguishable. From the harmony of the body’s interior and exterior, new worlds emerge and pass away – resonant spaces that point to completely different, new, perhaps future ways of being with, around and in each other. – Luise Meier

de. kurz

Die Musik-Performance „Die Hörposaune“ entfaltet eine andere Dimension der stofflich-sinnlichen Begegnungs- und Beziehungsweisen. Drag King Werner Hirsch (alias Antonia Baehr) und Jule Flierl begeben sich in Interaktion und Resonanz miteinander und mit den Gegenständen – bis die Grenze von Körperinnerem und Außenwelt, von Lebendigem und Unbelebtem zu flimmern und zu verschwimmen beginnt. – Luise Meier

de. lang

Eine andere Dimension der stofflich-sinnlichen Begegnungs- und Beziehungsweisen: Drag King Werner Hirsch (alias Antonia Baehr) und Jule Flierl begeben sich in Interaktion und Resonanz miteinander und mit den Gegenständen – bis die Grenze von Körperinnerem und Außenwelt, von Lebendigem und Unbelebtem zu flimmern und zu verschwimmen beginnt.

Gliedmaßen tauchen in wuchernde Buchseiten ein. Aus anorganischen und organischen Elementen, Klängen und Bewegungen setzen sich neue Wesen zusammen, bilden Interaktionsketten und zerstreuen sich wieder in die nächste Komposition. Die Materialien, Körper, Laute und Objekte bringen einander zum pulsieren bis Objekt und Subjekt, Tastendes und Ertastetes, Sprechendes und Besprochenes, Greifendes und Ergriffenes, Singendes und Gesungenes ununterscheidbar werden. Aus dem Zusammenklang von Körperinnerem und Außenraum entstehen und vergehen immer neue Welten – Resonanzräume, die auf ganz andere, neue, vielleicht zukünftige Weisen des Miteinanders, Umeinanders und Ineinanders verweisen. – Luise Meier

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Oktober 22 – 23, 2022, Kleiner Wasserspeicher Prenzlauer Berg, Berlin, Germany (PREMIERE)

engl.

In their new production THEIRLAND, developed for two different venues, FrauVonDa//storytelling in music focus on human behavior in situations of crisis and danger. During the collective research, development and rehearsal process, they unfold a cartography of defense and survival strategies together with the guest perfomers* – vocally performative, musically, intermedially. THEIRLAND plays on familiar and unfamiliar terrain at the same time: a vegetation of the drama and tragicomedy of primordial human behavior.

de.

In ihrer neuen, für zwei unterschiedliche Spielorte entwickelten Produktion THEIRLAND konzentrieren sich FrauVonDa//storytelling in music auf das menschliche Verhalten in Krisen- und Gefahrensituationen. Während des kollektiven Recherche-, Entwicklungs- und Probenprozesses entfalten sie gemeinsam mit den Gastperfomer:innen und Perfomern* eine Kartografie der Abwehr- und Überlebensstrategien – stimmperformativ, musikalisch, intermedial. THEIRLAND bespielt vertrautes und unbekanntes Terrain zugleich: eine Vegetation der Dramatik und Tragikomik menschlichen Urverhaltens.

Von und mit:
FrauVonDa // storytelling in music: Künstlerische Leitung/Konzeption
Neo Hülcker & Henry Wilde: Komposition
Julia Mihály, Anna Clementi, Claudia van Hasselt, Nicolas Wiese: Performance & Stimme
Nicolas Wiese: Visual Art
Lotte Greschik: Regie
Katharina Faltner & FrauVonDa: Szenographie
Ferdinand Breil: Live-Elektronik

Dauer ca 90´

Oktober 21, 2022, Tanzfabrik Berlin Bühne, Uferstudios Für Zeitgenössischen Tanz, Berlin, Germany

engl.

Facing Nature is a three-day discursive event devoted to exploring the status nature holds in society from the perspective of dance and performance art. It will be guided by a circle of twelve artists, who will talk with each other and the audience in a specially created setting – The Listening Sessions – to exchange views on the role of nature in art. These dialogues will be accompanied by screenings focussing on the topic of „landscape as an actor“ in excerpts from independent classics, as well as a nightly live reading of passages from Ursula K. LeGuin’s novel „The Left Hand of Darkness“.

Facing Nature is above all concerned with creating space and time for deeper reflections, to allow participants to take a step back from the current hype around ecological topics. While the trend is understandable in view of advancing climate change, it results in these topics being dealt with too brashly, superficially, and confusingly, precisely because they are so urgent and marketable.

Facing Nature is, moreover, an attempt to probe the artistic impulses behind art dealing with nature. The aim is to co-create evenings that allow participants to immerse themselves sensually and intuitively in the topic and open up to the nature encountered in art in a reflective way.

With: Antonia Baehr, Jefta van Dinther, Alm Gnista, Jared Gradinger, Myriam Van Imschoot, Sergiu Matis, Carrie McILwain, Harun Morrison, Silvia Noronha, Luiza Prado de O. Martins, Liz Rosenfeld a.o. I Reading: Lisa Densem, Ohiane Roach, Litó Walkey I Concept: Sandra Man, Felicitas Zeeden.

de.

Facing Nature ist eine dreitägige diskursive Veranstaltung, die sich mit dem Stellenwert der Natur in der Gesellschaft aus der Perspektive der Tanz- und Performancekunst beschäftigt. Sie wird von einem Kreis von zwölf Künstlern geleitet, die in einem eigens geschaffenen Rahmen – den Listening Sessions – miteinander und mit dem Publikum sprechen werden, um sich über die Rolle der Natur in der Kunst auszutauschen. Begleitet werden diese Dialoge von Filmvorführungen zum Thema „Landschaft als Akteur“ in Ausschnitten aus Independent-Klassikern sowie einer nächtlichen Live-Lesung von Passagen aus Ursula K. LeGuins Roman „Die linke Hand der Finsternis“.

Facing Nature geht es vor allem darum, Raum und Zeit für tiefergehende Reflexionen zu schaffen, um den Teilnehmern zu ermöglichen, einen Schritt zurückzutreten vom aktuellen Hype um ökologische Themen. Der Trend ist angesichts des fortschreitenden Klimawandels zwar verständlich, führt aber dazu, dass diese Themen zu forsch, oberflächlich und verwirrend behandelt werden, gerade weil sie so dringlich und vermarktbar sind.

Facing Nature ist darüber hinaus ein Versuch, den künstlerischen Impulsen hinter der Kunst, die sich mit der Natur beschäftigt, auf den Grund zu gehen. Ziel ist es, Abende mitzugestalten, die es den Teilnehmern ermöglichen, sinnlich und intuitiv in das Thema einzutauchen und sich der Natur, die ihnen in der Kunst begegnet, reflektierend zu öffnen.

Mit: Antonia Baehr, Jefta van Dinther, Alm Gnista, Jared Gradinger, Myriam Van Imschoot, Sergiu Matis, Carrie McILwain, Harun Morrison, Silvia Noronha, Luiza Prado de O. Martins, Liz Rosenfeld u.a. I Lesung: Lisa Densem, Ohiane Roach, Litó Walkey I Konzept: Sandra Man, Felicitas Zeeden.

September 14 – 17, 2022, Theater im Delphi , Berlin, Germany (PREMIERE)

engl. short

The music performance ‚Die Hörposaune‘ unfolds another dimension of the material-sensual modes of encounter and relationship. Drag King Werner Hirsch (aka Antonia Baehr) and Jule Flierl enter into interaction and resonance with each other and with the objects – until the boundary between the body’s interior and exterior, between the living and the inanimate, begins to flicker and blur. – Luise Meier

engl. long

Another dimension of material-sensual modes of encounter and relationship: Drag King Werner Hirsch (aka Antonia Baehr) and Jule Flierl engage in interaction and resonance with each other and with objects – until the boundary between the body’s interior and exterior, the living and the inanimate, begins to flicker and blur.

Limbs submerge into sprawling book pages. From inorganic and organic elements, sounds and movements, new beings assemble, form chains of interaction, and disperse again into the next composition. The materials, bodies, sounds and objects make each other pulsate until object and subject, touching and being touched, speaking and being talked about, grasping and being grasped, singing and being sung become indistinguishable. From the harmony of the body’s interior and exterior, new worlds emerge and pass away – resonant spaces that point to completely different, new, perhaps future ways of being with, around and in each other. – Luise Meier

de. kurz

Die Musik-Performance „Die Hörposaune“ entfaltet eine andere Dimension der stofflich-sinnlichen Begegnungs- und Beziehungsweisen. Drag King Werner Hirsch (alias Antonia Baehr) und Jule Flierl begeben sich in Interaktion und Resonanz miteinander und mit den Gegenständen – bis die Grenze von Körperinnerem und Außenwelt, von Lebendigem und Unbelebtem zu flimmern und zu verschwimmen beginnt. – Luise Meier

de. lang

Eine andere Dimension der stofflich-sinnlichen Begegnungs- und Beziehungsweisen: Drag King Werner Hirsch (alias Antonia Baehr) und Jule Flierl begeben sich in Interaktion und Resonanz miteinander und mit den Gegenständen – bis die Grenze von Körperinnerem und Außenwelt, von Lebendigem und Unbelebtem zu flimmern und zu verschwimmen beginnt.

Gliedmaßen tauchen in wuchernde Buchseiten ein. Aus anorganischen und organischen Elementen, Klängen und Bewegungen setzen sich neue Wesen zusammen, bilden Interaktionsketten und zerstreuen sich wieder in die nächste Komposition. Die Materialien, Körper, Laute und Objekte bringen einander zum pulsieren bis Objekt und Subjekt, Tastendes und Ertastetes, Sprechendes und Besprochenes, Greifendes und Ergriffenes, Singendes und Gesungenes ununterscheidbar werden. Aus dem Zusammenklang von Körperinnerem und Außenraum entstehen und vergehen immer neue Welten – Resonanzräume, die auf ganz andere, neue, vielleicht zukünftige Weisen des Miteinanders, Umeinanders und Ineinanders verweisen. – Luise Meier

August 17, 2022, „Small Arts“ Platform, Ljubljana, Slovenia, Tickets

engl.

Fire and Flame is an intermedia cabaret by Antonia Baehr and Lucile Desamory, marked by unconventional yet inventive means of expression. Leaving the audience drowning in glamour, the performers test the threshold of the listenable and explore how far can one stretch the definition of music. When the breasts play the theremin and the record player lets out infantile roaring, screaming and squealing, the bourgeois audience cover their ears, but the daring persist. By subverting the established perception of social roles, symbols, music, individuals and constructs, as is language for example, the cabaret demonstrates that words are nothing but just words, words, words, just words, words that can be lies.

de.

Feuer und Flamme ist ein intermediales Kabarett von Antonia Baehr und Lucile Desamory, das sich durch unkonventionelle, aber erfinderische Ausdrucksmittel auszeichnet. Indem sie das Publikum im Glamour ertrinken lassen, testen sie die Grenzen des Hörbaren aus und erkunden, wie weit man die Definition von Musik dehnen kann. Wenn die Brüste das Theremin spielen und der Plattenspieler infantiles Gebrüll, Gekreische und Gequietsche von sich gibt, hält sich das bürgerliche Publikum die Ohren zu, aber der Wagemut bleibt bestehen. Indem das Kabarett die etablierte Wahrnehmung von sozialen Rollen, Symbolen, Musik, Individuen und Konstrukten, wie zum Beispiel der Sprache, untergräbt, zeigt es, dass Worte nichts anderes sind als Worte, Worte, Worte, nur Worte, Worte, die Lügen sein können.

August 9, 2022, Raumerweiterungshalle, Berlin, Germany

engl.

Erika in Amerika is the impossibility of explaining Antonia Baehr. The movie theatre becomes a classroom and we become Antonia Baehr’s students. It appears that she is teaching us about a renown Cow-Woman named Erika and the skills required for American Performance Art. But really we are pulled into a maze of interlocked identities within non-linear forms of narrative. After all, everybody is Antonia Baehr. Everyone wants to drink the milk of her warm bosom.

de.

Erika in Amerika ist die Unmöglichkeit, Antonia Baehr zu erklären. Der Kinosaal wird zum Klassenzimmer und wir werden zu Antonia Baehrs Schülern. Es scheint, dass sie uns über eine berühmte Kuhfrau namens Erika und die für die amerikanische Performance-Kunst erforderlichen Fähigkeiten unterrichtet. Aber in Wirklichkeit werden wir in ein Labyrinth von ineinandergreifenden Identitäten innerhalb nicht-linearer Erzählformen hineingezogen. Schließlich ist jeder Antonia Baehr. Alle wollen die Milch ihres warmen Busens trinken.

Week, August 1 – 5, 2022, ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival , Vienna, Austria

engl.

This practice-oriented research project is about experimental voice work in relation to maps and scores. We will read objects, write signs and read out loud non-verbally. We will work with and on voicing; as well as writing for each other, performing, and exchanging scores. A central field of experimentation is the imitation of found audio materials: how do we imitate? What do gender and species non-conforming voices sound like? Conversations around authorship will run through the Field Project. Jule Flierl and Antonia Baehr are currently working on the piece „Die Hörposaune“ with these questions. They will open their practice to the participants who will develop their own material.

de.

In diesem praxisorientierten Forschungsprojekt geht es um experimentelle Stimmarbeit in Verbindung mit Karten und Partituren. Wir werden Objekte lesen, Zeichen schreiben und laut nonverbal lesen. Wir werden mit und an der Stimme arbeiten, aber auch füreinander schreiben, aufführen und Partituren austauschen. Ein zentrales Experimentierfeld ist die Imitation von vorgefundenem Audiomaterial: Wie imitieren wir? Wie klingen geschlechts- und artfremde Stimmen? Gespräche über Autorschaft werden sich durch das Field Project ziehen. Jule Flierl und Antonia Baehr arbeiten derzeit an dem Stück „Die Hörposaune“ mit diesen Fragen. Sie werden ihre Praxis für die TeilnehmerInnen öffnen, die ihr eigenes Material entwickeln werden.

June 18, 2022, ausland Berlin, Berlin, Germany (PREMIERE)

ANTONIA BAEHR FEAT IN FRIDER BUTZMANNS WUNDERSCHÖNE RÜCKKOPLUNGEN 2 | FILMPREMIERE

engl.

For the series CC No. 2 – Craving Coincidence, ausland had invited 6 musicians to curate for us a two-day mini festival each – among them Berlin based musician, composer, noisemaker, radio author, actor and lecturer Frieder Butzmann. Due to the pandemic, we had to transform some of the programme into other media and formats. Frieders CC2-edition had eventually been produced as a movie, comprising musical, performative and visual contributions by many guests, who sent us their clips or whom we’ve partly recorded in Berlin. Many of them are featuring Butzmann himself, who, at the same time, leads through the movie’s eclectic programme as moderator. En passant, the movie turns out to be a continuation of Butzmanns 2020-book „Wunderschöne Rückkopplungen“.

In the movie:

Warum lächelt John  
Marc Matter / Frieder Butzmann/ Roman Liebe
Wie Zuckerwerk
Column One
…was das für elektrische Töne sind‘
Zu Besuch bei Asmus Tietchens, 2022  
5 Klingonische Lieder
Veronika Otto (Cello / Pferdekopfgeige), Frieder Butzmann (Gesang)
Incendio Italiano
Super-8-Film, Thomas Kiesel
Antonia Baehr …macht was sie will
Antonia Baehr
Street Music
Frieder Butzmann
Die Schranknummer  
Duo Butzmann / Kapielski

de.

Zu der Reihe CC No. 2 – Craving Coincidence hatte das ausland für 2020 sechs Musiker*innen eingeladen, als Kurator*in je ein zweitägiges Mini-Festival frei zu gestalten und Gäste ihrer Wahl einzuladen – so auch den Berliner Musiker, Komponisten, Krachmacher, Hörspielautor, Schauspieler und Vortragsreisenden Frieder Butzmann. Wegen der Pandemie hat sich nicht nur die Dauer der Reihe erheblich gestreckt; manche Ideen und Konzepte mussten wir aus organisatorischen Gründen auch in andere Medien jenseits des Live-Formats überführen. So hatten wir schließlich Frieders CC No. 2-Ausgabe als Film produziert: Mit konzertanten, performativen und lichtbildnerischen sowie genredehnenden Beiträgen zahlreicher Gäste, die diese uns teils zugesandt oder die wir teils mit ihnen in Berlin aufgezeichnet hatten (so etwa die berüchtigte „Schranknummer“ oder die „5 Klingonischen Lieder“). Natürlich sind es durchweg Originalbeiträge – Frieder Butzmann wirkt in etlichen davon selbst mit und moderiert auch das abwechslungsreiche, von ihm erdachte Programm des Films, der so en passant zur Fortführung seines 2020 im Martin Schmitz Verlag erschienenen Buchs „Wunderschöne Rückkopplungen“ mit ganz anderen Mitteln, aber in verwandtschaftlichem Geiste wird.

Im Film:

Warum lächelt John  
Marc Matter / Frieder Butzmann/ Roman Liebe
Wie Zuckerwerk
Column One
…was das für elektrische Töne sind‘
Zu Besuch bei Asmus Tietchens, 2022  
5 Klingonische Lieder
Veronika Otto (Cello / Pferdekopfgeige), Frieder Butzmann (Gesang)
Incendio Italiano
Super-8-Film, Thomas Kiesel
Antonia Baehr …macht was sie will
Antonia Baehr
Street Music
Frieder Butzmann
Die Schranknummer  
Duo Butzmann / Kapielski

June 26, 2022, Extension Sauvage, Château de la Ballue, Bazouges-la-Pérouse, France

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engl.

Abecedarium Bestiarium

Portraits of affinities in animal metaphors

In Abecedarium Bestiarium the Berlin-based choreographer Antonia Baehr has invited her friends to write short pieces for her, based on an ABC of extinct animals: D is for Dodo, T is for Tasmanian tiger, S is for Steller’s sea cow . . . . The authors choose an extinct animal that they feel strongly about. This brings about heterogenous choreographic miniatures in which they reflect their respective affinity to the chosen animal as well as their friendship to Antonia Baehr.

„Antonia Baehr—for me—had thus created a desire to join her beforehand, before she entered the scene as body-and-voice. T… D … F … C … L … S … M … Y …, a nine-letter-promise to breathe, to add soul, to en-spirit the score, a promise that touches upon an intricate, impossible kind of homecoming; a homecoming that only works when authors, vowels, origins are absent. (…) There must be a transgression of origin, and a transgression of text, to show facets now of what cannot be named or defined, and Antonia Baehr approaches this question in a playful and unending act of veiling and unveiling. The more she undresses on stage, the more she seems to put on just another mask of another extinct animal, a performance of skins in which eyes become nipples and nipples become eyes. The skin of Antonia Baehr is part of her repertoire wardrobe, bringing to light the faces of letters-and-scores-and-other-things through vicarious play and intercourse; she opens up a field of desire, beyond male and female, un texte de jouissance. (…) Antonia Baehr does not aim at the sensus literalis of zoological matters in the question she put out to her friends: the „Abecedarium Bestiarium“ presents „Portraits of affinities in animal metaphors“. One might expect to see portraits, but we see portraits of affinities, affinities between Antonia’s friends and what they feel about an extinct animal, interpreted, presented and performed. Like in 16th-century Persian miniature paintings, the animal portraits of Antonia Baehr imitate poetry, not nature. This kind of poetic mimicry is itself presented by her in animal metaphors, that is to say, one affinity is presented by another, one likeness is mirrored by another, scores of animal metaphors are enacted by more animal metaphors, a hall of mirrors, translated from text to score to performance and back ad infinitum. It seems Antonia Baehr develops an entire universe of mirrored, deflected, postponed, and queerly dragged affinities in [animal] metaphors, a potentially unbound cosmos ruled by erotic bindings that traverse bodies, texts, scores, space, and time, acted out by her own male-and-female-body in a language created by the relationships that come across her way, a language involving voice, sound, body, movement, text, and architecture, called „Abecedarium Bestiarium“. Antonia Baehr’s Bestiarium is an Ursprungstheater of a language and an epistemic architecture yet to come: she offers her body as a stunning depository for the unconscious, the unconscious of others and herself that resurfaces as public performance, courageously undoing the bloody order of things, with humor, desire, freaky and curious stuff taking the lead, letting the imagination go free.“
– from: A. S. Bruckstein Çoruh, „Hall of Mirrors: Seventy Veils of Separation“, in: „Abecedarium Bestiarium – Portraits of affinities in animal metaphors“, ISBN 978-2-9700886-1-5, december 2013, edited by far° festival des arts vivants Nyon & make up productions Berlin, 16€, www.booksonthemove.eu

(…) venturing upstairs to HAU 2 to see Antonia Baehr’s Abecedarium Bestiarium-Affinitaeten in Tiermetaphern, her sculptural masterclass meditation consisting of dahliac scores for extinct animals. The brilliantine Miss Baehr and her alter ego Werner Hirsch were in fine form radiating in the sublime glow of manima/womina affinities. The audience was rapt in this evenings lush spring night of orchestral movement and sonorities with churning energy aided by a superb soundcape and La Baehr’s mystical vocal conjuring. The hexen spirit was in apt supply. There were so many lovely moments of pure geniustrata (…). Antononia Baehr has an endless reservoir of stage presence, timing and allure that comes together in high Garlandish blatancy.

– Vaginal Davis, May 13, 2013

fr.

Abecedarium Bestiarium

Portraits d’affinités en métaphores animales

Dans Abecedarium Bestiarium, la chorégraphe berlinoise Antonia Baehr a invité ses ami(e)s à écrire des compositions pour elle, basées sur un abécédaires d’animaux disparus: D comme dodo , T comme tigre de Tasmanie, S comme Steller’s sea cow (la rhytine de Steller)… Les auteur(e)s choisissent un animal disparu avec lequel elles/ils ont une affinité. Il en résulte des miniatures chorégraphiques hétéroclites qui reflètent leur relation respective à l’animal choisi ainsi que leur amitié avec Antonia Baehr.

de.

Abecedarium Bestiarium

Affinitäten in Tiermetaphern

In Abecedarium Bestiarium hat die Berliner Choreografin Antonia Baehr ihre Freund_innen eingeladen, Kompositionen für sie zu schreiben, die auf einem Abc ausgestorbener Tiere basieren: D wie Dodo, T wie Tasmanischer Tiger, S wie Steller’sche Seekuh … Die Autor_innen suchen sich ein ausgestorbenes Tier aus, mit dem sie sich verbunden fühlen. So entstehen verschiedenartige choreografische Miniaturen, in denen sie ihre jeweilige Verwandtschaft zu dem ausgewählten Tier reflektieren und ebenso ihre Freundschaft zu Antonia Baehr.

Postkarte

pict.: from original etchings by Dodo Heidenreich, Antonia Baehr, Keren Ida Nathan, Nanna Heidenreich, 2012

Overall concept, production and performance: Antonia Baehr

With compositions by: Fred Bigot (electronicat), Pauline Boudry, Valérie Castan, Lucile Desamory, Vinciane Despret, Sabine Ercklentz, Dodo Heidenreich, Christian Kesten, Keren Ida Nathan (Ida Wilde), Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann,William Wheeler, a. o.

Artistic collaboration : Valérie Castan

Lights : Sylvie Garot

Sound : Manuel Coursin, Eric Yvelin

Production : Alexandra Wellensiek

Production assistant: Sarah Blumenfeld

Translations: Guillaume Cailleau , Sabine Macher, William Wheeler,

Subtitle and Video Calibration : Guillaume Cailleau

Thank you to: Angela Anderson, Lindy Annis, Bettina von Arnim, ausland, Ulrich Baehr, Silke Bake, Carola Caggiano, Uli Ertl, Walton Ford, Elisabeth Freeman, Ulrike Melzwig, Wolfgang Müller, Conrad Noack, François Noudelman, Alain Roux, Pauline Schroeder-Baehr, Marlène Shaw, Christiane & Arnulf Spengler Gertrude Stein.

Additional thanks to Beursschouburg, Brussels.

Presentation: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg


Production: make up productions (Berlin)


Co-production: Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc Roussillon – in the framework of the project Jardin d’Europe, with support of the European Commission and ]domaines[ (Montpellier), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Kunstenfestivaldesarts (Brussels), PACT Zollverein (Essen), steirischer herbst (Graz), Tanzquartier (Vienna).

May 5 & 6, 2022, Brechthaus, Berlin, Germany (PREMIERE)

engl.

Does Antonia Baehr live alone at home? Or does she have countless and hardly known housemates who come unasked, settle in and multiply in her home? Wollmäuse, for example. Elsewhere they are called „Chatons“ (French) or „Dust Bunnies“ (English). They occur mainly in the northern hemisphere and feel particularly at home in heated apartments. What can Antonia Baehr learn from dust bunnies? 100 unspelled, disordered, idiosyncratic, knotted, out-loud and spat words for home.

de.

Lebt Antonia Baehr allein zu Hause? Oder hat sie zahllose und kaum bekannte Mitbewohner, die ungefragt kommen, sich einnisten und vermehren in ihrem Haus? Wollmäuse, zum Beispiel. Anderswo heißen sie „Chatons“ (französisch) oder „Dust Bunnies“ (englisch). Sie kommen vor allem in der nördlichen Hemisphäre vor und fühlen sich in beheizten Wohnungen besonders wohl. Was kann Antonia Baehr von Staubmäusen lernen? 100 ungeschriebene, ungeordnete, eigenwillige, verknotete, lautstarke und ausgespuckte Wörter für Zuhause.

March 27, 2022, Nomadische Akademie, HochX, Munich, Germany

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engl.

A project by Antonia Baehr and Latifa Laâbissi
in a visual installation by Nadia Lauro.

Apes, especially great apes, are considered the ‘almost human’ animals and this ‘almost’ has turned them into a projection screen for what humans think is human. At the beginning of the 20th century the chimpanzees Consul and Meshie lived among humans as humans and in the end considered themselves to be human. Antonia Baehr and Latifa Laâbissi adopt their own apish identities – with no liability for historical correctness. Hairy and liberal, insolent and shameless, these human apes occupy a visual installation by Nadia Lauro which nests itself roughly and casually into quiet little corners of theatres and museums away from the stage. From two leather limousine car seats, whose furry innards gradually spread into the room, Consul Baehr and Meshie Laâbissi exhibit themselves for three and a half hours at a time. The audience can come, stay, come back…

A human is an ape for the human, or two humans play at being apes that play at being humans for humans. They get out of hand and control themselves, straightening each other out. They learn zealously know-hows and don’t-know-hows. They sleep and lapse into apathy, they shatter slogans from populist speeches. They cannibalize poses, iconic dances, stitch feminist slogans. Consul and Meshie represent hybridized figures that question the violence of assignments, and make a mess in the categories nature/culture, man/woman, the self and the other.

Installation and Costume
Nadia Lauro’s installation is an artwork in its own right which Consul and Meshie reside in for the duration of the performance. With it they implant themselves into the different institutional spaces of theatres and museums. It is important that these spaces are not passageways. Staying with Consul and Meshie and spending time there has to be a decision. The audience can come, stay, come back. The installation and its two residents plant themselves into found non-spaces with a gesture of occupation in which a rather intimate situation is created, probably for 30 to 70 spectators at a time. We imagine that the installation does not fill the whole space but rather occupies ‘a corner’.


fr.
un projet d’Antonia Baehr et Latifa Laâbissi
dans une installation visuelle de Nadia Lauro.

Les singes, tout au moins les grands singes, comptent parmi les animaux « presque humains ». Ce « presque » a fait d’eux une surface de projection pour ce qui est considéré comme humain par les humains. Au début du vingtième siècle, les chimpanzés Consul et Meshie vivaient comme des humains, chez les humains, et avaient fini par se considérer eux-mêmes comme tels. Antonia Baehr et Latifa Laâbissi revêtent leurs identités simiesques, sans garantir l’historiquement correct. Fortement poilues et libres de mœurs, impertinentes et impudiques, ces deux guenons humaines occupent une installation visuelle de Nadia Lauro qui se niche dans les musées et les théâtres, à l’écart de la scène, dans un coin tranquille. A partir de deux sièges de limousine en cuir, dont les entrailles velues se déverseront petit à petit dans l’espace, Consul Baehr et Meshie Laâbissi s’exposeront pendant trois heures et demie. Le public pourra venir, rester, revenir…

L’être humain est un singe pour l’être humain. Ou : deux figures humaines jouent aux singes, qui jouent aux humains pour les humains. Elles perdent le contrôle et le reprennent en se dressant mutuellement. Elles font l’apprentissage zélé de savoirs-faire et de savoirs-pas-faire. Elles dorment et tombent dans l’apathie, elles font exploser en vol des mots d’ordre déclamés par les discours populistes. Elles cannibalisent des poses, des danses iconiques, brodent des slogans. Consul et Meshie représentent des figures hybridées qui interrogent la violence des assignations et foutent le bordel dans les catégories nature/culture, homme/femme, le soi et l’autre.

Installation et costumes
L’installation de Nadia Lauro prend la forme d’une œuvre autonome dans laquelle Consul et Meshie séjournent pendant la durée de la performance. Grâce à elle, elles se nichent dans les espaces institutionnels changeants des théâtres et musées. Il nous importe que ce ne soit pas un lieu de passage. Rester avec nous pour passer du temps ensemble doit être une décision. Le public vient, reste, revient. L’installation et ses deux habitants, habitantes se transplantent dans l’environnement existant par un geste d’occupation, ce qui génère une situation plutôt intime, pour environ 30 à 70 spectatrices et spectateurs. Le camp de base pour Consul et Meshie s’apparente à un intérieur de limousine, matelassé, couleur bronze qui habite, comme zone marginale de l’espace, un coin. Les parties rembourrées sont parcourues de fermetures à glissière surdimensionnées dont, si on les ouvre, surgissent des morceaux de fourrure, agrandissant petit à petit la surface du terrain de jeu.

de.
Ein projekt von Antonia Baehr und Latifa Laâbissi
In einer visuellen Installation von Nadia Lauro.

Der Mensch ist dem Menschen seine Äffin. Oder: Zwei Menschen spielen Affen, die für Menschen Menschen spielen. Sie geraten außer Kontrolle und kontrollieren sich, wenn sie sich gegenseitig abrichten. Sie erlernen eifrig Know-hows und Don’t-know-hows. Sie schlafen und verfallen in Apathie, sie sprengen Parolen aus populistischen Reden in die Luft. Sie kannibalisieren Posen, ikonische Tänze, sticken feministische Slogans. Consul und Meshie stellen hybridisierte Figuren dar, die die Gewalt von Zuschreibungen hinterfragen, und wirbeln an der Grenze der Kategorien Natur/Kultur, Mann/Frau, Eigen und Fremd.Monkeys and apes have a privileged relation to nature and culture for western people: simians occupy the border zones between those potent mythic poles. In the border zones, love and knowledge are richly ambiguous and productive of meanings (…).
– Donna Haraway, Primate Visions, 1989

March 24, 2022, Festival LEGS, Brussels, Belgium

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engl.

A project by Antonia Baehr and Latifa Laâbissi
in a visual installation by Nadia Lauro.

Apes, especially great apes, are considered the ‘almost human’ animals and this ‘almost’ has turned them into a projection screen for what humans think is human. At the beginning of the 20th century the chimpanzees Consul and Meshie lived among humans as humans and in the end considered themselves to be human. Antonia Baehr and Latifa Laâbissi adopt their own apish identities – with no liability for historical correctness. Hairy and liberal, insolent and shameless, these human apes occupy a visual installation by Nadia Lauro which nests itself roughly and casually into quiet little corners of theatres and museums away from the stage. From two leather limousine car seats, whose furry innards gradually spread into the room, Consul Baehr and Meshie Laâbissi exhibit themselves for three and a half hours at a time. The audience can come, stay, come back…

A human is an ape for the human, or two humans play at being apes that play at being humans for humans. They get out of hand and control themselves, straightening each other out. They learn zealously know-hows and don’t-know-hows. They sleep and lapse into apathy, they shatter slogans from populist speeches. They cannibalize poses, iconic dances, stitch feminist slogans. Consul and Meshie represent hybridized figures that question the violence of assignments, and make a mess in the categories nature/culture, man/woman, the self and the other.

Installation and Costume
Nadia Lauro’s installation is an artwork in its own right which Consul and Meshie reside in for the duration of the performance. With it they implant themselves into the different institutional spaces of theatres and museums. It is important that these spaces are not passageways. Staying with Consul and Meshie and spending time there has to be a decision. The audience can come, stay, come back. The installation and its two residents plant themselves into found non-spaces with a gesture of occupation in which a rather intimate situation is created, probably for 30 to 70 spectators at a time. We imagine that the installation does not fill the whole space but rather occupies ‘a corner’.


fr.
un projet d’Antonia Baehr et Latifa Laâbissi
dans une installation visuelle de Nadia Lauro.

Les singes, tout au moins les grands singes, comptent parmi les animaux « presque humains ». Ce « presque » a fait d’eux une surface de projection pour ce qui est considéré comme humain par les humains. Au début du vingtième siècle, les chimpanzés Consul et Meshie vivaient comme des humains, chez les humains, et avaient fini par se considérer eux-mêmes comme tels. Antonia Baehr et Latifa Laâbissi revêtent leurs identités simiesques, sans garantir l’historiquement correct. Fortement poilues et libres de mœurs, impertinentes et impudiques, ces deux guenons humaines occupent une installation visuelle de Nadia Lauro qui se niche dans les musées et les théâtres, à l’écart de la scène, dans un coin tranquille. A partir de deux sièges de limousine en cuir, dont les entrailles velues se déverseront petit à petit dans l’espace, Consul Baehr et Meshie Laâbissi s’exposeront pendant trois heures et demie. Le public pourra venir, rester, revenir…

L’être humain est un singe pour l’être humain. Ou : deux figures humaines jouent aux singes, qui jouent aux humains pour les humains. Elles perdent le contrôle et le reprennent en se dressant mutuellement. Elles font l’apprentissage zélé de savoirs-faire et de savoirs-pas-faire. Elles dorment et tombent dans l’apathie, elles font exploser en vol des mots d’ordre déclamés par les discours populistes. Elles cannibalisent des poses, des danses iconiques, brodent des slogans. Consul et Meshie représentent des figures hybridées qui interrogent la violence des assignations et foutent le bordel dans les catégories nature/culture, homme/femme, le soi et l’autre.

Installation et costumes
L’installation de Nadia Lauro prend la forme d’une œuvre autonome dans laquelle Consul et Meshie séjournent pendant la durée de la performance. Grâce à elle, elles se nichent dans les espaces institutionnels changeants des théâtres et musées. Il nous importe que ce ne soit pas un lieu de passage. Rester avec nous pour passer du temps ensemble doit être une décision. Le public vient, reste, revient. L’installation et ses deux habitants, habitantes se transplantent dans l’environnement existant par un geste d’occupation, ce qui génère une situation plutôt intime, pour environ 30 à 70 spectatrices et spectateurs. Le camp de base pour Consul et Meshie s’apparente à un intérieur de limousine, matelassé, couleur bronze qui habite, comme zone marginale de l’espace, un coin. Les parties rembourrées sont parcourues de fermetures à glissière surdimensionnées dont, si on les ouvre, surgissent des morceaux de fourrure, agrandissant petit à petit la surface du terrain de jeu.

de.
Ein projekt von Antonia Baehr und Latifa Laâbissi
In einer visuellen Installation von Nadia Lauro.

Der Mensch ist dem Menschen seine Äffin. Oder: Zwei Menschen spielen Affen, die für Menschen Menschen spielen. Sie geraten außer Kontrolle und kontrollieren sich, wenn sie sich gegenseitig abrichten. Sie erlernen eifrig Know-hows und Don’t-know-hows. Sie schlafen und verfallen in Apathie, sie sprengen Parolen aus populistischen Reden in die Luft. Sie kannibalisieren Posen, ikonische Tänze, sticken feministische Slogans. Consul und Meshie stellen hybridisierte Figuren dar, die die Gewalt von Zuschreibungen hinterfragen, und wirbeln an der Grenze der Kategorien Natur/Kultur, Mann/Frau, Eigen und Fremd.Monkeys and apes have a privileged relation to nature and culture for western people: simians occupy the border zones between those potent mythic poles. In the border zones, love and knowledge are richly ambiguous and productive of meanings (…).
– Donna Haraway, Primate Visions, 1989

February 23, 2022, KINDL- Zentrum für zeitgenössische Kunst, Berlin, Germany

engl.

Le chant du psychophone is a one-on-one encounter between visitor and performer, spatially separated and intimate at the same time. It is an invitation to make contact acoustically, sensorially, and visually with the infinitely near and the infinitely distant. With this work, which will be presented in Germany for the first time, Antonia Baehr continues her choreographic and performative research into face and faciality.

de.

Le chant du psychophone ist eine Begegnung zwischen Besucher*in und Performer*in, Eins-zu-Eins, Tête-à-Tête, räumlich getrennt und intim, humorvoll und überraschend. Die Performance lädt akustisch, haptisch und visuell dazu ein, den Kontakt mit dem unendlich Nahen und Fernen aufzunehmen. Mit dieser Arbeit, die erstmalig in Deutschland zu sehen ist, setzt Antonia Baehr ihre choreografischen und performativen Forschungen zu Gesicht und Gesichtshaftigkeit fort.

fr.

Le chant du psychophone est une rencontre individuelle entre le visiteur et le performeur, à la fois séparés dans l’espace et intimes. C’est une invitation à prendre contact acoustiquement, sensoriellement et visuellement avec l’infiniment proche et l’infiniment lointain. Avec cette œuvre, qui sera présentée en Allemagne pour la première fois, Antonia Baehr poursuit sa recherche chorégraphique et performative sur le visage et la facialité.

December 3, 2021, Ural Industrial Biennial of Contemporary Art, Ekaterinburg, Russia

engl.

„Telepathic Tentacles Tutorial“ with a contribution by Antonia Baehr

„Telepathic School“ will be held in the lecture hall in the former cinema „Salute“.It is formed by theoretical reports, poetic readings, sound performances and telepathic exercises. The program lasts for three hours, consists of ten thought-provoking sessions that run on three interferring channels: How to maintain communication in a nutritious language; Interview „telepathy“; Capitalization of „telepaty“.The school invites students to reflect together on the history and relevance of „telepathy“, while maintaining physical and critical distance. It will cover topics from paramagy to feminist views on the language, from intervisory communication to the ongoing re-apropration of „telepathic“ experiences with supervisory capitalism.The Telepathic School merges theoretical contributions, poetry, sonic performances and exercises of telepathy: three hours, organised in 10 transmissions of thoughts, and 3 interfering channels –How to Communicate when Language is Poisoned; Interspecies Telepathy; The Capitalisation of Telepathy. It invites the listeners to reflect together from a distance, by travelling in the history of telepathy and its relevance today: from para-magic to feminist perspectives on language, from interspecies communication, to the ongoing re-appropriation of telepathic experiments by surveillance capitalism.

December 3 & 4, 2021, Ménagerie de Verre, Paris, France

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engl.
Consul and Meshie
A project by Antonia Baehr and Latifa Laâbissi
in a visual installation by Nadia Lauro.

Apes, especially great apes, are considered the ‘almost human’ animals and this ‘almost’ has turned them into a projection screen for what humans think is human. At the beginning of the 20th century the chimpanzees Consul and Meshie lived among humans as humans and in the end considered themselves to be human. Antonia Baehr and Latifa Laâbissi adopt their own apish identities – with no liability for historical correctness. Hairy and liberal, insolent and shameless, these human apes occupy a visual installation by Nadia Lauro which nests itself roughly and casually into quiet little corners of theatres and museums away from the stage. From two leather limousine car seats, whose furry innards gradually spread into the room, Consul Baehr and Meshie Laâbissi exhibit themselves for three and a half hours at a time. The audience can come, stay, come back…

A human is an ape for the human, or two humans play at being apes that play at being humans for humans. They get out of hand and control themselves, straightening each other out. They learn zealously know-hows and don’t-know-hows. They sleep and lapse into apathy, they shatter slogans from populist speeches. They cannibalize poses, iconic dances, stitch feminist slogans. Consul and Meshie represent hybridized figures that question the violence of assignments, and make a mess in the categories nature/culture, man/woman, the self and the other.

Installation and Costume
Nadia Lauro’s installation is an artwork in its own right which Consul and Meshie reside in for the duration of the performance. With it they implant themselves into the different institutional spaces of theatres and museums. It is important that these spaces are not passageways. Staying with Consul and Meshie and spending time there has to be a decision. The audience can come, stay, come back. The installation and its two residents plant themselves into found non-spaces with a gesture of occupation in which a rather intimate situation is created, probably for 30 to 70 spectators at a time. We imagine that the installation does not fill the whole space but rather occupies ‘a corner’.


fr.
Consul et Meshie
un projet d’Antonia Baehr et Latifa Laâbissi
dans une installation visuelle de Nadia Lauro.

Les singes, tout au moins les grands singes, comptent parmi les animaux « presque humains ». Ce « presque » a fait d’eux une surface de projection pour ce qui est considéré comme humain par les humains. Au début du vingtième siècle, les chimpanzés Consul et Meshie vivaient comme des humains, chez les humains, et avaient fini par se considérer eux-mêmes comme tels. Antonia Baehr et Latifa Laâbissi revêtent leurs identités simiesques, sans garantir l’historiquement correct. Fortement poilues et libres de mœurs, impertinentes et impudiques, ces deux guenons humaines occupent une installation visuelle de Nadia Lauro qui se niche dans les musées et les théâtres, à l’écart de la scène, dans un coin tranquille. A partir de deux sièges de limousine en cuir, dont les entrailles velues se déverseront petit à petit dans l’espace, Consul Baehr et Meshie Laâbissi s’exposeront pendant trois heures et demie. Le public pourra venir, rester, revenir…

L’être humain est un singe pour l’être humain. Ou : deux figures humaines jouent aux singes, qui jouent aux humains pour les humains. Elles perdent le contrôle et le reprennent en se dressant mutuellement. Elles font l’apprentissage zélé de savoirs-faire et de savoirs-pas-faire. Elles dorment et tombent dans l’apathie, elles font exploser en vol des mots d’ordre déclamés par les discours populistes. Elles cannibalisent des poses, des danses iconiques, brodent des slogans. Consul et Meshie représentent des figures hybridées qui interrogent la violence des assignations et foutent le bordel dans les catégories nature/culture, homme/femme, le soi et l’autre.

Installation et costumes
L’installation de Nadia Lauro prend la forme d’une œuvre autonome dans laquelle Consul et Meshie séjournent pendant la durée de la performance. Grâce à elle, elles se nichent dans les espaces institutionnels changeants des théâtres et musées. Il nous importe que ce ne soit pas un lieu de passage. Rester avec nous pour passer du temps ensemble doit être une décision. Le public vient, reste, revient. L’installation et ses deux habitants, habitantes se transplantent dans l’environnement existant par un geste d’occupation, ce qui génère une situation plutôt intime, pour environ 30 à 70 spectatrices et spectateurs. Le camp de base pour Consul et Meshie s’apparente à un intérieur de limousine, matelassé, couleur bronze qui habite, comme zone marginale de l’espace, un coin. Les parties rembourrées sont parcourues de fermetures à glissière surdimensionnées dont, si on les ouvre, surgissent des morceaux de fourrure, agrandissant petit à petit la surface du terrain de jeu.

de.
Consul und Meshie
Ein projekt von Antonia Baehr und Latifa Laâbissi
In einer visuellen Installation von Nadia Lauro.

Der Mensch ist dem Menschen seine Äffin. Oder: Zwei Menschen spielen Affen, die für Menschen Menschen spielen. Sie geraten außer Kontrolle und kontrollieren sich, wenn sie sich gegenseitig abrichten. Sie erlernen eifrig Know-hows und Don’t-know-hows. Sie schlafen und verfallen in Apathie, sie sprengen Parolen aus populistischen Reden in die Luft. Sie kannibalisieren Posen, ikonische Tänze, sticken feministische Slogans. Consul und Meshie stellen hybridisierte Figuren dar, die die Gewalt von Zuschreibungen hinterfragen, und wirbeln an der Grenze der Kategorien Natur/Kultur, Mann/Frau, Eigen und Fremd.

Monkeys and apes have a privileged relation to nature and culture for western people: simians occupy the border zones between those potent mythic poles. In the border zones, love and knowledge are richly ambiguous and productive of meanings (…). 
– Donna Haraway, Primate Visions, 1989

Concept and Interpretation:  Antonia Baehr, Latifa Laâbissi 

Visual Installation: Nadia Lauro 

Figures: Antonia Baehr, Latifa Laâbissi, Nadia Lauro 

Sound and Light Design: Carola Caggiano 

Adminstration & Diffusion: Alexandra Wellensiek / make up productions & Fanny Virelizier / Figure Project 

Design Game „French Theory Memory“: Hilà Lahav 

Thanks to: Vinciane Despret, Donna Haraway, Les Laboratoires d’Aubervilliers, Melanie Poppe, Rayna Rapp, Constanze Schellow, Emilia and Kathrin Schlosser, Mia Sellmann, the entire team of HAU Hebbel am Ufer, Jean-Yves and Danielle Auvray 

A co-production by Figure Project / make up productions and HAU Hebbel am Ufer Theater (Berlin), Le Magasin des horizons (Grenoble), CCN2, Centre choréographique national de Grenoble, Xing/Live Arts Week VII (Bologna)

Funded by Hauptstadtkulturfonds and Senate Department for Culture and Europe. 

Date of creation: May 2018 Duration: 3h30 (5 hours in May 2018)

November 25 – 27, 2021, KAHO, Berlin, Germany

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The Extraordinary Wig

A project by Antonia Baehr and Lucile Desamory

Fringe white, syringe, brown, brown, black, white, grey, elastic rope, hand twine, twine mixed, twine old, beige, brown, grey, twine, twine grey, twine beige, twine red, blue, roll A55, rail, rings, screw eyelets, eyelets, eyelet work, rings, carabiner, tulle, rose petals, anemone (colorful), tiger lily leaves, rose leaves, dandelion leaves, grass, foxglove, fiddle, leaf shapes, flowers, narrow leaves, very thin floral wire green red, wire, flower stems, furniture ornament, leaves red poppy with leaves, flower calyxes, full, gerbera, full, flower calyxes pointed, big gerbera, spring flowers, half, leaves, petals, bouquets, rose petals (coarse), rose leaves, empty, leaves, various kinds of flowers, wire leaves, de-fix foils (different colours), branches, leaves, long narrow leaves, petals, rose petals yellow, skull, pear, potato, potato, corn, face masks, ladies rococo, very old wigs, dreadlocks, hands/feet, intestines, bowels, hearts, teeth, eyes, penis, ears, roots, snow queen, long dark baal, smooth baal, smooth baal noses, warm foam parts, bald heads with hair, dolls, larvae, horns, lips, leather masks, horns, animal noses, tulle leftovers

Five small stages, four live improvised songs, twenty-three whatsapp messages, some dreams of the theatre, nine mushrooms, a treasure of petals and at least two magic tricks. Lucile Desamory and Antonia Baehr are interested in hidden classification systems. In their collaboration, they roam through stage elements they found at the scrapyard of the Leipzig Opera House and follow the fascination of worn objects, including some from their own past. They have painted, masks and portraits, they have had conversations, they will wear some wigs and in between they will lose their subject.

de.

Die besondere Perücke

Ein Projekt von Antonia Baehr und Lucile Desamory.

Franse weiß, Spritze, braun, braun, schwarz, weiß, grau, Gummiseil, Handzwirn-Zwirn gemischt, Zwirn alt beige braun grau Zwirn, Zwirn grau, Zwirn beige, Zwirn rot blau Rolle A55 Schiene Ringe Schrauboesen Oesen Oesenwerkzeug Ringe, Karabiner, Tüll, Rosenblätter, Anemone (bunt), Tigerlilienblätter, Rosenlaub, Löwenzahnblätter, Gras, Fingerhut, Fidelchen, Blattformen, Blüten, schmale Blätter, sehr dünner Blumendraht grün rot, Draht Blumenstiele Möbelorn, Blätter roter Mohn mit Laub Blütenkelche, voll, Gerbera, voll, Blumenkelche spitz gr. Gerbera Frühlingsblumen Halb, BlätterBlütenblätter Sträuße Rosenblätter (grob) Rosenlaub, Leer, Blätter, versch. Blätter, de-fix Folien (versch.Farben), Zweige Laub, lange schmale Blätter Blütenblätter Rosenblätter gelb, Schädel , Birne Kartoffel Kartoffel Mais, Gesichtsmasken Damenrockoko Ganz alte Perrücken Dreadlooks Hände/Füße, Därme, Innerein Herzen Zähne, Augen Penis, Ohren, Ansätze Schneekönigin Lange Dunkle Baal, Glatzen Nasen Warmschaumteile Glatze mit Haaren Puppen, Larven, Hörner Teile, Lippen Ledermasken Leuchthörner Tiernasen Tüllreste

Fünf kleine Bühnen, vier live improvisierte Gesänge, dreiundzwanzig Whatsapp-Nachrichten, einige Träume vom Theater, neun Pilze, ein Schatz aus Blütenblättern und mindestens zwei Zaubertricks. Lucile Desamorys und Antonia Baehrs Interesse gilt verborgenen Ordnungssystemen. In ihrer Zusammenarbeit durchstreifen sie Bühnenelemente, die sie auf dem Verschrottungshof der Oper Leipzig gefunden haben und folgen der Faszination von abgespielten Objekten, einschließlich einigen aus ihrer eigenen Vergangenheit. Sie haben gemalt, Masken und Portraits, sie haben Gespräche geführt, sie werden einige Perücken tragen und zwischendurch ihr Thema verlieren.

engl.

Concept, artistic direction & performance: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Dramaturgical collaboration: Sabine Ercklentz, Constanze Schellow, Isabell Spengler, Mayte Zimmermann

Sound design: Carola Caggiano

Light design: Gretchen Blegen

Lighting control: Gretchen Blegen, Anahi Perez

Video: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Magic tricks: Mischa Desamory

Stage design: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Stage, costume and production assistance: Lise Kruse

Production of the costumes in the costume workshops of the Leipzig Opera/ costume director: Silke Wey
Production of the decorations in the theatre workshops of the Leipzig Opera / Workshop director: Bernd Niesar, design department / production management: Matthias Gollner
Internship: Maj Lilith Hemmesmann, Fenja Offhaus

Administration: Alexandra Wellensiek / make up productions

Thanks to: Guy Desamory, Martin Baehr, Ulrich Baehr, the technicians* and employees* of the theatre and costume workshops of the Leipzig Opera and the mask workshop of the Schauspiel Leipzig especially the interview partners Doris Haenert, Sandra Jähnert, Manja Kölpin, Julia Markow and Gabriele Obst as well as the Kunstverein Leipzig

A production by make up productions in co-production with Residenz Schauspiel Leipzig, HAU Hebbel am Ufer Berlin, Theater Freiburg, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, NEXT festival – Eurometropolis Lille-Kortrijk-Tournai + Valenciennes / Kunstencentrum BUDA (Kortrijk, Belgium)

Supported by the NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) Coproduction Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media

Premiere: 1 February 2020, Residenz Schauspiel Leipzig

October 24 – November 11, 2021, Exhibition & Performance, Galerie ZeitZone, Berlin, Germany

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präsentiert von / presented by

Antonia Baehr und / and Lucile Desamory 

mit / withTeta Lírica, Florina Speth aka Schloß Mirabell, Carola Caggiano, Wolfgang Müller und Ahmad Hamad, Dj Elke Echo, etc.dt.

Haufenweise Glamour im Club zur singenden Säge, mit tanzenden Brüsten, rauschenden Haufen, schnurrenden Schnurrbärten und noch viel mehr. Zwei Abende mit Shows und Party in einer Ausstellung von Lucile Desamory und Antonia Baehr in der Galerie ZeitZone, Berlin-Kreuzberg

engl.

In the club, heaps of glamour seeped in the sound of a singing saw. On stage, breasts dance with the theremins surrounded by roaring piles, purring mustaches and much much more. Two evenings of shows and party in an exhibition by Lucile Desamory and Antonia Baehr at Galerie ZeitZone.

Ausstellung / Exhibition: 31.10.- 11.11.2021 | Party & Show: Saturday October 30th & Saturday November 6th, 2021
Öffnungszeiten Ausstellung / Opening times exhibition: Do – So / Wed – Sun: 14:00 – 19:00 / 2 pm – 7 pmParty & Shows: Tür öffnet um  20:00 / Doors open at 8 pm

Technik: Mathilda Kruschel, Fine Freiberg
Administration: Alexandra Wellensiek
A production by: make up productions

www.luciledesamory.net

Dank an: Pauline Boudry & Renate Lorenz, Nicholas Desamory, Jade Devine, Santiago Doljanin, Margareth Kammerer, Eduard Mont de Palol, Christian Porstner

Supported by: the NATIONAL PERFORMANCE NETWORK – STEPPING OUT, funded by the Federal Government Commissioner for Culture and Media within the framework of the initiative NEUSTART KULTUR. Assistance Program for Dance

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ – STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz.

Mit Unterstützung des Theaterhaus Mitte.

October 8-10, 2021, Move 2021, Centre Pompidou, Paris, France

fr.

„Speak White“, „Bling blings“, „Qui sommes-nous?“ and to be continued …

– trois numéros de Latifa Laâbissi et Werner Hirsch

Depuis 2018, Latifa Laâbissi et Werner Hirsch (aka Antonia Baehr) se retrouvent régulièrement à travers le monde et l’espace pour leur performance „Consul et Meshie“, un duo simiesque de trois heures et demies dans une installation visuelle de Nadia Lauro. On les revoie dans le film „Moving Backwards“ de Lorenz/Boudry, deux artistes avec lesquelles se vit une collaboration au long court sous des modalités auctoriales changeantes. Ici, Hirsch/Laâbissi jouent avec le format de numéros courts et accumulatifs.  Pour ce programme, „Speak White“ réactive un texte de Michèle Lalonde, poétesse et dramaturge québécoise. „Qui sommes-nous?“ est une danse de hiboux qui fait briller les poissons dans l’océan sur Desireless. Enfin, „Bling blings“, idéophone qui ne reproduit pas le son des chaînes mais qui exprime l’idée du clinquant, fait hommage à Cathy Berberian pour son merveilleux „Stripsody“. To be continued au prochain numéro …

August 28, 2021, À DOMICILE, Église de Guissény, France

fr.

Brao ar vuhez – morceaux de vie guissénienne en chorale

„À partir d’enregistrements sonores de leur environment guissénien glanés pendant l’atelier, les participant.e.s ont écrit des composition originales pour voix en chorale, en écho au monde quotidien qui les entoure et les affecte. La chorale amplifie ce quotidien présumé banal comme un cornet accoustique. En plusieurs morceaux, elle tisse des portraits de relation _ une brebis et da gardienne ; un chien, und téléphone et un voisin ; les cloches de l’église et la vie à leur côte ; la mer et la mère…“

engl.

Brao ar vuhez – pieces of Guissénian life for choir.

From sound recordings of their Guissénian environment made during the workshop, the participants wrote original compositions for voice in choir, echoing the daily world that surrounds and affects them. The choir amplifies this presumably banal daily life like an acoustic horn. In different movements, it weaves together portraits of relationships: a sheep and its janitor; a dog, a telephone and a neighbor; the church bells and the life beside them; la mer et ta mère (the sea and your mother) …

July 22 & 23, 2021, Mattatoio, Rom, Italy

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engl.

Abecedarium Bestiarium

Portraits of affinities in animal metaphors

In Abecedarium Bestiarium the Berlin-based choreographer Antonia Baehr has invited her friends to write short pieces for her, based on an ABC of extinct animals: D is for Dodo, T is for Tasmanian tiger, S is for Steller’s sea cow . . . . The authors choose an extinct animal that they feel strongly about. This brings about heterogenous choreographic miniatures in which they reflect their respective affinity to the chosen animal as well as their friendship to Antonia Baehr.

„Antonia Baehr—for me—had thus created a desire to join her beforehand, before she entered the scene as body-and-voice. T… D … F … C … L … S … M … Y …, a nine-letter-promise to breathe, to add soul, to en-spirit the score, a promise that touches upon an intricate, impossible kind of homecoming; a homecoming that only works when authors, vowels, origins are absent. (…) There must be a transgression of origin, and a transgression of text, to show facets now of what cannot be named or defined, and Antonia Baehr approaches this question in a playful and unending act of veiling and unveiling. The more she undresses on stage, the more she seems to put on just another mask of another extinct animal, a performance of skins in which eyes become nipples and nipples become eyes. The skin of Antonia Baehr is part of her repertoire wardrobe, bringing to light the faces of letters-and-scores-and-other-things through vicarious play and intercourse; she opens up a field of desire, beyond male and female, un texte de jouissance. (…) Antonia Baehr does not aim at the sensus literalis of zoological matters in the question she put out to her friends: the „Abecedarium Bestiarium“ presents „Portraits of affinities in animal metaphors“. One might expect to see portraits, but we see portraits of affinities, affinities between Antonia’s friends and what they feel about an extinct animal, interpreted, presented and performed. Like in 16th-century Persian miniature paintings, the animal portraits of Antonia Baehr imitate poetry, not nature. This kind of poetic mimicry is itself presented by her in animal metaphors, that is to say, one affinity is presented by another, one likeness is mirrored by another, scores of animal metaphors are enacted by more animal metaphors, a hall of mirrors, translated from text to score to performance and back ad infinitum. It seems Antonia Baehr develops an entire universe of mirrored, deflected, postponed, and queerly dragged affinities in [animal] metaphors, a potentially unbound cosmos ruled by erotic bindings that traverse bodies, texts, scores, space, and time, acted out by her own male-and-female-body in a language created by the relationships that come across her way, a language involving voice, sound, body, movement, text, and architecture, called „Abecedarium Bestiarium“. Antonia Baehr’s Bestiarium is an Ursprungstheater of a language and an epistemic architecture yet to come: she offers her body as a stunning depository for the unconscious, the unconscious of others and herself that resurfaces as public performance, courageously undoing the bloody order of things, with humor, desire, freaky and curious stuff taking the lead, letting the imagination go free.“
– from: A. S. Bruckstein Çoruh, „Hall of Mirrors: Seventy Veils of Separation“, in: „Abecedarium Bestiarium – Portraits of affinities in animal metaphors“, ISBN 978-2-9700886-1-5, december 2013, edited by far° festival des arts vivants Nyon & make up productions Berlin, 16€, www.booksonthemove.eu

(…) venturing upstairs to HAU 2 to see Antonia Baehr’s Abecedarium Bestiarium-Affinitaeten in Tiermetaphern, her sculptural masterclass meditation consisting of dahliac scores for extinct animals. The brilliantine Miss Baehr and her alter ego Werner Hirsch were in fine form radiating in the sublime glow of manima/womina affinities. The audience was rapt in this evenings lush spring night of orchestral movement and sonorities with churning energy aided by a superb soundcape and La Baehr’s mystical vocal conjuring. The hexen spirit was in apt supply. There were so many lovely moments of pure geniustrata (…). Antononia Baehr has an endless reservoir of stage presence, timing and allure that comes together in high Garlandish blatancy.

– Vaginal Davis, May 13, 2013

fr.

Abecedarium Bestiarium

Portraits d’affinités en métaphores animales

Dans Abecedarium Bestiarium, la chorégraphe berlinoise Antonia Baehr a invité ses ami(e)s à écrire des compositions pour elle, basées sur un abécédaires d’animaux disparus: D comme dodo , T comme tigre de Tasmanie, S comme Steller’s sea cow (la rhytine de Steller)… Les auteur(e)s choisissent un animal disparu avec lequel elles/ils ont une affinité. Il en résulte des miniatures chorégraphiques hétéroclites qui reflètent leur relation respective à l’animal choisi ainsi que leur amitié avec Antonia Baehr.

de.

Abecedarium Bestiarium

Affinitäten in Tiermetaphern

In Abecedarium Bestiarium hat die Berliner Choreografin Antonia Baehr ihre Freund_innen eingeladen, Kompositionen für sie zu schreiben, die auf einem Abc ausgestorbener Tiere basieren: D wie Dodo, T wie Tasmanischer Tiger, S wie Steller’sche Seekuh … Die Autor_innen suchen sich ein ausgestorbenes Tier aus, mit dem sie sich verbunden fühlen. So entstehen verschiedenartige choreografische Miniaturen, in denen sie ihre jeweilige Verwandtschaft zu dem ausgewählten Tier reflektieren und ebenso ihre Freundschaft zu Antonia Baehr.

Postkarte

pict.: from original etchings by Dodo Heidenreich, Antonia Baehr, Keren Ida Nathan, Nanna Heidenreich, 2012

Overall concept, production and performance: Antonia Baehr

With compositions by: Fred Bigot (electronicat), Pauline Boudry, Valérie Castan, Lucile Desamory, Vinciane Despret, Sabine Ercklentz, Dodo Heidenreich, Christian Kesten, Keren Ida Nathan (Ida Wilde), Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann,William Wheeler, a. o.

Artistic collaboration : Valérie Castan

Lights : Sylvie Garot

Sound : Manuel Coursin, Eric Yvelin

Production : Alexandra Wellensiek

Production assistant: Sarah Blumenfeld

Translations: Guillaume Cailleau , Sabine Macher, William Wheeler,

Subtitle and Video Calibration : Guillaume Cailleau

Thank you to: Angela Anderson, Lindy Annis, Bettina von Arnim, ausland, Ulrich Baehr, Silke Bake, Carola Caggiano, Uli Ertl, Walton Ford, Elisabeth Freeman, Ulrike Melzwig, Wolfgang Müller, Conrad Noack, François Noudelman, Alain Roux, Pauline Schroeder-Baehr, Marlène Shaw, Christiane & Arnulf Spengler Gertrude Stein.

Additional thanks to Beursschouburg, Brussels.

Presentation: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg


Production: make up productions (Berlin)


Co-production: Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc Roussillon – in the framework of the project Jardin d’Europe, with support of the European Commission and ]domaines[ (Montpellier), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Kunstenfestivaldesarts (Brussels), PACT Zollverein (Essen), steirischer herbst (Graz), Tanzquartier (Vienna).

July 16 & 17, 2021, Consul et Meshie, Schwankhalle, Bremen, Germany

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engl.

Consul and Meshie

A project by Antonia Baehr and Latifa Laâbissi

in a visual installation by Nadia Lauro.

Apes, especially great apes, are considered the ‘almost human’ animals and this ‘almost’ has turned them into a projection screen for what humans think is human. At the beginning of the 20th century the chimpanzees Consul and Meshie lived among humans as humans and in the end considered themselves to be human. Antonia Baehr and Latifa Laâbissi adopt their own apish identities – with no liability for historical correctness. Hairy and liberal, insolent and shameless, these human apes occupy a visual installation by Nadia Lauro which nests itself roughly and casually into quiet little corners of theatres and museums away from the stage. From two leather car seats, whose furry innards gradually spread into the room, Consul Baehr and Meshie Laâbissi exhibit themselves for five hours at a time while the audience is free to come and go.

A human is an ape for the human, or two humans play at being apes that play at being humans for humans. They get out of hand and control themselves, straightening each other out. They learn zealously know-hows and don’t-know-hows. They sleep and lapse into apathy, they shatter slogans from populist speeches. They cannibalize poses, iconic dances, stitch feminist slogans. Consul and Meshie represent hybridized figures that question the violence of assignments. They make a mess in the categories nature/culture, man/woman, the self and the other.

Installation and Costume

Nadia Lauro’s installation is an artwork in its own right which Consul and Meshie reside in for the duration of the performance. With it they too implant themselves into the different institutional spaces of theatres and museums. It is important for us that these spaces are not passageways. Staying with us and spending time with us has to be a decision. The audience members can come and go as they please.

The installation and its two residents plant themselves into found non-spaces with a gesture of occupation in which a rather intimate situation is created, probably for 30 to 50 spectators at a time. We imagine that the installation does not fill the whole space but rather occupies ‘a corner’ and, as Nadia Lauro described in our discussion with her, spills out into the given space from there.

Concept & Performance: Antonia Baehr and Latifa Laâbissi

Visual Installation: Nadia Lauro

Costumes: Antonia Baehr, Latifa Laâbissi and Nadia Lauro

Sound & Light Design: Carola Caggiano

Adminstration: Alexandra Wellensiek / make up productions & Fanny Virelizier / Figure Project

Date of creation: May 2018

Duration: 5 hours

A co-production by Figure Project / make up productions and HAU Hebbel am Ufer Theater (Berlin), Le Magasin des horizons (Grenoble), CCN2, Centre choréographique national de Grenoble, Xing/Live Arts Week VII (Bologna)

Supported by: Senatsverwaltung für Kultur und Europa und Hauptstadtkulturfonds

fr.

Consul et Meshie

un projet d’Antonia Baehr et Latifa Laâbissi

dans une installation visuelle de Nadia Lauro.

Les singes, tout au moins les grands singes, comptent parmi les animaux « presque humains ». Ce « presque » a fait d’eux une surface de projection pour ce qui est considéré comme humain par les humains. Au début du vingtième siècle, les chimpanzés Consul et Meshie vivaient comme des humains, chez les humains, et avaient fini par se considérer eux-mêmes comme tels. Antonia Baehr et Latifa Laâbissi revêtent leurs identités simiesques, sans garantir l’historiquement correct. Fortement poilues et libres de mœurs, impertinentes et impudiques, ces deux guenons humaines occupent une installation visuelle de Nadia Lauro qui se niche dans les musées et les théâtres, à l’écart de la scène, dans un coin tranquille. A partir de deux sièges de limousine en cuir, dont les entrailles velues se déverseront petit à petit dans l’espace, Consul Baehr et Meshie Laâbissi s’exposeront pendant cinq heures durant lesquelles les spectatrices et spectateurs pourront aller et venir.

L’être humain est un singe pour l’être humain. Ou : deux figures humaines jouent aux singes, qui jouent aux humains pour les humains. Elles perdent le contrôle et le reprennent en se dressant mutuellement. Elles font l’apprentissage zélé de savoirs-faire et de savoirs-pas-faire. Elles dorment et tombent dans l’apathie, elles font exploser en vol des mots d’ordre déclamés par les discours populistes. Elles cannibalisent des poses, des danses iconiques, brodent des slogans. Consul et Meshie représentent des figures hybridées qui interrogent la violence des assignations et foutent le bordel dans les catégories nature / culture, homme/femme, le soi et l’autre.

Installation et costumes

L’installation de Nadia Lauro prend la forme d’une œuvre autonome dans laquelle Consul et Meshie séjournent pendant la durée de la performance. Grâce à elle, elles se nichent dans les espaces institutionnels changeants des théâtres et musées. Il nous importe que ce ne soit pas un lieu de passage. Rester avec nous pour passer du temps ensemble doit être une décision. Le public s’en va quand il veut et arrive quand il veut.

L’installation et ses deux habitants, habitantes se transplantent dans l’environnement existant par un geste d’occupation, ce qui génère une situation plutôt intime, pour environ 30 à 50 spectatrices, spectateurs. Le camp de base pour Consul et Meshie s’apparente à un intérieur de limousine, matelassé, couleur bronze qui habite, comme zone marginale de l’espace, un coin. Les parties rembourrées sont parcourues de fermetures à glissière surdimensionnées dont, si on les ouvre, surgissent des morceaux de fourrure, agrandissant petit à petit la surface du terrain de jeu.

Conception et interprétation : Antonia Baehr et Latifa Laâbissi

Installation visuelle: Nadia Lauro

Costumes: Antonia Baehr, Latifa Laâbissi et Nadia Lauro

Création lumière et son: Carola Caggiano

Administration: Alexandra Wellensiek / make up productions & Fanny Virelizier / Figure project

Date de création : Mai 2018

Durée : 5h

Une co-production de Figure Project / make up productions et HAU Hebbel am Ufer Theater (Berlin), Le Magasin des horizons (Grenoble), CCN2, Centre choréographique national de Grenoble, Xing/Live Arts Week VII (Bologna)

Soutenu par: Senatsverwaltung für Kultur und Europa et Hauptstadtkulturfonds

de.

Consul und Meshie

Ein projekt von Antonia Baehr und Latifa Laâbissi

In einer visuellen Installation von Nadia Lauro.

Der Mensch ist dem Menschen seine Äffin. Oder: Zwei Menschen spielen Affen, die für Menschen Menschen spielen. Sie geraten außer Kontrolle und kontrollieren sich, wenn sie sich gegenseitig abrichten. Sie erlernen eifrig Know-hows und Don’t-know-hows. Sie schlafen und verfallen in Apathie, sie sprengen Parolen aus populistischen Reden in die Luft. Sie kannibalisieren Posen, ikonische Tänze, sticken Slogans. Consul und Meshie stellen hybridisierte Figuren dar, die die Gewalt von Zuschreibungen hinterfragen. Sie wirbeln an der Grenze der Kategorien Natur/Kultur, Mann/Frau, Eigenes und Fremdes.

© Der Gibbon, Aloys Zötl (1833)

Monkeys and apes have a privileged relation to nature and culture for western people: simians occupy the border zones between those potent mythic poles. In the border zones, love and knowledge are richly ambiguous and productive of meanings (…).
Donna Haraway, Primate Visions, 1989

October 20, fabrik Potsdam, Postdam, Germany

February 29, Ausland, Berlin, Germany

Antonia Baehr performs laughing scores that she received from her friends and family.

May 27 – 29, Rencontres chorégraphiques International de Seine St.-Denis, Seine St.-Denis, France.

„OVER THE SHOULDER“, Tamar Shelef, Antonia Baehr, Le Vif du Sujet, In collaboration with SACD France, Première in Paris, Rencontres chorégraphiques International de Seine St.-Denis.

January 24, „re.act.feminism“, Academy of Arts, Berlin, Germany.

January 29, 30 & 31, Festival Escena Contemporanea, Madrid, Spain

April 2, musée de la danse, Rennes, France

April 2, musée de la danse, Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne, Rennes, 6 p.m.

With : Antonia Baehr, François Chaignaud, Christine De Smedt, Jean-Marc Ferrari, Benoît Lachambre, Boyan Manchev, Alexandre Paulikevitch, Fadi Toufiq, Nicolas Truong
And the participation of: Fanny de Chaillé, Nicolas Couturier, Mette Ingvartsen

fr
Projet hybride, entre exposition, conférence et performance, les « sessions poster » se présentent comme la réappropriation des « séances d’affiches » utilisées dans le champ scientifique : une image mentale condensant l’état d’une recherche, un support à commenter, à mettre en débat et en mouvement. Avec leurs posters, les invités aborderont les thèmes du mouvement et de l’école, reliant leur corps, leur voix et leurs idées aux champs social et politique. Partage des savoirs en action, ce prototype met transmission et création en résonance.

Nous vous invitons à tester cette proposition qui rassemble danseurs, artistes et chercheurs, première version avant le Festival d’Avignon.

January 12, Théâtre du Château , Ville d’Eu, France

Concept, interpretation, composition and choreography : Antonia Baehr

Based on scores by: Naima Akkar, Lindy Annis, Bettina von Arnim, Antonia Baehr, Ulrich Baehr, Frieder Butzmann, Valérie Castan, Manuel Coursin, Nicole Dembélé, Nathan Fuhr, Sylvie Garot, Frédéric Gies, Christian Kesten, Heather Kravas, Antonija Livingstone, Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann, William Wheeler, Henry Wilt, a.o..
Artistic collaboration and choreography : Valérie Castan
Dramaturgy : Lindy Annis
Sound creation and composition : Manuel Coursin
Sound regie : Samuel Pajand
Light creation : Sylvie Garot
Lighting control : Rima Ben Brahim, Raphaël Vincent
Administration : Ulrike Melzwig
Production : make up productions
Co-production : Les Laboratoires d’Aubervilliers, Les Subsistances, Lyon
Supported by the cultural administration of Berlin and Ausland, Berlin.

May 3 – 6, Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg, Brussels, Belgium

Portraits of affinities in animal metaphors

Following the example of her solo LAUGH, Antonia Baehr has, for a second and last time, invited her friends to write compositions for her. This time she proposed that they write short pieces for an ABC of extinct animals: D for dodo, T for the Tasmanian tiger … Each author was asked to identify their affinity with an extinct animal of their choice. Their scores had to reflect their friendship with the choreographer metaphorically.

A dozen stations are positioned in the space. Letters of the alphabet are glued to the floor. Antonia Baehr invites us to follow her from station to station, from D to Y, from F to N… The floor is empty and white at the center. The authors/friends are absent. The animals, inadequate and ineffective at maintaining the survival of their species, have disappeared. We can only imagine or invoke their presence. The ingredients of the „Abecedarium Bestiarium“ could make us feel melancholic; however, the Berliner Baehr—pronounced “bear” in German—gives herself generously over to the authors’ different modes of expression, and presents a selection of miniatures in heterogeneous styles and moods.

From the double-portraits of zoological physiognomy by Giambattista della Porta to the zoomorphic caricatures of Grandville, from the bestiaries of the Middle Ages to animal drag, from animal alphabet primers to the naturalist watercolors of Walton Ford—genres of animal representation, symbolic or metaphorical, have a long history. The correspondences found therein are disturbing; they undermine categories such as animal and human, man and woman, past and present, dead and alive. They open the door to mad affinities and disaffinities.

– Gertrude Ferrant, March 19, 2013

(…) venturing upstairs to HAU 2 to see Antonia Baehr’s Abecedarium Bestiarium-Affinitaeten in Tiermetaphern, her sculptural masterclass meditation consisting of dahliac scores for extinct animals. The brilliantine Miss Baehr and her alter ego Werner Hirsch were in fine form radiating in the sublime glow of manima/womina affinities. The audience was rapt in this evenings lush spring night of orchestral movement and sonorities with churning energy aided by a superb soundcape and La Baehr’s mystical vocal conjuring. The hexen spirit was in apt supply. There were so many lovely moments of pure geniustrata (…). Antononia Baehr has an endless reservoir of stage presence, timing and allure that comes together in high Garlandish blatancy.

– Vaginal Davis, May 13, 2013

Baehr’s works are detailed cartographies of forces of normativization and of forces of invention.

– André Lepecki

pict.: from original etchings by Dodo Heidenreich, Antonia Baehr, Keren Ida Nathan, Nanna Heidenreich, 2012

Overall concept, production and performance: Antonia Baehr

With compositions by: Fred Bigot (electronicat), Pauline Boudry, Valérie Castan, Lucile Desamory, Vinciane Despret, Sabine Ercklentz, Dodo Heidenreich, Christian Kesten, Keren Ida Nathan (Ida Wilde), Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann,William Wheeler, a. o.

Artistic collaboration : Valérie Castan

Lights : Sylvie Garot

Sound : Manuel Coursin, Eric Yvelin

Production : Alexandra Wellensiek

Production assistant: Sarah Blumenfeld

Translations: Guillaume Cailleau , Sabine Macher, William Wheeler,

Subtitle and Video Calibration : Guillaume Cailleau

Thank you to: Angela Anderson, Lindy Annis, Bettina von Arnim, ausland, Ulrich Baehr, Silke Bake, Carola Caggiano, Uli Ertl, Walton Ford, Elisabeth Freeman, Ulrike Melzwig, Wolfgang Müller, Conrad Noack, François Noudelman, Alain Roux, Pauline Schroeder-Baehr, Marlène Shaw, Christiane & Arnulf Spengler Gertrude Stein.

Additional thanks to Beursschouburg, Brussels.

Presentation: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg


Production: make up productions (Berlin)


Co-production: Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc Roussillon – in the framework of the project Jardin d’Europe, with support of the European Commission and ]domaines[ (Montpellier), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Kunstenfestivaldesarts (Brussels), PACT Zollverein (Essen), steirischer herbst (Graz), Tanzquartier (Vienna).

Coproduction, et résidence, Les Subsistances, 2012.

This project is co-produced by NXTSTP, with support of the Culture Programme of the European Union

February 23, ausland, Berlin, Germany

engl.

The Wildes

Ida & Henry Wilde

The Wildes invite you into their Victorian salon. As our guests you will partake in an exhibition and a book, performed texts and animated images, light refreshments and even lighter entertainment, many hats and scarves, as well as the history of the unconsumed marriage of Ida and Henry Wilde. The two of us would like to share some of our private lives, to host this salon which lends a new visibility to our everyday performance.

Since several years, Ida Wilde has been drawing the real life of Mr. and Mrs. Wilde in Victorian-style illustrations which will be presented at the salon. New illustrations are shown as an exhibition, narrated and sung by Henry Wilde in a performance and lecture-storytelling for the guests.

The hosts mingle with the audience, there is tea and cake, the mood and costumes are ceremonial, the conversation courtly, the program challenging ones notions of identity, gender, marriage, and community .

Please dare to come dressed in your finery!

We look forward to welcoming you to our salon.

Ida & Henry Wilde

„Eine wirklich Wilde Geschichte; Die wahre Geschichte der Ehe von Ida

und Henry Wilde.“, by Ida Wilde, pencil on paper, 30 x 20 cm, 2004

Text, book and exhibition: Ida Wilde

Reading, music and slides: Henry Wilde

In collaboration with: Gili Ben-Zvi, Carola Caggiano, Barbara Greiner, Mirjam Junker, Conrad Noack, Itamar Lerner, Gisa Schraml, Yael Stein, Minze Tummescheit, Alexandra Wellensiek, William Wheeler

Thank you to:

Lindy Annis, Angela Anderson, Guillaume Cailleau, Noam Gorbat, Arne Hector, Sukandar Kartadinata, Asi Föcker, Isabell Spengler, Andrea Thal, Claire Schmartz, Les Complices und ausland

Supported by: Berliner Senatskanzlei für kulturelle Angelegenheiten

Produced by: make up productions

January 29 – 31, Festival „No Matter Of Representation“, Kampnagel, Hamburg, Germany

engl.

Misses and Mysteries
A choreographic radio play

Freely inspired by The Girl Chewing Gum by John Smith (1976), Swan Lake by Marius Petitpa (1895) and Canaille by Valeska Gert (1919)

„You think you see what you are listening to.“ – Gertrude Ferrant

Misses and Mysteries is at once a choreography, a Nouvelle Vague Drag Show, and a radio play. The process of audio description for visually impaired audiences is employed in order to verbally relate an imaginary performance. A speaker speaks a text, the musician Andrea Neumann accompanies her live on the inside piano. On stage, the performer William Wheeler, except for when he is somewhere else. Or someone else. One can see and hear words, actions, dances, childhoods where everything comes into play, where everything is contingent on play, where everything is play: drag, star-crossed love, cannibalism, fetishism, animism . . . “Already as a child, I was ‘doing it’ everywhere: in my room, in my parents’ living room, alone or in public. I did it with relish and above all out of pure lust.” – Valérie Castan.

„Be attentive. An object, a gesture, a scenery, a posture, the slightest detail bears its own meaning. (. . .) You yourself shall be the fabricator of the story, which you shall derive from the images you see, according to your sensibility, your character, your mood, experiences from your own life story. It is up to you whether this or that image represents truth or lies, whether this image is real or imaginary, whether that image shows the present or the past. You shall be furnished with all the given elements. Whatever conclusions you draw from these is for you to decide.”

– from the trailer for Last Year at Marienbad by Alain Resnais and Alain Robbe-Grillet

fr.

Des miss et des mystères
une chorégraphie radiophonique

librement inspiré de The Girl Chewing Gum de John Smith (1976), du Lac des cygnes de Marius Petitpa (1895), et de Canaille de Valeska Gert (1919)

Des miss et des mystères est à la fois un spectacle chorégraphique, du cabaret « nouvelle vague » et une fiction radiophonique. La pièce utilise la méthode de l’audiodescription pour le public déficient visuel afin de décrire un spectacle imaginaire. Un texte lu par une lectrice est accompagné en direct par la musique d’Andrea Neumann au cadre de piano. Sur scène, le performeur William Wheeler sera là, ou bien ailleurs – à moins qu’il ne soit une autre. Sont donnés à voir et à entendre des mots, des actions, des danses, des enfances, où tout se joue, où tout est jeu : travestissement, amour impossible, cannibalisme, fétichisme, animisme… « Enfant déjà, je le faisais partout, dans ma chambre, dans le salon de mes parents, seule ou en public, je le faisais avec plaisir, d’abord pour le plaisir. » – Valérie Castan

« Soyez attentifs, un objet, un geste, un décor, une attitude, le moindre détail a son importance. À partir des images que vous verrez, vous créerez vous-même l’histoire, d’après votre sensibilité, votre caractère, votre humeur, votre vie passée. C’est à vous qu’il appartiendra de décider si cette image ou celle-là représente la vérité ou le mensonge. Si cette image est réelle ou imaginaire, si cette image figure le présent ou le passé. Tous les éléments vous seront donnés. À vous de conclure. »
– extrait de la bande-annonce de L’Année dernière à Marienbad d’Alain Resnais et Alain Robbe-Grillet

de

Misses und Mysterien

Ein choreografisches Hörspiel

frei inspiriert von The Girl Chewing Gum von John Smith (1976), Schwanensee von Marius Petitpa (1895) und Canaille von Valeska Gert (1919)

Misses und Mysterien ist Choreografie, Nouvelle Vague Drag Show und Hörspiel zugleich. Das Verfahren der Audiodeskription für sehbehindertes Publikum kommt hier zum Einsatz, um eine imaginäre Aufführung zu beschreiben. Eine Sprecherin liest einen Text, die Musikerin Andrea Neumann begleitet sie live auf dem Innenklavier. Auf der Bühne: Der Performer William Wheeler. Wenn er nicht doch woanders ist. Oder eine andere. Zu sehen und zu hören sind Worte, Handlungen, Tänze, Kindheiten, bei denen alles ins Spiel kommt, alles auf dem Spiel steht, alles Spiel ist: Drag, unmögliche Liebe, Kannibalismus, Fetischismus, Animismus … „Schon als Kind tat ich es überall, in meinem Zimmer, bei meinen Eltern im Wohnzimmer, allein oder in der Öffentlichkeit, ich tat es mit großem Vergnügen und vor allem aus purer Lust.“ – Valérie Castan.

„Seien Sie aufmerksam. Ein Gegenstand, eine Geste, eine Szenerie, eine Haltung, das geringste Detail hat seine Bedeutung. (…) Aus den Bildern, die Sie sehen, werden Sie selbst die Geschichte erschaffen, gemäß Ihrer Sensibilität, Ihrem Charakter, Ihrer Stimmung, Ihren Erlebnissen in der Vergangenheit. Ihnen bleibt überlassen, ob dieses oder jenes Bild Wahrheit oder Lüge darstellt, ob dieses Bild real ist oder imaginär, ob jenes Bild Gegenwart oder Vergangenheit zeigt. Sie erhalten alle gegebenen Elemente. Welche Schlüsse Sie daraus ziehen, entscheiden Sie selbst.“

– aus dem Film-Trailer zu L’année dernière à Marienbad von Alain Resnais und Alain Robbe-Grillet

Photo: Antonia Baehr

Des miss et des mystères

A choreographic radio play
By Antonia Baehr & Valérie Castan
Freely inspired by John Smith, The Girl Chewing Gum (1976), by Marius Petitpa, Swan Lake (1895), and by Valeska Gert, Canaille (1919)
Concept: Antonia Baehr, Valérie Castan
Reader: Valérie Castan (original French version), Anna Schmidt (German version), N.N. (English, Italian, and Spanish version, a.o.)
Performance, costume and choreography: William Wheeler
Music (inside piano, mixing board): Andrea Neumann
Text, choreography: Antonia Baehr, Valérie Castan
Scenography, lighting design: Antonia Baehr
German translation (text): Katja Roloff
English translation (surtitles): Corinne Hundleby
Matrix surtitles: Guillaume Cailleau (KITA)
Technical direction, lighting design: Rima Ben Brahim
Sound: Ian Douglas-Moore
Proofreading: Reynalde Nicolin, Valérie Deronzier
Internship: Lois Bartel, Guy Marsan
Thank you to: Chantal Akerman, Antoine Doinel, Sabine Macher, Delphine Seyrig, Christophe Wavelet
Administration: Alexandra Wellensiek

Coproduction: Kampnagel (Hamburg), Buda Kunstencentrum (Kortrijk), PACT Zollverein (Essen), Theater Freiburg (Freiburg), Festival Uzès Danse (Uzes), NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) Coproduction Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media on the basis of a decision by the German Bundestag
Supported by: Berliner Senatskanzlei für kulturelle Angelegenheiten, ausland / berlin in the frame of the residence program, Artists in Residence program at fabrik Potsdam.

January 22 & 23, Arsenal Metz, Metz, France

engl.

Abecedarium Bestiarium

Portraits of affinities in animal metaphors

In Abecedarium Bestiarium the Berlin-based choreographer Antonia Baehr has invited her friends to write short pieces for her, based on an ABC of extinct animals: D is for Dodo, T is for Tasmanian tiger, S is for Steller’s sea cow . . . . The authors choose an extinct animal that they feel strongly about. This brings about heterogenous choreographic miniatures in which they reflect their respective affinity to the chosen animal as well as their friendship to Antonia Baehr.

„Antonia Baehr—for me—had thus created a desire to join her beforehand, before she entered the scene as body-and-voice. T… D … F … C … L … S … M … Y …, a nine-letter-promise to breathe, to add soul, to en-spirit the score, a promise that touches upon an intricate, impossible kind of homecoming; a homecoming that only works when authors, vowels, origins are absent. (…) There must be a transgression of origin, and a transgression of text, to show facets now of what cannot be named or defined, and Antonia Baehr approaches this question in a playful and unending act of veiling and unveiling. The more she undresses on stage, the more she seems to put on just another mask of another extinct animal, a performance of skins in which eyes become nipples and nipples become eyes. The skin of Antonia Baehr is part of her repertoire wardrobe, bringing to light the faces of letters-and-scores-and-other-things through vicarious play and intercourse; she opens up a field of desire, beyond male and female, un texte de jouissance. (…) Antonia Baehr does not aim at the sensus literalis of zoological matters in the question she put out to her friends: the „Abecedarium Bestiarium“ presents „Portraits of affinities in animal metaphors“. One might expect to see portraits, but we see portraits of affinities, affinities between Antonia’s friends and what they feel about an extinct animal, interpreted, presented and performed. Like in 16th-century Persian miniature paintings, the animal portraits of Antonia Baehr imitate poetry, not nature. This kind of poetic mimicry is itself presented by her in animal metaphors, that is to say, one affinity is presented by another, one likeness is mirrored by another, scores of animal metaphors are enacted by more animal metaphors, a hall of mirrors, translated from text to score to performance and back ad infinitum. It seems Antonia Baehr develops an entire universe of mirrored, deflected, postponed, and queerly dragged affinities in [animal] metaphors, a potentially unbound cosmos ruled by erotic bindings that traverse bodies, texts, scores, space, and time, acted out by her own male-and-female-body in a language created by the relationships that come across her way, a language involving voice, sound, body, movement, text, and architecture, called „Abecedarium Bestiarium“. Antonia Baehr’s Bestiarium is an Ursprungstheater of a language and an epistemic architecture yet to come: she offers her body as a stunning depository for the unconscious, the unconscious of others and herself that resurfaces as public performance, courageously undoing the bloody order of things, with humor, desire, freaky and curious stuff taking the lead, letting the imagination go free.“
– from: A. S. Bruckstein Çoruh, „Hall of Mirrors: Seventy Veils of Separation“, in: „Abecedarium Bestiarium – Portraits of affinities in animal metaphors“, ISBN 978-2-9700886-1-5, december 2013, edited by far° festival des arts vivants Nyon & make up productions Berlin, 16€, www.booksonthemove.eu

(…) venturing upstairs to HAU 2 to see Antonia Baehr’s Abecedarium Bestiarium-Affinitaeten in Tiermetaphern, her sculptural masterclass meditation consisting of dahliac scores for extinct animals. The brilliantine Miss Baehr and her alter ego Werner Hirsch were in fine form radiating in the sublime glow of manima/womina affinities. The audience was rapt in this evenings lush spring night of orchestral movement and sonorities with churning energy aided by a superb soundcape and La Baehr’s mystical vocal conjuring. The hexen spirit was in apt supply. There were so many lovely moments of pure geniustrata (…). Antononia Baehr has an endless reservoir of stage presence, timing and allure that comes together in high Garlandish blatancy.

– Vaginal Davis, May 13, 2013

fr.

Abecedarium Bestiarium

Portraits d’affinités en métaphores animales

Dans Abecedarium Bestiarium, la chorégraphe berlinoise Antonia Baehr a invité ses ami(e)s à écrire des compositions pour elle, basées sur un abécédaires d’animaux disparus: D comme dodo , T comme tigre de Tasmanie, S comme Steller’s sea cow (la rhytine de Steller)… Les auteur(e)s choisissent un animal disparu avec lequel elles/ils ont une affinité. Il en résulte des miniatures chorégraphiques hétéroclites qui reflètent leur relation respective à l’animal choisi ainsi que leur amitié avec Antonia Baehr.

de.

Abecedarium Bestiarium

Affinitäten in Tiermetaphern

In Abecedarium Bestiarium hat die Berliner Choreografin Antonia Baehr ihre Freund_innen eingeladen, Kompositionen für sie zu schreiben, die auf einem Abc ausgestorbener Tiere basieren: D wie Dodo, T wie Tasmanischer Tiger, S wie Steller’sche Seekuh … Die Autor_innen suchen sich ein ausgestorbenes Tier aus, mit dem sie sich verbunden fühlen. So entstehen verschiedenartige choreografische Miniaturen, in denen sie ihre jeweilige Verwandtschaft zu dem ausgewählten Tier reflektieren und ebenso ihre Freundschaft zu Antonia Baehr.

pict.: from original etchings by Dodo Heidenreich, Antonia Baehr, Keren Ida Nathan, Nanna Heidenreich, 2012

Overall concept, production and performance: Antonia Baehr

With compositions by: Fred Bigot (electronicat), Pauline Boudry, Valérie Castan, Lucile Desamory, Vinciane Despret, Sabine Ercklentz, Dodo Heidenreich, Christian Kesten, Keren Ida Nathan (Ida Wilde), Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann,William Wheeler, a. o.

Artistic collaboration : Valérie Castan

Lights : Sylvie Garot

Sound : Manuel Coursin, Eric Yvelin

Production : Alexandra Wellensiek

Production assistant: Sarah Blumenfeld

Translations: Guillaume Cailleau , Sabine Macher, William Wheeler,

Subtitle and Video Calibration : Guillaume Cailleau

Thank you to: Angela Anderson, Lindy Annis, Bettina von Arnim, ausland, Ulrich Baehr, Silke Bake, Carola Caggiano, Uli Ertl, Walton Ford, Elisabeth Freeman, Ulrike Melzwig, Wolfgang Müller, Conrad Noack, François Noudelman, Alain Roux, Pauline Schroeder-Baehr, Marlène Shaw, Christiane & Arnulf Spengler Gertrude Stein.

Additional thanks to Beursschouburg, Brussels.

Presentation: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg


Production: make up productions (Berlin)


Co-production: Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc Roussillon – in the framework of the project Jardin d’Europe, with support of the European Commission and ]domaines[ (Montpellier), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Kunstenfestivaldesarts (Brussels), PACT Zollverein (Essen), steirischer herbst (Graz), Tanzquartier (Vienna).

January 7 – February 11, Projektraum für zeitgenössische Kunst und experimentelle Medien, Berlin, Germany

engl.

WAS IT A CAT I SAW

Klara Hobza, Bettina Gruber & Maria Vedder, Elodie Pong, Lucy Powell, Dana Sherwood,
SAGSI-group (Steffi Weismann, Antonia Baehr, Georg Klein, Sigrid Keil, Isabell Spengler)

further information on: www.scottyenterprises.de

Exhibition: 07. 01. bis 11. 02. 2017
Opening: 2017, January 06, 7 pm

February 22 & 23, 2021, Schwankhalle , Bremen, Germany

engl.

Normal Dance

With Normal Dance, Antonia Baehr, who has been working as a choreographer for about fifteen years, will sign her first dance piece. ‘Normal Dance’ is a dance trio that strives to integrate itself into the avant-garde of contemporary dance. She has invited two friends to dance who have much in common with her; Mirjam Junker and Pia Thilmann. Unlike Antonia Baehr; Pia Thilmann and Mirjam Junker do not habitually view contemporary stage dance, however the three of them do share the fact that their bodies are not trained for the type of activity usually required by it. The three of them are based in Berlin and share the embodiment of female masculinity: firm grips, grounded supports, strength, bigness. It’s a trio for three butches who are butches, but at the same time they are many other things. The dance is written based on the three performers’ corporality, morphology and motor functions. The music is a record-collection of contemporary experimental music by female composers spun live by Djane CC Emperatriz. The audience is invited to sit around the dance, in proximity to it.

The piece consists of moving bodies. Through proximity and distance to each other, they form relation. This makes a landscape. This makes a composition of geometrical forms; in lines, in diagonals, in parallels, in crosses, in triangles. The piece may be about this if it may and if you may or even if I may like it so. So then it may be about dance as a form of being together and apart, dance as a form of community. A trio is not a light fare: one plus one, one plus two, two plus one, one plus one plus one, and seldom three harmonically all together. At the end, three strong individuals share one limited space.

“You look ridiculous if you dance. You look ridiculous if you don’t dance. So you might as well dance.” ― Gertrude Stein, Three Lives

de.

Normal Dance

Antonia Baehr arbeitet seit fünfzehn Jahren als Choreografin und bringt nun mit ‚Normal Dance’ ihr erstes Tanzstück auf die Bühne. ‚Normal Dance’ ist ein Tanztrio welches sich in die Avantgarde des zeitgenössischen Bühnentanzes einschreiben möchte.

Hierzu lädt sie Mirjam Junker und Pia Thilman ein, zwei Freundinnen, die ihr in vielem ähnlich sind. Im Gegensatz zu Antonia Baehr schauen sich Pia Thilmann und Mirjam Junker gewöhnlicherweise keine zeitgenössischen Tanzstücke an.

Allen drei ist aber gemeinsam dass ihre Körper für die vom zeitgenössischen Tanz normalerweise geforderte Form der Aktivität nicht trainiert sind.

Alle drei leben in Berlin und verkörpern eine feminine Maskulinität: kräftiger Griff, fester Stand, Stärke, Kaliber. Ein Trio für Butches die auch noch viel mehr sind.

Der Tanz beruht auf die Körperlichkeit, die Morphologie und die motorischen Funktionen der drei Performerinnen.

Die Musik besteht aus zeitgenössischen, experimentellen Kompositionen von Frauen. Als Schallplattensammlung zusammen gestellt werden diese von DJane CC Emperatriz live aufgelegt.

Das Publikum ist eingeladen um den Tanz herum, in unmittelbarer Nähe dazu Platz zu nehmen.

“Du machst dich lächerlich wenn du tanzt. Du machst dich lächerlich wenn du nicht tanzt. Also kannst du genauso auch gut tanzen. “ ― Gertrude Stein, Three Lives

Photo: Anja Weber

Concept: Antonia Baehr

Performance: Antonia Baehr, Mirjam Junker, Pia Thilmann

Choreography: Antonia Baehr, Valérie Castan, Mirjam Junker, Pia Thilmann, Maya Weinberg

Artistic assistant: Valérie Castan,

Movement research: Maya Weinberg

Technical direction and sound design: Carola Caggiano (DJane CC Imperatriz)

Light design: Miss Candless

With music by: Ursula Bogner, Delya Derbishire, Sabine Ercklentz, Annette Krebs, Magda Mayas, Rie Nakayima, Andrea Neumann, Zeena Parkins, Les Femmes Savantes, Nancy Tobin, Miki Yui

Surtitles from the opera: Four Saints in Three Acts by Gertrude Stein

Production management: Xenia Leydel

Internship: Joana Tischkau

Production: Alexandra Wellensiek / make up productions

Coproduction: HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Schwankhalle (Bremen), DeVIR/CAPa – Centro de Artes Performativas do Algarve (Residency)

Supported by: Hauptstadtkulturfonds Berlin

Thank you to: Lee Meir, Jack Smith, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Irene Revell (electra), Ida Wilde (Keren Ida Nathan), Theaterhaus Mitte, a.o.

Premiere: 2.-5.06.2016

December 6, 2019 – March 15, 2020, Lachen Exhibition, Taxispalais Kunsthalle Tirol , Innsbruck, Austria

engl.

LACHEN (LAUGHING)

Exhibition with works by Antonia Baehr, Iman Issa, Stefan Klampfer, Sophia Mairer, and Roee Rosen,

curated by Nina Tabassomi

As part of the exhibition, Antonia Baehr will present video- and audioinstallation as well as graphic art (scores).

The act of laughing occurs in liminal situations. It both emerges and generates them. Disrupting the order of the known, laughing can lead established structures into anarchic crises and evoke subversion. Laughing is physical, psychological and social. Oscillating between contradictions, it veers from one state of being to another. In this, laughing functions through uncannily merging opposites. It is communicative while also interrupting communication. An expression of loss of control, laughing is at the same time a way to reassert control over an unsettled situation. Pleasurable and disturbing, laughing both results from emotions and triggers strong emotions.

Laughing sets in when language dries up. Its definition slips away from the definite. In a manner similar to contemporary are, laughing attempts to free itself from the social rules and conventions that are the backdrop against which it happens. When we laugh, are we in a zone of autonomy similar to that accorded to art? If so, to what extent does this suggested promise of freedom in laughter’s realm restrict its potency? Antonia Baehr, Iman Issa, Stefan Klampfer, Sophia Mairer and Roee Rosen confront laughing’s ambivalences with those inherent in their respective media – drawing, painting, performance, photography, sculpture, sound and video.

de.

LACHEN

Ausstellung mit Werken von Antonia Baehr, Iman Issa, Stefan Klampfer, Sophia Mairer, und Roee Rosen,

kuratiert von Nina Tabassomi.

Als Teil der Ausstellung werden Video- und Audioinstallationen sowie Graphiken (Partituren) von Antonia Baehr zu sehen sein.

Der Akt des Lachens ereignet sich in Grenzsituationen. Es entspringt ihnen und erzeugt sie zugleich. Mit den Ordnungen des Bekannten brechend, kann Lachen etablierte Strukturen in anarchische Krisen führen und Umsturtz evozieren. Lachen ist physisch, psychisch und sozial. Es pendelt zwischen Widersprüchen, kippt von einem Phänomen in ein anderes. Gegensätze lässt das Lachen dabei auf unheimliche Art verschmelzen: Es ist zugleich kommunikativ und Kommunikation unterbrechend, Ausdruck von Kontrollverlust und gleichzeitig der Versuch eine unsichere Situation zu kontrollieren, lustvoll und verstörend, die Folge von Gefühlen und löst simultan starke Gefühle aus.

Lachen setzt ein, wenn die Sprache versiegt. Auch seine Definition entgleitet dem Definitiven. Ähnlich wie die Gegenwartskunst versucht das Lachen sich freizuspielen von den gesellschaftlichen Gesetzen und Konventionen, auf deren Folie es entsteht. Befinden wir uns beim Lachen in einer Zone der Autonomie, wie sie der Kunst zugeschrieben wird? Wenn ja, inwieweit dämmt dieser angenommene Freiraum des Lachens zugleich seine Wirkmächtigkeit ein? Antonia Baehr, Iman Issa, Stefan Klampfer, Sophia Mairer und Roee Rosen konfrontieren die Ambivalenzen des Lachens mit der paradoxalen Verfasstheit von Fotografie, Malerei, Performance, Skulptur, Ton, Video und Zeichnung.

PRESSE

‚Eine sehr zwiespältige Emotion – Tirol zeigt das verlorene Lachen der Moderne‘ von Stefan Trinks, Frankfurter Allgemeine Zeitung, Seite 12, 29. Januar 2020

„Noch im Entrée des barocken Palais stehend, soll sich der Besucher erst einmal wieder setzten: an ein DJ-Pult mit zwei Schallplattenspielern, auf denen Antonia Baehrs Aufnahme „Rire/Ridere/Laugh“ läuft: Schallendes, prustendes, glucksendes Lachen, das in seinen permanenten Umschwüngen an die legendäre Aufnahme „Ja ja ja ne ne ne“ von Joseph Beuys erinnert, in der dieser mit seinem Assistenten einen wortkargen niederrheinischen Leichenschmaus reinszeniert hat, bei dem seine Klever Tanten immer schon mit einem „Tja, ja ja!“ oder eben einem kopfschüttelnden „Nee, nee, nee!“ die am geistigen Augen vorüberziehenden Taden des Verstorbenen abkürzend kommentierten, bis Beuys selbst nach fast einer Stunde ob der surrealen Situation loslachen muss.

Wer sich von Baehrs gesammeltem Lachen auf Vinyl anstecken lässt, unterläuft zumindest schon einemal anarchisch ein ungeschriebenes Gebot der Moderne, das in den heiligen weißen Sälen der Museen nicht gelacht wird, sondern man die Kunst nur andächtig anbetet.

[…]

Im zweiten Saal präsentiert erneut Baehr über Kopfhörer und Videobildschirmen eine Enzyklopädie höchst unterschiedliche Lachender, die sie jahrelang mit der Annonce „Gute Lacher gesucht“ gesammelt hat. Die Ausgewählten stecken einen teils wirklich an, teils lassen sie einen aber auch aggressiv werden, weil das Lachen so erkennbar schlecht geschauspielert und „künstlich“ ist, was wiederum auf den mutmaßlichen evolutionären Ursprung dieser Gefühlsäußerung in der Entschärfung bedrohlicher Situationen zurückführt.“

‚Lachen‘ von Ursula Maria Probst, Kunstforum International Band 226, 2020

„Gleich im Foyer des Taxispalais treffen wir via Kopfhörereinspielung auf die Lachkomposition „Ridere / Rire / Lauch / Lachen“ (2010), die auf einem unfassenden die akustische und körperliche Anatomie des Lachens erforschenden Projekt der Künstlerin Antonia Baehr basiert. Wer sich vorher noch nie mit der Materialität des Lachens befasste, wird hier von einer mitreißenden Wucht des Lachens erfasst, die in ihrer Dramaturgie durch einen großen Leuchtkasten mit der orangefarbigen Aufschrift „Lachen“ zum Lachduett auffordert, das bis zu unterhaltsamen 12 Minuten dauern kann. Laut Kuratorin Nina Tabassomi handelt es sich hier um ein Schlüsselwerk für den Einstieg in die Ausstellung.

[…]

Hier treffen wir auf die Serie „Partituren“ (2007) von Antonia Baehr. Ausgehend von Lachpartitionen gestaltet von Freund*innen und Familienmitglieder erarbeitete die Künstlerin in Lach-Workshops Übungen für Lachnotationen. Wie ansteckend wirkt das Lachen und wann beginnt es ins Zwanghafte zu kippen? Angeregt durch die Aufforerung „Könntest Du bitte einen Tag land lachen?“ filmt sich die Künstlerin einen Tag lang jeweils einige Minuten pro Stunde beim Lachen. Ob beim Aufwachen, Zähneputzen, Essen oder Radfahren – in geradezu jeder Alltagssituation. Doch wie lange ist es ein authentisches und ab wann ein gekünsteltes Lachen und lässt sich jede Alltagstätigkeit lachend verrichten? Wie gestalten sich die Übergänge? Das Video animiert dazu, selbst einen Versuch zu starten, einen Tag zu lachen. Selbst wenn sich beim Betrachten des 45-minütigen Videos zeitweise Ermüdungserscheinungen einstellen, verfehlt es seine befreiende Wirkung nicht.“

‚Lachen‘ von Bettina Brunner, springerin 2/2020

Antonia Baehrs Video Könntest Du bitte inen Tag lang lachen? (2007) zeigt die Künstlerin bei der im Titel benannten Aktivität: Sie lacht, während sie sich am Morgen ankleidet, sie lacht beim Zähneputzen und beim Mittagessen. Das Lachen der Künstlerin, das mitunter zu einem Nach-Luft-Ringen wird oder durch einen einsetzenden Hustenanfall erstickt, ist angesiedelt zwischen Fröhlichkeit und körperlicher Erschöpfung. Im Rahmen einer zeitlich begrenzten Handlungsanweisung wird das Lachen bei Baehr zugleich zur strukturellen Form. Keine reaktive und impulsive Handlung, abseits von Authentizität und Spontaneität, wird das Lachen nicht als Ausdruck subjektiver Empfindungen positioniert, sondern erscheint im Rahmen alltäglicher Handlungen als verwirrend und nahezu unangemessen. Verhandelt das Lachen das Verhältnis zwischen Innen und Außen, Subjekt und Welt, so macht dessen fehlender Kontext und mangelnde Lesbarkeit in Baehrs Arbeit jene Perspektive auf das Lachen deutlich, die der Gruppenausstellung im Innsbrucker Taxispalais in ihrer Gesamtheit zugrunde lag: nicht den Ursachen und Auswirkungen des Lachens nachzugehen, sondern dessen Rolle und Potenzial im sozialen Feld auszuloten.

[…]

Zwar war Baehr noch mit drei weiteren „Lacharbeiten“ vertreten, darunter eine Reihe von verschriftlichten Partituren (2007) – Notationen, Beobachtungen und Instruktionen für lachende Subjekte -, die die Künstlerin im Freundeskreis in Auftrag gegeben hatte, in den übrigen Arbeiten der Ausstellung wurde das Lachen jedoch wesentlich weniger direkt in Szene gesetzt.

‚Einladung zum Mitlachen‘ von Edith Schlocker, Die Furche, Seite 4, 23. Jänner 2020

„Für die deutsche Performerin und Medienkünstlerin Antonia Baehr hat sich das Lachen zu einem regelrechten Forschungsprojekt ausgewachsen, um die unterschiedlichen Spielarten dieses laut wissenschaftlichen Befund allein der menschlichen Spezies zuzuordnenden Phänomens zu untersuchen, was die Lacher, genauso wie die, die diesen zuschauen, bisweilen in Grenzsituationen führt. Wobei Baehr auf das zu Erwartende schon im Foyer mittels einer von ihr selbs beziehungsweise Familienmitgliedern interpretierten „Lachkomposition“ lachtechnisch ansteckend einstimmt. Sich steigernd zu einem „Lach-Chor“, der aus „guten Lacherinnen und Lachern“ besteht, die im Rahmen eines Workshops ein vorgespieltes Lachen nachlachen mussten, was sich nicht nur köstlich anhört, sondern auch wunderbar anzuschauen ist, wie ein von der Künstlerin aufgenommenes Video zeigt. Die kleinen „Lach-Partituren“, die Baehr vis-à-vis an die Wand gepinnt hat, regen ob ihrer visuellen Raffinesse dagegen eher zum Schmunzeln als zu lautem Lachen ein.

Überaus anstrengend wir des dagegen für den Ausstellungsbesucher, wenn er 45 Minuten lang Antonia Baehr beim Lachen zuschauen beziehungsweise zuhören muss. Was beim Zähneputzen, Geschirrwaschen, Wäscheaufhängen, Einschlafen oder Radfahren einmal besser, einmal schlechter oder auch gar nicht funktioniert. Wobei das Lachen eine höchst künstliche Färbung bekommt, oft zum kläglichen Wimmern verkommt, das selbst den ambitioniertesten Mitlacher gründliche abtörnt.“

18 – 21 December 2020, Die Hörposaune, HAU Hebbel am Ufer , Berlin, Germany (PREMIERE) (CANCELLED)

engl.

DIE HÖRPOSAUNE (PREMIERE DECEMBER 2020)

A project by Antonia Baehr and Jule Flierl

DIE HÖRPOSAUNE comes from a dream the performer Antonia Baehr had. Baehr followed the dream, which will now culminate in a theatrical duet with the artist Jule Flierl. Using temporal drag, techniques from musical composition and experimental film editing, a duo performance is created that questions the absolute claim to truth of rational thought. In this artistic replica of a science fiction lecture, both artists let the most contradictory realities and truths coexist on stage. Without relying on the endowment of meaning that language usually gives, they create a polyphonic coherence through ‚voice-dances‘. Their intended space for this purpose will be a mixture of doll’s house and chemistry laboratory in which the proportions are no longer correct. They will produce scores from different notation methods and the interpretation of ’sound-dances‘. They will work on the dissociation between sound and image, voice and movement; talking with the voices of others, becoming possessed in order to be multiple.

de.

DIE HÖRPOSAUNE (PREMIERE DEZEMBER 2020)

Ein Projekt von Antonia Baehr und Jule Flierl

DIE HÖRPOSAUNE begann mit einem Traum der Performerin Antonia Baehr. Diesem folgend arbeitet sie nun mit Jule Flierl an einem Theaterduett, welches den Absolutheitsanspruch rationalen Denkens mit Verfahren des Temporal Drag, musikalischer Kompositionstechniken, Stimmtänzen und experimentellen Filmschnitts in Frage stellt. In ihrer künstlerischen Replik eines fantastischen Science-Fiction-Vortrags lassen sie auf der Bühne unterschiedlichste Wirklichkeiten und Wahrheiten nebeneinander existieren, die nicht länger auf die Sinnstiftung durch Sprache, sondern auf die polyphone Stimmigkeit von sog. Stimmtänzen setzt. Sie gestalten dafür einen Raum, der in einer Mischung aus Puppenstube und Chemielabor ein Modell darstellt, in welchem angestammte Größenverhältnisse nicht mehr stimmen. Darin werden die Künstler*innen zweier Generationen entlang ihrer Arbeitsweisen gemeinsam ein neuartiges Duett entwickeln, das als Ausgangspunkt auf zwei Audioaufnahmen von Stimmen und Sprachen anderer setzt. Sie stellen Partituren her, die durch interdisziplinäre Notation entstehen und durch Interpretation zum ‚Ton-Tanzen‘ gebracht werden. Sie arbeiten an der fehlenden Übereinstimmung von Ton und Bild, von Stimme und Bewegung. Mit den Stimmen anderer zu reden, „bessessen zu sein“, um Viele zu sein.

Concept, artistic direction & performance: Antonia Baehr, Jule Flierl
Visual Installation: Nadia Lauro
Dramaturgical collaboration: Bettina Knaup
Administration: Alexandra Wellensiek / make up productions
A production by make up productions in co-production with HAU Hebbel am Ufer Berlin

With the support of: Theaterhaus Berlin Mitte
Funded by: Hauptstadtkulturfonds

April 10 & 11, 2021, Draw My Breath, Lecture-Performance, HAU Hebbel am Ufer, HAU 4, Berlin, Germany

engl.

The choreographers Antonia Baehr and Jule Flierl invite you to attend an online lecture performance about the absence of a performance project. They ask the audience about the life and shadows of an artwork that no one can see. Does a performance cast its shadows into the past, as a written score, or into the future, in the archving? Or does the performance come to life in the imagination? “Draw My Breath” deals with breath, signs and science fiction and explores the boundaries of the live moment.

https://www.hebbel-am-ufer.de/en/programme/pdetail/draw-my-breath/

dt.

Die Choreografinnen Antonia Baehr und Jule Flierl laden zu einer Online-Lecture-Performance ein, in der es um die Abwesenheit eines Performance-Projektes geht. Sie stellen dem Publikum die Frage nach dem Leben und dem Schatten eines Kunstwerkes, das niemand sehen konnte. Wirft eine Performance ihren Schatten in die Vergangenheit, zur Partitur, oder in die Zukunft, in die Archivierung? Oder kommt die Vorstellung in der Vorstellungskraft zum Leben? “Draw My Breath” handelt von Atem, Zeichen und Science-Fiction und bewegt sich auf der Schwelle zum Live-Moment.

https://www.hebbel-am-ufer.de/programm/pdetail/draw-my-breath/

 

December 8 & 9, 2021, Consul et Meshie, Ménagerie de Verre, Paris, France

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engl.

Consul and Meshie

A project by Antonia Baehr and Latifa Laâbissi

in a visual installation by Nadia Lauro.

Apes, especially great apes, are considered the ‘almost human’ animals and this ‘almost’ has turned them into a projection screen for what humans think is human. At the beginning of the 20th century the chimpanzees Consul and Meshie lived among humans as humans and in the end considered themselves to be human. Antonia Baehr and Latifa Laâbissi adopt their own apish identities – with no liability for historical correctness. Hairy and liberal, insolent and shameless, these human apes occupy a visual installation by Nadia Lauro which nests itself roughly and casually into quiet little corners of theatres and museums away from the stage. From two leather car seats, whose furry innards gradually spread into the room, Consul Baehr and Meshie Laâbissi exhibit themselves for five hours at a time while the audience is free to come and go.

A human is an ape for the human, or two humans play at being apes that play at being humans for humans. They get out of hand and control themselves, straightening each other out. They learn zealously know-hows and don’t-know-hows. They sleep and lapse into apathy, they shatter slogans from populist speeches. They cannibalize poses, iconic dances, stitch feminist slogans. Consul and Meshie represent hybridized figures that question the violence of assignments. They make a mess in the categories nature/culture, man/woman, the self and the other.

Installation and Costume

Nadia Lauro’s installation is an artwork in its own right which Consul and Meshie reside in for the duration of the performance. With it they too implant themselves into the different institutional spaces of theatres and museums. It is important for us that these spaces are not passageways. Staying with us and spending time with us has to be a decision. The audience members can come and go as they please.

The installation and its two residents plant themselves into found non-spaces with a gesture of occupation in which a rather intimate situation is created, probably for 30 to 50 spectators at a time. We imagine that the installation does not fill the whole space but rather occupies ‘a corner’ and, as Nadia Lauro described in our discussion with her, spills out into the given space from there.

Concept & Performance: Antonia Baehr and Latifa Laâbissi

Visual Installation: Nadia Lauro

Costumes: Antonia Baehr, Latifa Laâbissi and Nadia Lauro

Sound & Light Design: Carola Caggiano

Adminstration: Alexandra Wellensiek / make up productions & Fanny Virelizier / Figure Project

Date of creation: May 2018

Duration: 5 hours

A co-production by Figure Project / make up productions and HAU Hebbel am Ufer Theater (Berlin), Le Magasin des horizons (Grenoble), CCN2, Centre choréographique national de Grenoble, Xing/Live Arts Week VII (Bologna)

Supported by: Senatsverwaltung für Kultur und Europa und Hauptstadtkulturfonds

fr.

Consul et Meshie

un projet d’Antonia Baehr et Latifa Laâbissi

dans une installation visuelle de Nadia Lauro.

Les singes, tout au moins les grands singes, comptent parmi les animaux « presque humains ». Ce « presque » a fait d’eux une surface de projection pour ce qui est considéré comme humain par les humains. Au début du vingtième siècle, les chimpanzés Consul et Meshie vivaient comme des humains, chez les humains, et avaient fini par se considérer eux-mêmes comme tels. Antonia Baehr et Latifa Laâbissi revêtent leurs identités simiesques, sans garantir l’historiquement correct. Fortement poilues et libres de mœurs, impertinentes et impudiques, ces deux guenons humaines occupent une installation visuelle de Nadia Lauro qui se niche dans les musées et les théâtres, à l’écart de la scène, dans un coin tranquille. A partir de deux sièges de limousine en cuir, dont les entrailles velues se déverseront petit à petit dans l’espace, Consul Baehr et Meshie Laâbissi s’exposeront pendant cinq heures durant lesquelles les spectatrices et spectateurs pourront aller et venir.

L’être humain est un singe pour l’être humain. Ou : deux figures humaines jouent aux singes, qui jouent aux humains pour les humains. Elles perdent le contrôle et le reprennent en se dressant mutuellement. Elles font l’apprentissage zélé de savoirs-faire et de savoirs-pas-faire. Elles dorment et tombent dans l’apathie, elles font exploser en vol des mots d’ordre déclamés par les discours populistes. Elles cannibalisent des poses, des danses iconiques, brodent des slogans. Consul et Meshie représentent des figures hybridées qui interrogent la violence des assignations et foutent le bordel dans les catégories nature / culture, homme/femme, le soi et l’autre.

Installation et costumes

L’installation de Nadia Lauro prend la forme d’une œuvre autonome dans laquelle Consul et Meshie séjournent pendant la durée de la performance. Grâce à elle, elles se nichent dans les espaces institutionnels changeants des théâtres et musées. Il nous importe que ce ne soit pas un lieu de passage. Rester avec nous pour passer du temps ensemble doit être une décision. Le public s’en va quand il veut et arrive quand il veut.

L’installation et ses deux habitants, habitantes se transplantent dans l’environnement existant par un geste d’occupation, ce qui génère une situation plutôt intime, pour environ 30 à 50 spectatrices, spectateurs. Le camp de base pour Consul et Meshie s’apparente à un intérieur de limousine, matelassé, couleur bronze qui habite, comme zone marginale de l’espace, un coin. Les parties rembourrées sont parcourues de fermetures à glissière surdimensionnées dont, si on les ouvre, surgissent des morceaux de fourrure, agrandissant petit à petit la surface du terrain de jeu.

Conception et interprétation : Antonia Baehr et Latifa Laâbissi

Installation visuelle: Nadia Lauro

Costumes: Antonia Baehr, Latifa Laâbissi et Nadia Lauro

Création lumière et son: Carola Caggiano

Administration: Alexandra Wellensiek / make up productions & Fanny Virelizier / Figure project

Date de création : Mai 2018

Durée : 5h

Une co-production de Figure Project / make up productions et HAU Hebbel am Ufer Theater (Berlin), Le Magasin des horizons (Grenoble), CCN2, Centre choréographique national de Grenoble, Xing/Live Arts Week VII (Bologna)

Soutenu par: Senatsverwaltung für Kultur und Europa et Hauptstadtkulturfonds

de.

Consul und Meshie

Ein projekt von Antonia Baehr und Latifa Laâbissi

In einer visuellen Installation von Nadia Lauro.

Der Mensch ist dem Menschen seine Äffin. Oder: Zwei Menschen spielen Affen, die für Menschen Menschen spielen. Sie geraten außer Kontrolle und kontrollieren sich, wenn sie sich gegenseitig abrichten. Sie erlernen eifrig Know-hows und Don’t-know-hows. Sie schlafen und verfallen in Apathie, sie sprengen Parolen aus populistischen Reden in die Luft. Sie kannibalisieren Posen, ikonische Tänze, sticken Slogans. Consul und Meshie stellen hybridisierte Figuren dar, die die Gewalt von Zuschreibungen hinterfragen. Sie wirbeln an der Grenze der Kategorien Natur/Kultur, Mann/Frau, Eigenes und Fremdes.

© Der Gibbon, Aloys Zötl (1833)

Monkeys and apes have a privileged relation to nature and culture for western people: simians occupy the border zones between those potent mythic poles. In the border zones, love and knowledge are richly ambiguous and productive of meanings (…).
Donna Haraway, Primate Visions, 1989

March 18, Radialsystem Berlin, Germany. presented by Antonia Baehr (as part of the program „Still Moving“ curated by Philipp Gehmacher).

The project will be presented at the same time in two different cities. In Radialsystem in Berlin and in Tanzquartier in Vienna. In Radialsystem it will be presenten by Valérie Castan as part of the project „Playground“ curated by Alex Roccoli and Anne Lucas.

February 4, Le vivat, Armentières, France

May 3, by and with Antonia Baehr & Constanze Schellow, in the frame of „Recherchen11: Gesichter“, Künstlerhaus Mousonturm

Antonia Baehr, Constanze Schellow: not not a lecture #2. Facing For Faces | Betrachtung

May 3, 8 p.m. Studio, In the frame of „Recherchen11: Gesichter“,

Künstlerhaus Mousonturm, Waldschmidtstraße 4, 60316 Frankfurt am Main

www.transportcafe.de | www.mousonturm.de | Tickets: 069 / 40 58 95 -20 | 5 € | Language: German

Betrachtung

In ihrem Stück „For Faces“ (2010) entwirft Antonia Baehr Mikro-Choreografien für vier Gesichter. Im Kreis um die PerformerInnen herum platziert, sitzt man diesen direkt gegenüber – zu nah für die Komfortzone Theaterparkett und zu weit entfernt, um die mimischen Umwälzungen auf dem Gesicht des vis-à-vis genau zu identifizieren. Das ‚Antlitz‘ wird zur Bühne, auf der sich das Zuschauen selbst in seiner Intimität und Aktivität, Öffnung und Gewalt als theatrale Handlung par excellence sehen lässt. Choreografisch um ihre Entzifferbarkeit als schlüssige Mimik gebracht, setzen die Gesichtsbewegungen einen Zoom der Aufmerksamkeit in Gang, der die PerformerInnen ebenso als Personen vor unseren Augen verschwinden lässt wie er sie dem Sehen radikal zur Verfügung stellt. Die Tanzwissenschaftlerin Constanze Schellow und die Choreografin Antonia Baehr schlagen ein gemeinsames Format vor, um for faces in Abwesenheit des tatsächlichen Stücks zu reflektieren. facing for faces fragt angesichts der konkreten künstlerischen Arbeit auch danach, was Theorie und Choreografie einander und über einander zu sagen haben.*

* Das Format not not a lecture ist Teil einer Recherche von Constanze Schellow zu wechselseitigen Reflexionsbewegungen zwischen Choreografie und Theorie. not not a lecture #1. two commentaries mit Sara Manente war Teil von Tim Etchells‘ Kuratierung what escapes im Tanzquartier Wien 2010.

February 3, Institut für Angewandte Theaterwissenschaften , Gießen, Germany

Concept, interpretation, composition and choreography : Antonia Baehr

Based on scores by: Naima Akkar, Lindy Annis, Bettina von Arnim, Antonia Baehr, Ulrich Baehr, Frieder Butzmann, Valérie Castan, Manuel Coursin, Nicole Dembélé, Nathan Fuhr, Sylvie Garot, Frédéric Gies, Christian Kesten, Heather Kravas, Antonija Livingstone, Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann, William Wheeler, Henry Wilt, a.o..
Artistic collaboration and choreography : Valérie Castan
Dramaturgy : Lindy Annis
Sound creation and composition : Manuel Coursin
Sound regie : Samuel Pajand
Light creation : Sylvie Garot
Lighting control : Rima Ben Brahim, Raphaël Vincent
Administration : Ulrike Melzwig
Production : make up productions
Co-production : Les Laboratoires d’Aubervilliers, Les Subsistances, Lyon
Supported by the cultural administration of Berlin and Ausland, Berlin.

January 10, Residence Domaine, Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Roussillon, France

Antonia Baehr is beginning with a new series of solos about interspecies relations, critiquing anthropocentrism and the straightness of nature/culture binarism. She will work with threesomes of affinity, conjoining an animal with a friend or parent and with herself as the host and solo-interpreter, as she will also in My Dog is My Piano, presented the night before in the festival.

At this point in time, we meet Antonia Baehr during the first stage of her project, ABeCedarium Bestiarium, a performed “ABC of friendship” in animal and temporal drag. Here she invites artist friends to uncover an affinity that they have with one extinct animal of their choice. Each animal stands for one letter of the ABC. She commissions each of these artists to write a short solo performance score, related to the animal that they have selected, which she can perform on stage alone. In the frame of the Domaine residence in Montpellier Antonia Baehr will perform seven scores, „D is for Dodo“ by Dodo Heidenreich , „Y is Yangsee River Dolphin“ by Frédéric Bigot, „G is for Guam flying fox“ by Christian Kesten, „S is for Steller’s sea cow“ by Sabine Ercklentz, „F is for Forest Tarpan“ by Isabell Spengler, „M is for Martelli’s cat“ by Valérie Castan and „N is for Northern Bubal Hartebeest“ by Andrea Neumann.

Overall concept, production and performance: Antonia Baehr

With compositions by: Fred Bigot (electronicat), Pauline Boudry, Valérie Castan, Manuel Coursin, Lucile Desamory, Vinciane Despret, Sabine Ercklentz, Dodo Heidenreich, Christian Kesten, Keren Ida Nathan (Ida Wilde), Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann, William Wheeler, a. o.

Administration: Alexandra Wellensiek

Supported by ausland. Funded by Hauptstadtkulturfonds Berlin.

Thank you to: Angela Anderson, Lindy Annis, Bettina von Arnim, ausland, Ulrich Baehr, Valérie Castan, Walton Ford, Elisabeth Freeman, Ulrike Melzwig, Wolfgang Müller, Conrad Noack, François Noudelman, Alain Roux, Pauline Schroeder-Baehr, Gertrude Stein, Ida Wilde (Keren Ida Nathan)

January 24-25, Tanzquartier, Vienna, Austria

engl.

Abecedarium Bestiarium

Portraits of affinities in animal metaphors

In Abecedarium Bestiarium the Berlin-based choreographer Antonia Baehr has invited her friends to write short pieces for her, based on an ABC of extinct animals: D is for Dodo, T is for Tasmanian tiger, S is for Steller’s sea cow . . . . The authors choose an extinct animal that they feel strongly about. This brings about heterogenous choreographic miniatures in which they reflect their respective affinity to the chosen animal as well as their friendship to Antonia Baehr.

„Antonia Baehr—for me—had thus created a desire to join her beforehand, before she entered the scene as body-and-voice. T… D … F … C … L … S … M … Y …, a nine-letter-promise to breathe, to add soul, to en-spirit the score, a promise that touches upon an intricate, impossible kind of homecoming; a homecoming that only works when authors, vowels, origins are absent. (…) There must be a transgression of origin, and a transgression of text, to show facets now of what cannot be named or defined, and Antonia Baehr approaches this question in a playful and unending act of veiling and unveiling. The more she undresses on stage, the more she seems to put on just another mask of another extinct animal, a performance of skins in which eyes become nipples and nipples become eyes. The skin of Antonia Baehr is part of her repertoire wardrobe, bringing to light the faces of letters-and-scores-and-other-things through vicarious play and intercourse; she opens up a field of desire, beyond male and female, un texte de jouissance. (…) Antonia Baehr does not aim at the sensus literalis of zoological matters in the question she put out to her friends: the „Abecedarium Bestiarium“ presents „Portraits of affinities in animal metaphors“. One might expect to see portraits, but we see portraits of affinities, affinities between Antonia’s friends and what they feel about an extinct animal, interpreted, presented and performed. Like in 16th-century Persian miniature paintings, the animal portraits of Antonia Baehr imitate poetry, not nature. This kind of poetic mimicry is itself presented by her in animal metaphors, that is to say, one affinity is presented by another, one likeness is mirrored by another, scores of animal metaphors are enacted by more animal metaphors, a hall of mirrors, translated from text to score to performance and back ad infinitum. It seems Antonia Baehr develops an entire universe of mirrored, deflected, postponed, and queerly dragged affinities in [animal] metaphors, a potentially unbound cosmos ruled by erotic bindings that traverse bodies, texts, scores, space, and time, acted out by her own male-and-female-body in a language created by the relationships that come across her way, a language involving voice, sound, body, movement, text, and architecture, called „Abecedarium Bestiarium“. Antonia Baehr’s Bestiarium is an Ursprungstheater of a language and an epistemic architecture yet to come: she offers her body as a stunning depository for the unconscious, the unconscious of others and herself that resurfaces as public performance, courageously undoing the bloody order of things, with humor, desire, freaky and curious stuff taking the lead, letting the imagination go free.“
– from: A. S. Bruckstein Çoruh, „Hall of Mirrors: Seventy Veils of Separation“, in: „Abecedarium Bestiarium – Portraits of affinities in animal metaphors“, ISBN 978-2-9700886-1-5, december 2013, edited by far° festival des arts vivants Nyon & make up productions Berlin, 16€, www.booksonthemove.eu

(…) venturing upstairs to HAU 2 to see Antonia Baehr’s Abecedarium Bestiarium-Affinitaeten in Tiermetaphern, her sculptural masterclass meditation consisting of dahliac scores for extinct animals. The brilliantine Miss Baehr and her alter ego Werner Hirsch were in fine form radiating in the sublime glow of manima/womina affinities. The audience was rapt in this evenings lush spring night of orchestral movement and sonorities with churning energy aided by a superb soundcape and La Baehr’s mystical vocal conjuring. The hexen spirit was in apt supply. There were so many lovely moments of pure geniustrata (…). Antononia Baehr has an endless reservoir of stage presence, timing and allure that comes together in high Garlandish blatancy.

– Vaginal Davis, May 13, 2013

fr.

Abecedarium Bestiarium

Portraits d’affinités en métaphores animales

Dans Abecedarium Bestiarium, la chorégraphe berlinoise Antonia Baehr a invité ses ami(e)s à écrire des compositions pour elle, basées sur un abécédaires d’animaux disparus: D comme dodo , T comme tigre de Tasmanie, S comme Steller’s sea cow (la rhytine de Steller)… Les auteur(e)s choisissent un animal disparu avec lequel elles/ils ont une affinité. Il en résulte des miniatures chorégraphiques hétéroclites qui reflètent leur relation respective à l’animal choisi ainsi que leur amitié avec Antonia Baehr.

de.

Abecedarium Bestiarium

Affinitäten in Tiermetaphern

In Abecedarium Bestiarium hat die Berliner Choreografin Antonia Baehr ihre Freund_innen eingeladen, Kompositionen für sie zu schreiben, die auf einem Abc ausgestorbener Tiere basieren: D wie Dodo, T wie Tasmanischer Tiger, S wie Steller’sche Seekuh … Die Autor_innen suchen sich ein ausgestorbenes Tier aus, mit dem sie sich verbunden fühlen. So entstehen verschiedenartige choreografische Miniaturen, in denen sie ihre jeweilige Verwandtschaft zu dem ausgewählten Tier reflektieren und ebenso ihre Freundschaft zu Antonia Baehr.

pict.: from original etchings by Dodo Heidenreich, Antonia Baehr, Keren Ida Nathan, Nanna Heidenreich, 2012

Overall concept, production and performance: Antonia Baehr

With compositions by: Fred Bigot (electronicat), Pauline Boudry, Valérie Castan, Lucile Desamory, Vinciane Despret, Sabine Ercklentz, Dodo Heidenreich, Christian Kesten, Keren Ida Nathan (Ida Wilde), Andrea Neumann, Stefan Pente, Isabell Spengler, Steffi Weismann,William Wheeler, a. o.

Artistic collaboration : Valérie Castan

Lights : Sylvie Garot

Sound : Manuel Coursin, Eric Yvelin

Production : Alexandra Wellensiek

Production assistant: Sarah Blumenfeld

Translations: Guillaume Cailleau , Sabine Macher, William Wheeler,

Subtitle and Video Calibration : Guillaume Cailleau

Thank you to: Angela Anderson, Lindy Annis, Bettina von Arnim, ausland, Ulrich Baehr, Silke Bake, Carola Caggiano, Uli Ertl, Walton Ford, Elisabeth Freeman, Ulrike Melzwig, Wolfgang Müller, Conrad Noack, François Noudelman, Alain Roux, Pauline Schroeder-Baehr, Marlène Shaw, Christiane & Arnulf Spengler Gertrude Stein.

Additional thanks to Beursschouburg, Brussels.

Presentation: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg


Production: make up productions (Berlin)


Co-production: Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc Roussillon – in the framework of the project Jardin d’Europe, with support of the European Commission and ]domaines[ (Montpellier), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Kunstenfestivaldesarts (Brussels), PACT Zollverein (Essen), steirischer herbst (Graz), Tanzquartier (Vienna).

February 20 – 22, HAU – Hebbel am Ufer, Berlin, Germany

engl.

Misses and Mysteries
A choreographic radio play

Freely inspired by The Girl Chewing Gum by John Smith (1976), Swan Lake by Marius Petitpa (1895) and Canaille by Valeska Gert (1919)

„You think you see what you are listening to.“ – Gertrude Ferrant

Misses and Mysteries is at once a choreography, a Nouvelle Vague Drag Show, and a radio play. The process of audio description for visually impaired audiences is employed in order to verbally relate an imaginary performance. A speaker speaks a text, the musician Andrea Neumann accompanies her live on the inside piano. On stage, the performer William Wheeler, except for when he is somewhere else. Or someone else. One can see and hear words, actions, dances, childhoods where everything comes into play, where everything is contingent on play, where everything is play: drag, star-crossed love, cannibalism, fetishism, animism . . . “Already as a child, I was ‘doing it’ everywhere: in my room, in my parents’ living room, alone or in public. I did it with relish and above all out of pure lust.” – Valérie Castan.

„Be attentive. An object, a gesture, a scenery, a posture, the slightest detail bears its own meaning. (. . .) You yourself shall be the fabricator of the story, which you shall derive from the images you see, according to your sensibility, your character, your mood, experiences from your own life story. It is up to you whether this or that image represents truth or lies, whether this image is real or imaginary, whether that image shows the present or the past. You shall be furnished with all the given elements. Whatever conclusions you draw from these is for you to decide.”

– from the trailer for Last Year at Marienbad by Alain Resnais and Alain Robbe-Grillet

fr.

Des miss et des mystères
une chorégraphie radiophonique

librement inspiré de The Girl Chewing Gum de John Smith (1976), du Lac des cygnes de Marius Petitpa (1895), et de Canaille de Valeska Gert (1919)

Des miss et des mystères est à la fois un spectacle chorégraphique, du cabaret « nouvelle vague » et une fiction radiophonique. La pièce utilise la méthode de l’audiodescription pour le public déficient visuel afin de décrire un spectacle imaginaire. Un texte lu par une lectrice est accompagné en direct par la musique d’Andrea Neumann au cadre de piano. Sur scène, le performeur William Wheeler sera là, ou bien ailleurs – à moins qu’il ne soit une autre. Sont donnés à voir et à entendre des mots, des actions, des danses, des enfances, où tout se joue, où tout est jeu : travestissement, amour impossible, cannibalisme, fétichisme, animisme… « Enfant déjà, je le faisais partout, dans ma chambre, dans le salon de mes parents, seule ou en public, je le faisais avec plaisir, d’abord pour le plaisir. » – Valérie Castan

« Soyez attentifs, un objet, un geste, un décor, une attitude, le moindre détail a son importance. À partir des images que vous verrez, vous créerez vous-même l’histoire, d’après votre sensibilité, votre caractère, votre humeur, votre vie passée. C’est à vous qu’il appartiendra de décider si cette image ou celle-là représente la vérité ou le mensonge. Si cette image est réelle ou imaginaire, si cette image figure le présent ou le passé. Tous les éléments vous seront donnés. À vous de conclure. »
– extrait de la bande-annonce de L’Année dernière à Marienbad d’Alain Resnais et Alain Robbe-Grillet

de

Misses und Mysterien

Ein choreografisches Hörspiel

frei inspiriert von The Girl Chewing Gum von John Smith (1976), Schwanensee von Marius Petitpa (1895) und Canaille von Valeska Gert (1919)

Misses und Mysterien ist Choreografie, Nouvelle Vague Drag Show und Hörspiel zugleich. Das Verfahren der Audiodeskription für sehbehindertes Publikum kommt hier zum Einsatz, um eine imaginäre Aufführung zu beschreiben. Eine Sprecherin liest einen Text, die Musikerin Andrea Neumann begleitet sie live auf dem Innenklavier. Auf der Bühne: Der Performer William Wheeler. Wenn er nicht doch woanders ist. Oder eine andere. Zu sehen und zu hören sind Worte, Handlungen, Tänze, Kindheiten, bei denen alles ins Spiel kommt, alles auf dem Spiel steht, alles Spiel ist: Drag, unmögliche Liebe, Kannibalismus, Fetischismus, Animismus … „Schon als Kind tat ich es überall, in meinem Zimmer, bei meinen Eltern im Wohnzimmer, allein oder in der Öffentlichkeit, ich tat es mit großem Vergnügen und vor allem aus purer Lust.“ – Valérie Castan.

„Seien Sie aufmerksam. Ein Gegenstand, eine Geste, eine Szenerie, eine Haltung, das geringste Detail hat seine Bedeutung. (…) Aus den Bildern, die Sie sehen, werden Sie selbst die Geschichte erschaffen, gemäß Ihrer Sensibilität, Ihrem Charakter, Ihrer Stimmung, Ihren Erlebnissen in der Vergangenheit. Ihnen bleibt überlassen, ob dieses oder jenes Bild Wahrheit oder Lüge darstellt, ob dieses Bild real ist oder imaginär, ob jenes Bild Gegenwart oder Vergangenheit zeigt. Sie erhalten alle gegebenen Elemente. Welche Schlüsse Sie daraus ziehen, entscheiden Sie selbst.“

– aus dem Film-Trailer zu L’année dernière à Marienbad von Alain Resnais und Alain Robbe-Grillet

Photo: Antonia Baehr

Des miss et des mystères

A choreographic radio play
By Antonia Baehr & Valérie Castan
Freely inspired by John Smith, The Girl Chewing Gum (1976), by Marius Petitpa, Swan Lake (1895), and by Valeska Gert, Canaille (1919)
Concept: Antonia Baehr, Valérie Castan
Reader: Valérie Castan (original French version), Anna Schmidt (German version), N.N. (English, Italian, and Spanish version, a.o.)
Performance, costume and choreography: William Wheeler
Music (inside piano, mixing board): Andrea Neumann
Text, choreography: Antonia Baehr, Valérie Castan
Scenography, lighting design: Antonia Baehr
German translation (text): Katja Roloff
English translation (surtitles): Corinne Hundleby
Matrix surtitles: Guillaume Cailleau (KITA)
Technical direction, lighting design: Rima Ben Brahim
Sound: Ian Douglas-Moore
Proofreading: Reynalde Nicolin, Valérie Deronzier
Internship: Lois Bartel, Guy Marsan
Thank you to: Chantal Akerman, Antoine Doinel, Sabine Macher, Delphine Seyrig, Christophe Wavelet
Administration: Alexandra Wellensiek

Coproduction: Kampnagel (Hamburg), Buda Kunstencentrum (Kortrijk), PACT Zollverein (Essen), Theater Freiburg (Freiburg), Festival Uzès Danse (Uzes), NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) Coproduction Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media on the basis of a decision by the German Bundestag
Supported by: Berliner Senatskanzlei für kulturelle Angelegenheiten, ausland / berlin in the frame of the residence program, Artists in Residence program at fabrik Potsdam.

January 24, Centre Pompidou-Metz, Metz, France

MY DOG IS MY PIANO

One of them is quick, the other slow, one gulps down his food, the other one savours it, one of them is at the beginning of his life, the other one started her last quarter, one knows her ancestors of at least six generations, the other one is unaware until his grandparents, and both have metal ends in their bodies.

Tocki and Bettina von Arnim live together in the same house. They do not speak the same language, they are hardly alike and yet, they have assembled.

In „My Dog is My Piano“, Antonia Baehr sketches a subjective acoustic portrait of the affinity between her mother and her dog: can the house they share be read as the music score of the stories of canine-human living together? What kind of language emerges from this long duet of everyday comings and goings, of these choreographies of affinities?

Concept, development, performance: Antonia Baehr

Dramaturgical support: Valérie Castan

Sound: Fred Bigot, Angela Anderson

Light design: Sylvie Garot, Georgia Ben-Brahim


Sound mastering: Angela Anderson

Administration: Alexandra Wellensiek

Production: make up productions, www.make-up-productions.net
 
Supported by: FAR° festival des arts vivants (Nyon)
 
Thank you: Bettina von Arnim, Tocki von Arnim, Donna J. Haraway, François Noudelmann, Avital Ronell, Gertrude Stein, Villa Gillet/ Walls and Bridges NYC. Infinite Affinities – Chords and Discords

February 28 – March 10, Experimental Media and Performing Arts Centre (EMPAC), New York, United States

Berlin-based artists Pauline Boudry and Renate Lorenz are in residence at EMPAC to produce a new moving-image work with the performers/artists Marwa Asanios, Ginger Brooks Takahashi, Werner Hirsch and MPA.

Boudry / Lorenz have been working together since 2004/2007. Since the beginning Werner Hirsch has been performing in their work. Their staged films and film installations often start with a song, a picture, a film, or a script from the past. They produce performances for the camera, staging the actions of individuals and groups living—indeed thriving—in defiance of normality, law, and economics. Their films upset normative historical narratives, as figures from across time are staged, projected, and layered. These performers are themselves choreographers, artists, and musicians, with whom Boudry and Lorenz engage in a long-term conversation about performance, the meaning of visibility since early modernity, the pathologization of bodies, and also about glamour and resistance.

Recent solo exhibitions have included Portrait of an Eye, Kunsthalle Zürich, 2015; Loving, Repeating, Kunsthalle Wien, 2015; Patriarchal Poetry, Badischer Kunstverein, 2013; Aftershow, CAPC, Bordeaux, 2013; Toxic Play in Two Acts, South London Gallery, 2012; Contagieux! Rapports contre la normalité, Centre d´Art Contemporain, Geneva, 2011. They published the catalogue Temporal Drag by Hatje Cantz in 2011, and Aftershow was published by Sternberg Press in 2014.

8 – 10 February, Exit, Mousonturm, Frankfurt, Germany (PREMIERE)

engl.

Antonia Baehr’s latest piece is about an ever-present but mostly overlooked aspect of western theatre buildings: the emergency exit signs. Like many theatre artists, she has also made constant efforts to fight against this ‚visual noise‘ that makes a real blackout impossible. In this lecture performance, however, she makes them the stars. EXIT takes us into a world between light and dark, in which the green light makes us think about the supposedly fixed oppositions of „inside“ and „outside“, „safety“ and „danger“ or „body“ and „image“. It is a magical journey through the things that theatre tries to ignore and the western image of humans it has helped to create.

de.

In ihrer neusten Arbeit widmet sich Antonia Baehr einem allgegenwärtigen, aber meist übersehenen Phänomen westlicher Theaterhäuser: dem oligatorischen Leuchten der Notausgangsschilder. Während Sie selbst genau wie viele andere Theaterkünstler*innen immer wieder Anstrengungen unternommen hat, diese „Störgeräusche“ einer wirklichen Dunkelheit zu unterdrücken, macht sie Sie nun zu den „Stars“ ihrer Lecture Performance. EXIT nimmt uns mit in eine Sphäre zwischen Licht und Dunkel, in der uns das grüne Glimmen mit den Paradoxien der vermeintlich stabilen Binarismen von „Drinnen“ und „Draussen“, „Sicherheit“ und „Gefahr“ und „Körper“ und „Bild“ konfrontiert – eine Traumreise durch das Verdrängte des Theaters und das Phantasma des von ihm maßgeblich mitgeprägten westlichen Menschenbildes.

Concept & performance: Antonia Baehr

Sound design and technical direction: Carola Caggiano

Dramaturgical collaboration: Lindy Annis, Bettina Knaup, Mayte Zimmermann

Research: Manon Haase, Laura Schilling, Sarah Tehranian

Production assistance: Nele Beinborn

Organization: Alexandra Wellensiek

Based on audio-messages by: Lindy Annis, Frédéric Bigot, Frieder Butzmann, Carola Caggiano, Mette Edvardsen, Silvia Fanti, Neo Hülcker, André Lepecki, JMK Nicholas, Stefan Pente, Anne Quirynen, Michael Schlund, Anna Wagner & an interview with Susanne Görres

A production by make up productions in copproduction with Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt), Theater Freiburg (Freiburg), HAU Hebbel am Ufer (Berlin)

Funded by

Koproduktionsförderung Tanz aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Thank you to: Cris Blanco, Deutsche Oper Berlin, Susanne Görres & Hau Hebbel am Ufer Team, Eva Meyer-Keller, Constanze Schellow, Anna Wagner & Team Mousonturm

Konzept & Performance: Antonia Baehr

Technische Leitung: Carola Caggiano

Dramaturgie: Lindy Annis

Dramaturgische Mitarbeit: Bettina Knaup, Mayte Zimmermann

Recherche : Manon Haase, Laura Schilling, Sarah Tehranian

Produktionsassistenz: Nele Beinborn

Organisation: Alexandra Wellensiek

Basierend auf Audio-Messages von: Lindy Annis, Frédéric Bigot, Frieder Butzmann, Carola Caggiano, Mette Edvardsen, Silvia Fanti, Neo Hülcker, André Lepecki, JMK Nicholas, Stefan Pente, Anne Quirynen, Michael Schlund, Anna Wagner & einem Interview mit Susanne Görres

Eine Produktion von make up productions in Koproduktion mit Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt), Theater Freiburg (Freiburg), HAU Hebbel am Ufer (Berlin)

Gefördert durch

Koproduktionsförderung Tanz aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Dank an: Cris Blanco, Deutsche Oper Berlin, Susanne Görres & Hau Hebbel am Ufer Team, Eva Meyer-Keller, Constanze Schellow, Anna Wagner & Team Mousonturm

© Antonia Baehr

25 & 26 November 2019, KANON by She She Pop , HAU , Berlin, Germany

engl.

Together with selected guests from the Berlin independent scene, including Antonia Baehr, Daniel Belasco Rogers, Jean Chaize, Zelal Yesilyurt and the audience, She She Pop propose a canon of moments experienced in the performing arts from memory. “Kanon” emerges as a ritual, a revue and a collective historiography of those art forms that have been described as postdramatic theatre or that have influenced it, also including examples from performance, dance and other performing arts. The performance works with all the tools of fleetingness, which these art forms themselves produce. So the canon unfolds anew and spontaneously each evening.

de.

She She Pop entwerfen einen Kanon aus der Perspektive der Zuschauer*innen, eine offene Liste unvergessener performativer Momente aus der Erinnerung der Anwesenden. Die Performance “Kanon” entsteht als Ritual, Revue und kollektive Geschichtsschreibung für jene Kunstformen, die als postdramatisches Theater beschrieben wurden oder diese beeinflusst haben, wie Performance, Tanz und Happening. “Kanon” arbeitet mit all den Mitteln der Flüchtigkeit, die diese Kunstformen selbst hervorgebracht haben. Der Abend bewegt sich in einer Spanne von reiner Nacherzählung bis zum Versuch beschwörender Wiederaufführung. Die Unschärfe, das Verfälschende des Erinnerns ist ebenso wesentlich wie die Freude an dem unvergessenen Moment. “Kanon” wird von She She Pop und anderen Künstler*innen entwickelt: Ausgewählte Gäste aus der Berliner Freien Szene sind zu diesem kollektiven Erinnerungsritual eingeladen, unter anderen Antonia Baehr, Daniel Belasco Rogers, Jean Chaize und Zelal Yesilyurt. Aber auch die zufällig anwesenden Zuschauer*innen sind aufgerufen, am Kanon mitzuwirken und ihre eigenen Erinnerungen an besondere performative Momente darin einzuschreiben. So entfaltet sich der Kanon an jedem Abend neu und spontan aus der anwesenden Gemeinschaft.

March 18, Tanzquartier, Vienna, Austria

The project will be presented at the same time in two different cities. In Radialsystem in Berlin and in Tanzquartier in Vienna. In Tanzquartier it will be presented by Antonia Baehr as part of the programm „Still Moving“ curated by Philip Gehmacher.

February 25 & 26, „Something Raw“, Amsterdam, Netherland.

February 25 – 28, Tanzplattform Deutschland , Festsaal, Nuremberg, Germany

July 14 & 15, Festival d’Avignon, France

January 19 – 22, Akademie der Künste, Berlin, Germany

John Cage’s „Song Books“ are the point of departure for a choreographic research in the „Space for John Cage“. As is the case in almost all of his compositions, they have an open score and include verbal and graphic instructions as a foundation for individual, free realizations. Fifteen of the 89 songs were selected for the attempt at finding artistic readings and then testing them as interdisciplinary „instruction manuals“.

A project initiated by Reinhild Hoffmann in cooperation with Silke Bake, Kattrin Deufert, Thomas Plischke, Manos Tsangaris | With musicdramaturgical support by Alain Franco, Daniel Ott, Yoav Pasovsky, Tom Rojo Poller, Daniel Vezza | With choreographic works by Antonia Baehr, Riki von Falken, Frédéric Gies, Anna Huber, An Kaler, Kat Válastur –– And students of the HZT Berlin: Alexandre Achour, Katharina Greimel, Miriam Jakob, Ana Laura Lozza, Ellinor Ljungkvist, Lee Meir, Anna Nowak, Annegret Schalke, Johanne Timm

The project is a cooperation of the Akademie der Künste, Berlin, and the Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin. \ With suopport by klangzeitort. Institut für Neue Musik der UdK Berlin und HfM Hanns Eisler Berlin.

Thursday 19.1. + Friday 20.1.2012, 7:30 pm
Sa 21.1. + So 22.1.2012, 7 pm

Tickets 6 €/reduced 3 €

The project takes place in the frame of: A year from Monday / 365 Tage Cage. Konzerte \ Ausstellungen / Performances | Januar bis September 2012

Akademie der Künste / Hanseatenweg 10 \ Halle 3 ––10557 Berlin-Tiergarten \ T 030 20057-2000 | info@adk.de \ www.adk.de/cage / S Bellevue, U Hansaplatz, Bus 106

January 16, Mercat de es Flors, Barcelona, Spain

February 27, Budakunstencentrum , Kortrijk, Belgium

engl.

Misses and Mysteries
A choreographic radio play

Freely inspired by The Girl Chewing Gum by John Smith (1976), Swan Lake by Marius Petitpa (1895) and Canaille by Valeska Gert (1919)

„You think you see what you are listening to.“ – Gertrude Ferrant

Misses and Mysteries is at once a choreography, a Nouvelle Vague Drag Show, and a radio play. The process of audio description for visually impaired audiences is employed in order to verbally relate an imaginary performance. A speaker speaks a text, the musician Andrea Neumann accompanies her live on the inside piano. On stage, the performer William Wheeler, except for when he is somewhere else. Or someone else. One can see and hear words, actions, dances, childhoods where everything comes into play, where everything is contingent on play, where everything is play: drag, star-crossed love, cannibalism, fetishism, animism . . . “Already as a child, I was ‘doing it’ everywhere: in my room, in my parents’ living room, alone or in public. I did it with relish and above all out of pure lust.” – Valérie Castan.

„Be attentive. An object, a gesture, a scenery, a posture, the slightest detail bears its own meaning. (. . .) You yourself shall be the fabricator of the story, which you shall derive from the images you see, according to your sensibility, your character, your mood, experiences from your own life story. It is up to you whether this or that image represents truth or lies, whether this image is real or imaginary, whether that image shows the present or the past. You shall be furnished with all the given elements. Whatever conclusions you draw from these is for you to decide.”

– from the trailer for Last Year at Marienbad by Alain Resnais and Alain Robbe-Grillet

fr.

Des miss et des mystères
une chorégraphie radiophonique

librement inspiré de The Girl Chewing Gum de John Smith (1976), du Lac des cygnes de Marius Petitpa (1895), et de Canaille de Valeska Gert (1919)

Des miss et des mystères est à la fois un spectacle chorégraphique, du cabaret « nouvelle vague » et une fiction radiophonique. La pièce utilise la méthode de l’audiodescription pour le public déficient visuel afin de décrire un spectacle imaginaire. Un texte lu par une lectrice est accompagné en direct par la musique d’Andrea Neumann au cadre de piano. Sur scène, le performeur William Wheeler sera là, ou bien ailleurs – à moins qu’il ne soit une autre. Sont donnés à voir et à entendre des mots, des actions, des danses, des enfances, où tout se joue, où tout est jeu : travestissement, amour impossible, cannibalisme, fétichisme, animisme… « Enfant déjà, je le faisais partout, dans ma chambre, dans le salon de mes parents, seule ou en public, je le faisais avec plaisir, d’abord pour le plaisir. » – Valérie Castan

« Soyez attentifs, un objet, un geste, un décor, une attitude, le moindre détail a son importance. À partir des images que vous verrez, vous créerez vous-même l’histoire, d’après votre sensibilité, votre caractère, votre humeur, votre vie passée. C’est à vous qu’il appartiendra de décider si cette image ou celle-là représente la vérité ou le mensonge. Si cette image est réelle ou imaginaire, si cette image figure le présent ou le passé. Tous les éléments vous seront donnés. À vous de conclure. »
– extrait de la bande-annonce de L’Année dernière à Marienbad d’Alain Resnais et Alain Robbe-Grillet

de

Misses und Mysterien

Ein choreografisches Hörspiel

frei inspiriert von The Girl Chewing Gum von John Smith (1976), Schwanensee von Marius Petitpa (1895) und Canaille von Valeska Gert (1919)

Misses und Mysterien ist Choreografie, Nouvelle Vague Drag Show und Hörspiel zugleich. Das Verfahren der Audiodeskription für sehbehindertes Publikum kommt hier zum Einsatz, um eine imaginäre Aufführung zu beschreiben. Eine Sprecherin liest einen Text, die Musikerin Andrea Neumann begleitet sie live auf dem Innenklavier. Auf der Bühne: Der Performer William Wheeler. Wenn er nicht doch woanders ist. Oder eine andere. Zu sehen und zu hören sind Worte, Handlungen, Tänze, Kindheiten, bei denen alles ins Spiel kommt, alles auf dem Spiel steht, alles Spiel ist: Drag, unmögliche Liebe, Kannibalismus, Fetischismus, Animismus … „Schon als Kind tat ich es überall, in meinem Zimmer, bei meinen Eltern im Wohnzimmer, allein oder in der Öffentlichkeit, ich tat es mit großem Vergnügen und vor allem aus purer Lust.“ – Valérie Castan.

„Seien Sie aufmerksam. Ein Gegenstand, eine Geste, eine Szenerie, eine Haltung, das geringste Detail hat seine Bedeutung. (…) Aus den Bildern, die Sie sehen, werden Sie selbst die Geschichte erschaffen, gemäß Ihrer Sensibilität, Ihrem Charakter, Ihrer Stimmung, Ihren Erlebnissen in der Vergangenheit. Ihnen bleibt überlassen, ob dieses oder jenes Bild Wahrheit oder Lüge darstellt, ob dieses Bild real ist oder imaginär, ob jenes Bild Gegenwart oder Vergangenheit zeigt. Sie erhalten alle gegebenen Elemente. Welche Schlüsse Sie daraus ziehen, entscheiden Sie selbst.“

– aus dem Film-Trailer zu L’année dernière à Marienbad von Alain Resnais und Alain Robbe-Grillet

Photo: Antonia Baehr

Des miss et des mystères

A choreographic radio play
By Antonia Baehr & Valérie Castan
Freely inspired by John Smith, The Girl Chewing Gum (1976), by Marius Petitpa, Swan Lake (1895), and by Valeska Gert, Canaille (1919)
Concept: Antonia Baehr, Valérie Castan
Reader: Valérie Castan (original French version), Anna Schmidt (German version), N.N. (English, Italian, and Spanish version, a.o.)
Performance, costume and choreography: William Wheeler
Music (inside piano, mixing board): Andrea Neumann
Text, choreography: Antonia Baehr, Valérie Castan
Scenography, lighting design: Antonia Baehr
German translation (text): Katja Roloff
English translation (surtitles): Corinne Hundleby
Matrix surtitles: Guillaume Cailleau (KITA)
Technical direction, lighting design: Rima Ben Brahim
Sound: Ian Douglas-Moore
Proofreading: Reynalde Nicolin, Valérie Deronzier
Internship: Lois Bartel, Guy Marsan
Thank you to: Chantal Akerman, Antoine Doinel, Sabine Macher, Delphine Seyrig, Christophe Wavelet
Administration: Alexandra Wellensiek

Coproduction: Kampnagel (Hamburg), Buda Kunstencentrum (Kortrijk), PACT Zollverein (Essen), Theater Freiburg (Freiburg), Festival Uzès Danse (Uzes), NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) Coproduction Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media on the basis of a decision by the German Bundestag
Supported by: Berliner Senatskanzlei für kulturelle Angelegenheiten, ausland / berlin in the frame of the residence program, Artists in Residence program at fabrik Potsdam.

January 29 fabrik Potsdam, Potsdam, Germany

engl.

Misses and Mysteries
A choreographic radio play

Freely inspired by The Girl Chewing Gum by John Smith (1976), Swan Lake by Marius Petitpa (1895) and Canaille by Valeska Gert (1919)

„You think you see what you are listening to.“ – Gertrude Ferrant

Misses and Mysteries is at once a choreography, a Nouvelle Vague Drag Show, and a radio play. The process of audio description for visually impaired audiences is employed in order to verbally relate an imaginary performance. A speaker speaks a text, the musician Andrea Neumann accompanies her live on the inside piano. On stage, the performer William Wheeler, except for when he is somewhere else. Or someone else. One can see and hear words, actions, dances, childhoods where everything comes into play, where everything is contingent on play, where everything is play: drag, star-crossed love, cannibalism, fetishism, animism . . . “Already as a child, I was ‘doing it’ everywhere: in my room, in my parents’ living room, alone or in public. I did it with relish and above all out of pure lust.” – Valérie Castan.

„Be attentive. An object, a gesture, a scenery, a posture, the slightest detail bears its own meaning. (. . .) You yourself shall be the fabricator of the story, which you shall derive from the images you see, according to your sensibility, your character, your mood, experiences from your own life story. It is up to you whether this or that image represents truth or lies, whether this image is real or imaginary, whether that image shows the present or the past. You shall be furnished with all the given elements. Whatever conclusions you draw from these is for you to decide.”

– from the trailer for Last Year at Marienbad by Alain Resnais and Alain Robbe-Grillet

fr.

Des miss et des mystères
une chorégraphie radiophonique

librement inspiré de The Girl Chewing Gum de John Smith (1976), du Lac des cygnes de Marius Petitpa (1895), et de Canaille de Valeska Gert (1919)

Des miss et des mystères est à la fois un spectacle chorégraphique, du cabaret « nouvelle vague » et une fiction radiophonique. La pièce utilise la méthode de l’audiodescription pour le public déficient visuel afin de décrire un spectacle imaginaire. Un texte lu par une lectrice est accompagné en direct par la musique d’Andrea Neumann au cadre de piano. Sur scène, le performeur William Wheeler sera là, ou bien ailleurs – à moins qu’il ne soit une autre. Sont donnés à voir et à entendre des mots, des actions, des danses, des enfances, où tout se joue, où tout est jeu : travestissement, amour impossible, cannibalisme, fétichisme, animisme… « Enfant déjà, je le faisais partout, dans ma chambre, dans le salon de mes parents, seule ou en public, je le faisais avec plaisir, d’abord pour le plaisir. » – Valérie Castan

« Soyez attentifs, un objet, un geste, un décor, une attitude, le moindre détail a son importance. À partir des images que vous verrez, vous créerez vous-même l’histoire, d’après votre sensibilité, votre caractère, votre humeur, votre vie passée. C’est à vous qu’il appartiendra de décider si cette image ou celle-là représente la vérité ou le mensonge. Si cette image est réelle ou imaginaire, si cette image figure le présent ou le passé. Tous les éléments vous seront donnés. À vous de conclure. »
– extrait de la bande-annonce de L’Année dernière à Marienbad d’Alain Resnais et Alain Robbe-Grillet

de

Misses und Mysterien

Ein choreografisches Hörspiel

frei inspiriert von The Girl Chewing Gum von John Smith (1976), Schwanensee von Marius Petitpa (1895) und Canaille von Valeska Gert (1919)

Misses und Mysterien ist Choreografie, Nouvelle Vague Drag Show und Hörspiel zugleich. Das Verfahren der Audiodeskription für sehbehindertes Publikum kommt hier zum Einsatz, um eine imaginäre Aufführung zu beschreiben. Eine Sprecherin liest einen Text, die Musikerin Andrea Neumann begleitet sie live auf dem Innenklavier. Auf der Bühne: Der Performer William Wheeler. Wenn er nicht doch woanders ist. Oder eine andere. Zu sehen und zu hören sind Worte, Handlungen, Tänze, Kindheiten, bei denen alles ins Spiel kommt, alles auf dem Spiel steht, alles Spiel ist: Drag, unmögliche Liebe, Kannibalismus, Fetischismus, Animismus … „Schon als Kind tat ich es überall, in meinem Zimmer, bei meinen Eltern im Wohnzimmer, allein oder in der Öffentlichkeit, ich tat es mit großem Vergnügen und vor allem aus purer Lust.“ – Valérie Castan.

„Seien Sie aufmerksam. Ein Gegenstand, eine Geste, eine Szenerie, eine Haltung, das geringste Detail hat seine Bedeutung. (…) Aus den Bildern, die Sie sehen, werden Sie selbst die Geschichte erschaffen, gemäß Ihrer Sensibilität, Ihrem Charakter, Ihrer Stimmung, Ihren Erlebnissen in der Vergangenheit. Ihnen bleibt überlassen, ob dieses oder jenes Bild Wahrheit oder Lüge darstellt, ob dieses Bild real ist oder imaginär, ob jenes Bild Gegenwart oder Vergangenheit zeigt. Sie erhalten alle gegebenen Elemente. Welche Schlüsse Sie daraus ziehen, entscheiden Sie selbst.“

– aus dem Film-Trailer zu L’année dernière à Marienbad von Alain Resnais und Alain Robbe-Grillet

Photo: Antonia Baehr

Des miss et des mystères

A choreographic radio play
By Antonia Baehr & Valérie Castan
Freely inspired by John Smith, The Girl Chewing Gum (1976), by Marius Petitpa, Swan Lake (1895), and by Valeska Gert, Canaille (1919)
Concept: Antonia Baehr, Valérie Castan
Reader: Valérie Castan (original French version), Anna Schmidt (German version), N.N. (English, Italian, and Spanish version, a.o.)
Performance, costume and choreography: William Wheeler
Music (inside piano, mixing board): Andrea Neumann
Text, choreography: Antonia Baehr, Valérie Castan
Scenography, lighting design: Antonia Baehr
German translation (text): Katja Roloff
English translation (surtitles): Corinne Hundleby
Matrix surtitles: Guillaume Cailleau (KITA)
Technical direction, lighting design: Rima Ben Brahim
Sound: Ian Douglas-Moore
Proofreading: Reynalde Nicolin, Valérie Deronzier
Internship: Lois Bartel, Guy Marsan
Thank you to: Chantal Akerman, Antoine Doinel, Sabine Macher, Delphine Seyrig, Christophe Wavelet
Administration: Alexandra Wellensiek

Coproduction: Kampnagel (Hamburg), Buda Kunstencentrum (Kortrijk), PACT Zollverein (Essen), Theater Freiburg (Freiburg), Festival Uzès Danse (Uzes), NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) Coproduction Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media on the basis of a decision by the German Bundestag
Supported by: Berliner Senatskanzlei für kulturelle Angelegenheiten, ausland / berlin in the frame of the residence program, Artists in Residence program at fabrik Potsdam.

March 25 – May 1, Theater Freiburg & Museum für Neue Kunst Freiburg , Freiburg, Germany

engl.

DEPOT ERBE

Conference/Exhibition/Performances

A Tanzfonds Erbe Project/Theater Freiburg & Museum für Neue Kunst Freiburg

Saturday 25th March – Monday 1st of May 2017

„I’ve never been there in my whole life“, an installation by A. Baehr & N. Hülcker

There is a storage room in the depot where things that are not exhibited or have been discarded are piled up. It is a cluttered archive of reticent and hidden remains interwoven with our voices. These voices are our real and imitated children’s voices that continue to haunt our bodies. We visit the ghosts of that which has been sorted out, deposited, and marginalized and take them with us into the future.

About Depot Erbe:

Choreographers and artists from all over Europe gather in the museum and the theatre to re-think the tradition of heritage: Concepts of inheritance, tradition, and passing on are not only discussed, but also put into practice: The one who inherits does not possess—they take part. DEPOT ERBE examines the conception of sustainability and questions how things of the past can be prepared for the future—starting with cultural and bodily memory. A five-week exhibition and a public conference invite visitors to take an active role in cultural heritage as an unfinished inheritance.

By & with: A. Baehr & N. Hülcker | Josep Caballero García with Dani Brown | Marek Lamprecht | LIGNA | Herbert Maier | Anne Mousselet & Etienne Bideau-Rey | Ivana Müller & Paula Caspāo, Ant Hampton, Bojana Kunst, Paz Rojo, Jonas Rutgeerts, David Weber-Krebs | Mickaël Phelippeau | plan b | Jochen Roller | Graham Smith | Olga de Soto | Helen Schröder | Stan’s Cafe | David Weber-Krebs | Christin Vahl | WLDN/ Joanne Leighton | Isa Wortelkamp | Artistic Direction: Anne Kersting in collaboration with Ann-Christin Görtz, Janne Callsen (Theater Freiburg), Christine Litz (MNK), Katharina von Wilcke
A project of the Dance & Performance Section of Theater Freiburg and the Museum für Neue Kunst Freiburg. Funded by TANZFONDS ERBE – An Initiative of the German Federal Cultural Foundation.

de.

DEPOT ERBE

Tagung/Austellung/Performances

Ein Tanzfonds Erbe Projekt/Theater Freiburg & Museum für Neue Kunst Freiburg

Samstag 25. März – Montag 1. Mai 2017

„Da war ich noch nie in meinem ganzen Leben“, eine Installation von A. Baehr & N. Hülcker

Es gibt eine Rumpelkammer im Depot, in der sich das nicht Ausgestellte und Weggeworfene türmt. Es ist ein wirres Archiv von verschwiegenen und verborgenen Hinterlassenschaften, in das sich unsere Stimmen flechten. Diese Stimmen sind unsere echten und imitierten Kinderstimmen, die in unseren Körpern weiterspuken. Wir besuchen die Geister des Aussortierten, Abgelegten und Marginalisierten und nehmen sie mit raus in die Zukunft.

Über Depot Erbe:

Choreograf*innen und Künstler*innen aus ganz Europa versammeln sich im Museum und im Theater, um die Tradition von Erbschaft umzudenken: Konzepte von Hinterlassenschaft, Überlieferung und Weitergabe werden nicht nur diskutiert, sondern auch praktiziert: Wer erbt, besitzt nicht – er nimmt teil. DEPOT ERBE steigt in die Begriffsdebatte von Nachhaltigkeit ein und fragt, wie man Vergangenes für die Zukunft aufbereiten kann – angefangen beim kulturellen und körperlichen Gedächtnis. Eine fünf- wöchige Ausstellung und eine öffentliche Tagung laden Besucher*innen dazu ein, kulturelles Erbe als unbeendete Hinterlassenschaft fortzusetzen.

Von & mit: A. Baehr & N. Hülcker | Josep Caballero García mit Dani Brown | Marek Lamprecht | LIGNA | Herbert Maier | Anne Mousselet & Etienne Bideau-Rey | Ivana Müller & Paula Caspāo, Ant Hampton, Bojana Kunst, Paz Rojo, Jonas Rutgeerts, David Weber-Krebs | Mickaël Phelippeau | plan b | Jochen Roller | Graham Smith | Olga de Soto | Helen Schröder | Stan’s Cafe | David Weber-Krebs | Christin Vahl | WLDN/ Joanne Leighton | Isa Wortelkamp | Künstlerische Leitung: Anne Kersting in Zusammenarbeit mit Ann-Christin Görtz, Janne Callsen (Theater Freiburg), Christine Litz (MNK), Katharina von Wilcke

DEPOT ERBE ist ein Projekt der Tanz & Performance-Sparte am Theater Freiburg und des Museum für Neue Kunst Freiburg. Gefördert von TANZ- FONDS ERBE – eine Initiative der Kulturstiftung des Bundes

16 & 17 May, Theater Freiburg, Germany

engl.

Antonia Baehr’s latest piece is about an ever-present but mostly overlooked aspect of western theatre buildings: the emergency exit signs. Like many theatre artists, she has also made constant efforts to fight against this ‚visual noise‘ that makes a real blackout impossible. In this lecture performance, however, she makes them the stars. EXIT takes us into a world between light and dark, in which the green light makes us think about the supposedly fixed oppositions of „inside“ and „outside“, „safety“ and „danger“ or „body“ and „image“. It is a magical journey through the things that theatre tries to ignore and the western image of humans it has helped to create.

de.

In ihrer neusten Arbeit widmet sich Antonia Baehr einem allgegenwärtigen, aber meist übersehenen Phänomen westlicher Theaterhäuser: dem oligatorischen Leuchten der Notausgangsschilder. Während Sie selbst genau wie viele andere Theaterkünstler*innen immer wieder Anstrengungen unternommen hat, diese „Störgeräusche“ einer wirklichen Dunkelheit zu unterdrücken, macht sie Sie nun zu den „Stars“ ihrer Lecture Performance. EXIT nimmt uns mit in eine Sphäre zwischen Licht und Dunkel, in der uns das grüne Glimmen mit den Paradoxien der vermeintlich stabilen Binarismen von „Drinnen“ und „Draussen“, „Sicherheit“ und „Gefahr“ und „Körper“ und „Bild“ konfrontiert – eine Traumreise durch das Verdrängte des Theaters und das Phantasma des von ihm maßgeblich mitgeprägten westlichen Menschenbildes.

Concept & performance: Antonia Baehr

Sound design and technical direction: Carola Caggiano

Dramaturgical collaboration: Lindy Annis, Bettina Knaup, Mayte Zimmermann

Research: Manon Haase, Laura Schilling, Sarah Tehranian

Production assistance: Nele Beinborn

Organization: Alexandra Wellensiek

Based on audio-messages by: Lindy Annis, Frédéric Bigot, Frieder Butzmann, Carola Caggiano, Mette Edvardsen, Silvia Fanti, Neo Hülcker, André Lepecki, JMK Nicholas, Stefan Pente, Anne Quirynen, Michael Schlund, Anna Wagner & an interview with Susanne Görres

A production by make up productions in copproduction with Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt), Theater Freiburg (Freiburg), HAU Hebbel am Ufer (Berlin)

© Antonia Baehr

Gefördert durch

Koproduktionsförderung Tanz aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Dank an: Cris Blanco, Deutsche Oper Berlin, Susanne Görres & Hau Hebbel am Ufer Team, Eva Meyer-Keller, Constanze Schellow, Anna Wagner & Team Mousonturm

© Antonia Baehr

Funded by

Koproduktionsförderung Tanz aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Thank you to: Cris Blanco, Deutsche Oper Berlin, Susanne Görres & Hau Hebbel am Ufer Team, Eva Meyer-Keller, Constanze Schellow, Anna Wagner & Team Mousonturm

Konzept & Performance: Antonia Baehr

Technische Leitung: Carola Caggiano

Dramaturgie: Lindy Annis

Dramaturgische Mitarbeit: Bettina Knaup, Mayte Zimmermann

Recherche : Manon Haase, Laura Schilling, Sarah Tehranian

Produktionsassistenz: Nele Beinborn

Organisation: Alexandra Wellensiek

Basierend auf Audio-Messages von: Lindy Annis, Frédéric Bigot, Frieder Butzmann, Carola Caggiano, Mette Edvardsen, Silvia Fanti, Neo Hülcker, André Lepecki, JMK Nicholas, Stefan Pente, Anne Quirynen, Michael Schlund, Anna Wagner & einem Interview mit Susanne Görres

Eine Produktion von make up productions in Koproduktion mit Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt), Theater Freiburg (Freiburg), HAU Hebbel am Ufer (Berlin)

Gefördert durch

Koproduktionsförderung Tanz aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Dank an: Cris Blanco, Deutsche Oper Berlin, Susanne Görres & Hau Hebbel am Ufer Team, Eva Meyer-Keller, Constanze Schellow, Anna Wagner & Team Mousonturm

© Antonia Baehr

1 & 2 December 2020, The Extraordinary Wig, kunstencentrum BUDA , NEXT Festival, Kortrijk, Belgium (POSTPONED to 2021)

The Extraordinary Wig

A project by Antonia Baehr and Lucile Desamory

Fringe white, syringe, brown, brown, black, white, grey, elastic rope, hand twine, twine mixed, twine old, beige, brown, grey, twine, twine grey, twine beige, twine red, blue, roll A55, rail, rings, screw eyelets, eyelets, eyelet work, rings, carabiner, tulle, rose petals, anemone (colorful), tiger lily leaves, rose leaves, dandelion leaves, grass, foxglove, fiddle, leaf shapes, flowers, narrow leaves, very thin floral wire green red, wire, flower stems, furniture ornament, leaves red poppy with leaves, flower calyxes, full, gerbera, full, flower calyxes pointed, big gerbera, spring flowers, half, leaves, petals, bouquets, rose petals (coarse), rose leaves, empty, leaves, various kinds of flowers, wire leaves, de-fix foils (different colours), branches, leaves, long narrow leaves, petals, rose petals yellow, skull, pear, potato, potato, corn, face masks, ladies rococo, very old wigs, dreadlocks, hands/feet, intestines, bowels, hearts, teeth, eyes, penis, ears, roots, snow queen, long dark baal, smooth baal, smooth baal noses, warm foam parts, bald heads with hair, dolls, larvae, horns, lips, leather masks, horns, animal noses, tulle leftovers

Five small stages, four live improvised songs, twenty-three whatsapp messages, some dreams of the theatre, nine mushrooms, a treasure of petals and at least two magic tricks. Lucile Desamory and Antonia Baehr are interested in hidden classification systems. In their collaboration, they roam through stage elements they found at the scrapyard of the Leipzig Opera House and follow the fascination of worn objects, including some from their own past. They have painted, masks and portraits, they have had conversations, they will wear some wigs and in between they will lose their subject.

photo: Anja Weber

Concept, artistic direction & performance: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Dramaturgical collaboration: Sabine Ercklentz, Constanze Schellow, Isabell Spengler, Mayte Zimmermann

Sound design: Carola Caggiano

Light design: Gretchen Blegen

Lighting control: Gretchen Blegen, Anahi Perez

Video: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Magic tricks: Mischa Desamory

Stage design: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Stage, costume and production assistance: Lise Kruse

Production of the costumes in the costume workshops of the Leipzig Opera/ costume director: Silke Wey
Production of the decorations in the theatre workshops of the Leipzig Opera / Workshop director: Bernd Niesar, design department / production management: Matthias Gollner
Internship: Maj Lilith Hemmesmann, Fenja Offhaus

Administration: Alexandra Wellensiek / make up productions

Thanks to: Guy Desamory, Martin Baehr, Ulrich Baehr, the technicians* and employees* of the theatre and costume workshops of the Leipzig Opera and the mask workshop of the Schauspiel Leipzig especially the interview partners Doris Haenert, Sandra Jähnert, Manja Kölpin, Julia Markow and Gabriele Obst as well as the Kunstverein Leipzig

A production by make up productions in co-production with Residenz Schauspiel Leipzig, HAU Hebbel am Ufer Berlin, Theater Freiburg, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, NEXT festival – Eurometropolis Lille-Kortrijk-Tournai + Valenciennes / Kunstencentrum BUDA (Kortrijk, Belgium)

Supported by the NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) Coproduction Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media

Premiere: 1 February 2020, Residenz Schauspiel Leipzig

Autumn 2021, The Extraordinary Wig, kunstencentrum BUDA , NEXT Festival, Kortrijk, Belgium

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The Extraordinary Wig

A project by Antonia Baehr and Lucile Desamory

Fringe white, syringe, brown, brown, black, white, grey, elastic rope, hand twine, twine mixed, twine old, beige, brown, grey, twine, twine grey, twine beige, twine red, blue, roll A55, rail, rings, screw eyelets, eyelets, eyelet work, rings, carabiner, tulle, rose petals, anemone (colorful), tiger lily leaves, rose leaves, dandelion leaves, grass, foxglove, fiddle, leaf shapes, flowers, narrow leaves, very thin floral wire green red, wire, flower stems, furniture ornament, leaves red poppy with leaves, flower calyxes, full, gerbera, full, flower calyxes pointed, big gerbera, spring flowers, half, leaves, petals, bouquets, rose petals (coarse), rose leaves, empty, leaves, various kinds of flowers, wire leaves, de-fix foils (different colours), branches, leaves, long narrow leaves, petals, rose petals yellow, skull, pear, potato, potato, corn, face masks, ladies rococo, very old wigs, dreadlocks, hands/feet, intestines, bowels, hearts, teeth, eyes, penis, ears, roots, snow queen, long dark baal, smooth baal, smooth baal noses, warm foam parts, bald heads with hair, dolls, larvae, horns, lips, leather masks, horns, animal noses, tulle leftovers

Five small stages, four live improvised songs, twenty-three whatsapp messages, some dreams of the theatre, nine mushrooms, a treasure of petals and at least two magic tricks. Lucile Desamory and Antonia Baehr are interested in hidden classification systems. In their collaboration, they roam through stage elements they found at the scrapyard of the Leipzig Opera House and follow the fascination of worn objects, including some from their own past. They have painted, masks and portraits, they have had conversations, they will wear some wigs and in between they will lose their subject.

photo: Anja Weber

Concept, artistic direction & performance: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Dramaturgical collaboration: Sabine Ercklentz, Constanze Schellow, Isabell Spengler, Mayte Zimmermann

Sound design: Carola Caggiano

Light design: Gretchen Blegen

Lighting control: Gretchen Blegen, Anahi Perez

Video: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Magic tricks: Mischa Desamory

Stage design: Antonia Baehr, Lucile Desamory

Stage, costume and production assistance: Lise Kruse

Production of the costumes in the costume workshops of the Leipzig Opera/ costume director: Silke Wey
Production of the decorations in the theatre workshops of the Leipzig Opera / Workshop director: Bernd Niesar, design department / production management: Matthias Gollner
Internship: Maj Lilith Hemmesmann, Fenja Offhaus

Administration: Alexandra Wellensiek / make up productions

Thanks to: Guy Desamory, Martin Baehr, Ulrich Baehr, the technicians* and employees* of the theatre and costume workshops of the Leipzig Opera and the mask workshop of the Schauspiel Leipzig especially the interview partners Doris Haenert, Sandra Jähnert, Manja Kölpin, Julia Markow and Gabriele Obst as well as the Kunstverein Leipzig

A production by make up productions in co-production with Residenz Schauspiel Leipzig, HAU Hebbel am Ufer Berlin, Theater Freiburg, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, NEXT festival – Eurometropolis Lille-Kortrijk-Tournai + Valenciennes / Kunstencentrum BUDA (Kortrijk, Belgium)

Supported by the NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) Coproduction Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media

Premiere: 1 February 2020, Residenz Schauspiel Leipzig

April 10 & 11,Laboratoires d’Aubervilliers, Paris, France

RIRE, the new creation by Antonia Baehr in collaboration with Valérie Castan and Lindy Annis (dramaturgy).

March 13 & 14, Vooruit, Gent, Netherlands.

April 1, 2, 4 & 5, Théâtre de la Bastille, Paris, France.

March 10, Atheneum, Dijon, France

Summer & Fall, Werner Hirsch at the Venice Biennale and the Venice International Film Festival

Werner Hirsch performs in the film installation „No Past“ / „No Future“ by Pauline Boudry & Renate Lorenz at Teatro Fundamenta Nuoveas as part of Chewing the Scenery, Switzerland’s official participation in the 54th International Art Exhibition—la Biennale di Venezia.

And at the 68th Venice International Film Festival held from August 31 until September 10, he performs in the 3D film „Spell“ by Zarpuder Filmmakersgroup.

January 24, Tanzfabrik Berlin/Wedding, Uferstudios HZT, Berlin, Germany

PERFORMANCE AND THE PUBLIC

OPEN DAY #2 „Social Choreography and Social Drama“

on Tuesday, January 24th, 2012 I 4 – 11 pm I Tanzfabrik Berlin/Wedding, Uferstudios HZT Uferstudios, Studio 1

With: Antonia Baehr, Bojana Cvejic (TkH), Ole Frahm (Ligna), Isabell Lorey, Torsten Michaelsen (Ligna), Marta Popivoda (TkH), Nicolas Siepen (b_books), Ana Vujanovic (TkH) and Siegmar Zacharias

In the frame of TkH [Walking Theory] residency „How To Do Things By Theory“ at Les Laboratoires d’Aubervilliers in Paris (2010-2012), the theoretical-artistic platform from Belgrade started a research about „Performance and the Public“. Ana Vujanovic, Bojana Cvejic and Marta Popivoda examine state performances as well as performances of the public and its citizens informed by two different contexts, socialist Yugoslavia and contemporary Western neoliberal capitalism. For their OPEN DAY they featuring heterogeneous artifacts: movements, images, laws, habits, writings in various formats, e.g. „sharp thoughts“ or „running commentaries“ debate that include a few artists and scholars as guests and collaborators in this research phase.

PROGRAMME
16.00-19.45 ‚Social Choreography and Social Drama‘, introductory lecture by Ana Vujanovic and Bojana Cvejic, ‚Yugoslavia: How Ideas Moved Our Collective Body‘ by Marta Popivoda (selection from video archives, screening with discussion), ‚Sharp Thoughts‘ with Antonia Baehr and Siegmar Zacharias

19.45-20.30 dinner break

20.30-23.00 ‚The Occupy: Non-representationist, Presentist Democracy‘, lecture by Isabell Lorey, public interview with Ligna collective, ‚Running Commentary‘ by Nicolas Siepen on ‚Shifting/Sitting‘ by Aernout Mik.

Free Admisssion

January 24, Domaine, Centre Chorégraphique National de Montpellier Langedoc-Roussillon, France

One of them is quick, the other slow, one gulps down his food, the other one savours it, one of them is at the beginning of his life, the other one started her last quarter, one knows her ancestors of at least six generations, the other one is unaware until his grandparents, and both have metal ends in their bodies.
Tocki and Bettina von Arnim live together in the same house. They do not speak the same language, they are hardly alike and yet, they have assembled.
In „My Dog is My Piano“, Antonia Baehr sketches a subjective acoustic portrait of the affinity between her mother and her dog: can the house they share be read as the music score of the stories of canine-human living together? What kind of language emerges from this long duet of everyday comings and goings, of these choreographies of affinities?

Concept, development, performance: Antonia Baehr


Dramaturgical support: Valérie Castan


Sound: Fred Bigot, Angela Anderson


Light design: Sylvie Garot, Georgia Ben-Brahim


Sound mastering: Angela Anderson


Administration: Alexandra Wellensiek


Production: make up productions, www.make-up-productions.net

Supported by : FAR° festival des arts vivants (Nyon)

Thank you: Bettina von Arnim, Tocki von Arnim, Donna J. Haraway, François Noudelmann, Avital Ronell, Gertrude Stein, Villa Gillet/ Walls and Bridges NYC. Infinite Affinities – Chords and Discords

March 7-8, Les Complices* , Zürich, Swizterland

engl.

The Wildes

Ida & Henry Wilde

The Wildes invite you into their Victorian salon. As our guests you will partake in an exhibition and a book, performed texts and animated images, light refreshments and even lighter entertainment, many hats and scarves, as well as the history of the unconsumed marriage of Ida and Henry Wilde. The two of us would like to share some of our private lives, to host this salon which lends a new visibility to our everyday performance.

Since several years, Ida Wilde has been drawing the real life of Mr. and Mrs. Wilde in Victorian-style illustrations which will be presented at the salon. New illustrations are shown as an exhibition, narrated and sung by Henry Wilde in a performance and lecture-storytelling for the guests.

The hosts mingle with the audience, there is tea and cake, the mood and costumes are ceremonial, the conversation courtly, the program challenging ones notions of identity, gender, marriage, and community.

Please dare to come dressed in your finery!

We look forward to welcoming you to our salon.

Ida & Henry Wilde

„Eine wirklich Wilde Geschichte; Die wahre Geschichte der Ehe von Ida

und Henry Wilde.“, by Ida Wilde, pencil on paper, 30 x 20 cm, 2004

Text, book and exhibition: Ida Wilde

Reading, music and slides: Henry Wilde

In collaboration with: Gili Ben-Zvi, Carola Caggiano, Barbara Greiner, Mirjam Junker, Conrad Noack, Itamar Lerner, Gisa Schraml, Yael Stein, Minze Tummescheit, Alexandra Wellensiek, William Wheeler

Thank you to:

Lindy Annis, Angela Anderson, Guillaume Cailleau, Noam Gorbat, Arne Hector, Sukandar Kartadinata, Asi Föcker, Isabell Spengler, Andrea Thal, Claire Schmartz, Les Complices und ausland

Supported by: Berliner Senatskanzlei für kulturelle Angelegenheiten